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Tercer Texto · No. 2 Irrupciones al Sur

2012-01-23T11:11:00.003+10:00

Tercer Texto . Una perspectiva crítica sobre el arte y la cultura contemporáneos

No. 2 'Irrupciones al Sur. Nuevas formas de antagonismo artístico-político en América Latina' Co-editado por Miguel López y Ana Longoni con colaboraciones de Olivier Debroise, Fernanda Nogueira, Jaime Vindel, Ana Longoni, Andre Mesquita, Miguel López, Fernanda Carvajal, Sol Henaro, Víctor Manuel Rodríguez, Lia Colombino, Héctor Ibarra, Rachel Weiss y Fernando Davis.

Número completo on-line con pdf's para descargar:
http://www.tercertexto.org/
Tercer Texto es una revista académica online en español, cubriendo particularmente lo que sucede a nivel del discurso teórico, crítico y cultural principalmente en América Latina y el Caribe, Asia y África, así como los centros (y los no-centros) de Europa y de Norteamérica.

Imagen en portada: Rubén Valencia para el No-Grupo

SITAC X

2012-01-08T06:43:00.001+10:00

próximamente

más en: http://www.pac.org.mx/sitac/

http://www.facebook.com/patronato.de.arte.contemporaneo

antes de la resaca... Una fracción de los noventa en la Colección del MUAC (en Farenheit)

2011-12-22T13:09:00.003+10:00

Sobre el No-Grupo (En Letras Libres)

2011-12-22T12:28:00.001+10:00

2011-12-22T12:26:00.000+10:00

Poéticas/Políticas. Prácticas antagonistas en arte/política en América Latina desde los años 60

1. Presentación

Imparte: Ana Longoni Horario: del 7, 8, 9, 10, 13 y 14 de febrero de 10 a 14 hrs
Lugar: Sala de Conferencias.

1. PresentaciónA lo largo del seminario, nos proponemos revisar una serie de experiencias de articulación entre arte y política que tuvieron lugar en Argentina y otros países de América Latina desde la década del 60 en adelante. Esta diversidad de “casos” comparte la voluntad por confrontar o incidir desde el arte sobre las condiciones de existencia, y por consiguiente la puesta en cuestión o el desbordamiento del límite convencional entre arte y no arte. En distintos contextos históricos y geopolíticos, estos movimientos sostuvieron posicionamientos explícitos que cuestionaron o redefinieron la noción instituida de “obra”, “arte”, “artista” a la vez que la concepción de lo “político” a través de diversos rumbos que conjugaron la experimentación y la radicalidad tanto poética como política.

Ver programa en: http://www.muac.unam.mx/proyectos/campusexpandido/seminarios/14.html
CAMPUS EXPANDIDO

pedacería propia

2011-12-22T12:08:00.001+10:00

Debates públicos en torno a expo "Antes de la resaca... una fracción de los noventa en la colección del MUAC"

2011-08-23T07:40:00.002+10:00

Del Liberalismo al Neoliberalismo
Tránsitos peliagudos en el escenario artístico, político y social en México

El entorno de los años noventa en México está habitado por una pluralidad de proyectos y situaciones políticas, sociales, económicas y culturales que repercutieron en la vida social de distintas formas: la puesta en marcha del TLC, el levantamiento del EZLN o bien, la conformación de instituciones como el CONACULTA/FONCA, por ejemplo.

Precisamente esta primera mesa pública intentará re-abordar ese complejo escenario para reflexionar colectivamente sobre cómo éstas trastocaron o transformaron también la producción artística contemporánea y leer, al mismo tiempo, sus posibles reverberaciones.

Estos debates acompañan a la exposición Antes de la resaca... una fracción de los noventa en la colección del MUAC con la voluntad de convocar otras voces más allá de las visibles en la exhibición y generar con ello diversas aproximaciones al periodo aludido en la misma.

Participan:
Magali Arriola, Néstor García Canclini, Federico Navarrete y Jorge Volpi
Modera: Ery Cámara

24 de agosto, 18:00 a 20:00 hrs.
Auditorio MUAC
Entrada libre

Próximos debates

· Espacios de activación social
Reven, antros, música, revistas y lecturas heterodoxas.
Participan: Rogelio Villareal, Kurt Hollander, Francisco Reyes Palma, Luis Gerardo Salas y José Luis Paredes Pacho
Moderadora: Sol Henaro
21 de septiembre, 18:00 a 20:00 hrs.

· Otros detonadores
Entre galerías y proyectos institucionales.
Participan: Benjamín Díaz, Lorena Wolfer, Guillermo Santamarina y Patrick Charpenel
Moderador: Jorge Reyonso
26 de octubre, 18:00 a 20:00 hrs.

· El museo no es el único sitio
Surgimiento de algunos espacios y proyectos independientes.
Participan: Boris Viskin, Aldo Flores, Pedro Reyes
Moderador: Edgardo Ganado Kim
30 de noviembre, 18:00 a 20:00 hrs.

Museo Universitario Arte Contemporáneo
www.muac.unam.mx | +52 (55) 5622 6972
Centro Cultural Universitario

artecorreo | la publicación

2011-07-23T15:21:00.006+10:00

Museo de la Ciudad de México
22 de julio 2011
Hacer del intercambio postal empeño presente necesario
(Arte Correo, la publicación)
Sol Henaro

Hace algunas semanas (no recuerdo el contexto exacto) conversaba con una colega a quien denominaré Z. Frunciendo el ceño, Z puso en duda un comentario mío por lo que al notar su gesto de incredulidad, quise sostener y sopesar con ella.

Hablábamos sobre el lugar de la curaduría hoy día en relación a hace 10 o 15 años. Dilucidábamos sobre las nuevas generaciones de practicantes de la historia del arte y cómo la entienden –o la repiten y solidifican- muchos de ellos. Creo que hay agentes del medio artístico (y no necesariamente provienen de esa disciplina, de historia del arte) que intentan hilvanar otras lecturas sobre los relatos de la historia del arte mientras que Z, al respecto, veía un panorama más bien yermo donde a su parecer, prácticamente nadie se interesa por re-pensar la historia por lejana o inmediata que esta sea a nosotros. Yo no lo veo así, que probablemente no son muchos los que intentan articular una mirada crítica sobre las amnesias de los relatos historiográficos puede ser cierto, pero de que hay singularidades que pugnan al respecto, no tengo dudas. Pocos después de esta escena sintetizada, Mauricio Marcín puso en mis manos la publicación “ARTECORREO” y entonces, el ceño fruncido de Z que permanecía en mi memoria, se disipó de un palmo. Para muestra, basta un botón… y hoy precisamente nos reunimos para celebrarlo.

Este robusto ejemplar contiene uno de las primeras antologías que habían permanecido bajo el estatus de “pendiente” o bien, a manera de reclamo recurrente en los post-coctéles o en las sobre mesas sin tomar cartas en el asunto: “debería haber una publicación que recoja todas esa producciones, increíble que en este país no se genere memoria!”

Precisamente con una vocación anti nuevos aplazos Marcín y su conjunto de colaboradores cercanos se dieron a la tarea en el 2008 de investigar y ubicar tanto acervos como protagonistas del arte correo en México echando a andar la revisión de algunos ejercicios específicos que tuvieron lugar o atravesaron por México. Pesquisa que se concretó primero bajo formato expositivo en este mismo museo a finales del 2009 y posteriormente, bajo formato editorial donde versaron otra cara de la investigación. Las exposiciones sin duda son importantes por ponernos en contacto directo con aquellos materiales, obras y demás residuos relacionados con determinado marco de estudio pero la publicación cobra otro relieve al permitirnos –sin depender del espacio expositivo- que las reflexiones continúen su expansión, que se impliquen otras lecturas a propósito y que el lector pueda consultar a su tiempo y en distintos momentos, lo ahí cuidadosamente reunido. Es también un dispositivo-diáspora que continuará provocando nuevas articulaciones.

En el texto de presentación, su curador confiesa el deseo que al inicio de la investigación se apoderó del equipo: el ansia por encontrarlo todo y por generar la cartografía más completa al respecto. Por suerte, se percataron del impulso megalomaníaco y optaron por concentrarse en trece archivos cuyas singularidades se antojan de inmediato: Poesía concreta, Mathias Goeitz, Pedro Friedeberg, Felipe Ehrenberg, Clemente Padín, Solidarte/México, Mauricio Guerrero, Manuel Marin, Grupo Março, Marcos Kurtycz, Polvo de Gallina Negra, Poema Colectivo Revolución, Ulises Carrión y Arte Fax.

La reunión de estos archivos/proyectos significa una oportunidad sin antecedente para entrar en contacto con producciones específicas que han sido poco visibilizadas como, por poner un ejemplo, la potencia que significó el proyecto Solidarte/México el cual, a través del arte correo, creo una red internacional de solidaridad y denuncia sobre los ejercicios de poder por los que atravesaban diversos países en América Latina.

Fruto de comunicaciones equivalentes al intercambio postal (me refiero a la herramienta del correo electrónico o el skype) Mauricio ha contactado a distintos detectives salvajes del arte correo internacional con los que ha mantenido comunicación y a los que ha implicado en esta legión impresa, me refiero a los aportes que sumaron Jennifer Josten, quien desarrolla actualmente su tesis doctoral sobre Mathias Goertiz y que aquí explora la relación de Goertiz con la poesía concreta y la exposición que impulsó éste en la desaparecida Galería Aristos; Fernanda Nogueira que convida una reflexión potente sobre la práctica artística y militante del uruguayo Clemente Padín; Verónica Gerber que hila aspectos sobre el concepto de exilio en la obra de Ulises Carrión o Daniel Garza Usabiaga que aborda la producción de uno de los arte correistas más constantes y determinantes del arte correo en México: Mauricio Guerrero. También vertebran esta memoria impresa el testimonio escrito de Felipe Ehrenberg, la entrevista sostenida por Marcín con las integrantes de Polvo de Gallina Negra (Mónica Mayer y Maris Bustamante) y la revisión a distancia del Poema Colectivo Revolución por parte de Araceli Zúñiga y César Espinosa.

Del arte correo nunca dejará de estimularme el territorio de posibilidad que significó para todos sus practicantes: libertad de expresión, de desplazamiento por geografías imposibles para los cuerpos que en ese momento vivían bajo sistemas de censura y control o bien, debido a la limitada economía de muchos de estos productores artísticos para viajar fuera de sus países pero, principalmente, me asombra la cantidad de nuevos afectos y complicidades que suscitó así como la gran red que ha significado. Arte correo como artefacto de sentido contenido en un sobre… Sobredosis de signos entrecruzados –pero siempre articulados bajo alguna lógica no tradicional- arrojados a un buzón metálico en el mar que significa la ciudad. El correo postal tal vez sea para algunos un residuo en la memoria o desplazamiento ocioso para otros más jóvenes curtidos en las comunicaciones electrónicas o en la economía de frases twiterianas.

Espero que tanto la exposición (que recientemente itineró a la Ciudad de Oaxaca) como ésta publicación de arte correo, susciten deseo en otros para extender nuevos hilos de madeja. Que vengan otras lecturas sobre el arte correo, que desplieguen a partir de esta o que impugnen alguna de las ideas que la atraviesan, que aparezcan otros archivos y nuevos apetitos por generarles lógicas de lectura, que otros se sientan invitados, interpelados, ofendidos, atraídos pero que no queden impávidos o indiferentes ante los guiños que aquí se ofrecen pues “la historia” debe ser relatada colectivamente y desde posiciones plurales para enriquecerla y no para cimentarla dentro del relato historiográfico ya que, como bien apunta el propio Mauricio Marcín en una modesta pero firme nota a pie de página en su texto introductorio: La historia tanto escribe como borra.

Por su trabajo, atención y cuidado que dieron a esta publicación gracias también a: Maru Calva (por el diseño), Gabriel Batiz y Juan Caloca (por la digitalización de imágenes), Rodrigo González (por corrección de estilo), Ana Alba (cuidado de preprensa) y desde luego tanto a Mauricio Marcín como a Cristina Faesler, por hacer posible este nuevo “lugar” para la memoria.

Felicidades Mau!

Poner el cuerpo | seminario

2011-07-21T13:05:00.003+10:00

Poner el cuerpo. Formas del activismo artístico en América Latina, años 80
Centro Cultural España
Lima, Perú
24 - 27 de julio de 2011
Organiza: Red Conceptualismos del Sur, Centro Cultural de España en Lima

Este seminario es parte de un proyecto de investigación de la Red Conceptualismos del Sur, una plataforma de pensamiento, investigación y toma de posición colectiva que existe desde 2007. El seminario tiene como objetivo reactivar una serie de prácticas artísticas ocurridas en países latinoamericanos, fundamentalmente durante la década de 1980, en contextos de represión política y violencia. En esos contextos, distintas prácticas artísticas —colindantes o articuladas con el activismo social o los movimientos contraculturales— plantearon formas de resistencia política alejadas de los cauces de la militancia tradicional, irrumpieron creativamente en la calle a pesar del terror imperante, desquiciaron las identidades sexuales socialmente aceptadas, habitaron experimentalmente espacios ajenos a las instituciones sociales y artísticas establecidas y generaron redes de comunicación poética alternativas.
En esta investigación de largo aliento están implicados cerca de 25 investigadores e investigadoras de Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Paraguay, Perú, Colombia. México y España.
Este primer seminario público de la Red Conceptualismos del Sur en Lima presentará el estado de las investigaciones en sus cuatro ejes de trabajo, con el propósito de discutir colectivamente maneras de activar procesos de producción de conocimiento que incidan políticamente en la esfera pública. Tales procesos tendrían como punto de partida la recuperación de memorias silenciadas, la socialización de archivos documentales y la confrontación de ideas sobre cómo construir formas de institucionalidad anómala. De este modo, la Red Conceptualismos del Sur apuesta por otorgar visibilidad a una serie de prácticas de los años ‘80 latinoamericanos con el deseo de que, en un futuro inmediato, ese rescate tenga repercusiones directas en los contextos locales, dando lugar tanto a nuevas maneras de pensar la naturaleza original de aquellas experiencias, como a la posibilidad de actualizarlas en el presente.

Programa

Domingo 24 de julio de 2011
Proyección de Rosa Patria
18:30 h
Película dirigida por Santiago Loza, 2009, 93 min.
Lugar: Tupac centro de creación contemporánea
Calle 2 de Mayo 253 Barranco, Lima
Mesa redonda: Suely Rolnik, Fernando Davis, Felipe Rivas San Martín y Leonor Silvestri
20:00 h

Lunes 25 de julio de 2011
Proyección de El provocador
19:00 h
Película dirigida por Silvia Maturana, Marcelo Gonnet Wainmayer y Pablo Navarro Espejo, 2011, 86 min.
Lugar: Tupac centro de creación contemporánea
Calle 2 de Mayo 253 Barranco, Lima
Mesa redonda: Ana Longoni, Jaime Vindel, Fernanda Carvajal y André Mesquita
20:30 h

Martes 26 de julio de 2011
Presentación del seminario
16:30 h
Manuel Borja-Villel, Teresa Velázquez y Jesús Carrillo. Museo Reina Sofía
Juan Sánchez. CCE Lima
Ana Longoni, Miguel López, Fernando Davis y Fernanda Nogueira. Red Conceptualismos del Sur
Mesa 1. Desafiar el terror. Activismos artísticos y prácticas creativas vinculadas al movimiento de derechos humanos.
Red Conceptualismos del Sur. El Siluetazo: la política del acontecimiento, 2010. Vídeo, sonido, 23’40’’.
Jaime Vindel. Más allá (y más acá) del activismo artístico: límites y alcances de la noción en América latina en los años 80s.
André Mesquita. Cruces entre colectivos paulistas y argentinos.
Cora Gamarnik. Acciones de los fotorreporteros en la dictadura argentina
Interlocución: Roberto Amigo
Coordinación: Ana Longoni
Mesa 2. Delincuencias visuales, marginalidades creativas. La fiesta y la ocupación como nueva política
19:30 h
Miguel López. Revolución Cultural y Orgía Creativa: el Taller N.N. (1988-1991)
Daniela Lucena. El Café Einstein y el Parakultural en la escena “under” de Buenos Aires
David Gutiérrez. Mapa Teatro (1982-1993): El Laboratorio del Imaginario Social
Sol Henaro. Indicios de la contracultura en México: una lectura panorámica

Interlocución: Alfredo Márquez
Coordinación: Miguel López

Miércoles 27 de julio de 2011
Mesa 3. Cuerpos desobedientes. La irrupción de sexualidades rebeldes en el activismo artístico
17:00 h
Fernando Davis. Cuerpos en fuga. Sexualidades desobedientes, derivas del deseo y estrategias micropolíticas. La escritura crítica de Néstor Perlongher
Fernanda Carvajal. Yeguas del Apocalipsis. La intrusión del cuerpo como desacato y desplazamiento
Felipe Rivas. Estéticas y políticas del deseo. Prácticas artísticas y activismos sexuales en el Chile de los 80 y primeros 90
Emilio Tarazona. Cenizas, escombros y cadáveres. Identidades liminares en la obra del Grupo Chaclacayo
Interlocución: Leonor Silvestri
Coordinación: Fernando Davis
Mesa 4. Redes de resistencia y movilización. El arte correo como extensión del cuerpo político
19:30 a 21:00 h
Clemente Padín. Por el arte y por la paz. Vídeo, 1984 y Por la vida y por la paz. Vídeo, 1987.
Fernanda Nogueira. El cuerpo político más allá de sus límites: acciones en red en el proceso de redemocratización en América Latina
Paulina Varas y Francisca García . Guillermo Deisler: redes, textualidades y cuerpos gráficos
Interlocución: Rachel Weiss
Coordinación: Fernanda Nogueira

Performance de Leonor Silvestri. PornoMacumba Luddismo Sexxxual
21:15 h

Antes de la resaca...

2011-06-23T06:48:00.005+10:00

Antes de la resaca…
Una fracción de los noventa en la Colección del MUAC

A partir de la revisión de los acervos de la Colección de Arte Contemporáneo del MUAC, se presenta esta exhibición colectiva sobre una parte de la generación artística de la década de los noventa en la cual intervinieron diversas situaciones sociales, políticas, económicas y culturales que en conjunto, configuraron una heterogénea comunidad. Para la exposición se ha optado por tomar como pretexto de articulación a tres ejercicios colaborativos: La Quiñonera, Temístocles 44 y La Panadería. El movimiento curatorial se plantea como una posibilidad para leer los efectos de ese periodo en el arte actual de México.

La exposición a cargo de la Curadora de la Colección, Sol Henaro, reúne la producción de veinticinco artistas, la mayoría de ellos presentes en la Colección del MUAC, en la Colección asociada Charpenel-Guadalajara o en algunos de los fondos documentales de Arkehia. Antes de la resaca… evoca un periodo aproximado de quince años en el cual surgieron gran cantidad de proyectos institucionales e independientes que configuraron, en conjunto, un terreno de posibilidad particular y a partir de los cuales México cobró mayor atención internacional.

Artistas participantes:
Eduardo Abaroa, Francis Alÿs, Artemio, Gustavo Artigas, Miguel Calderón, Mónica Castillo, Minerva Cuevas, Abraham Cruzvillegas, José Miguel González Casanova, Claudia Fernández, Daniel Guzmán, Richard Moszka, Diego Toledo, Yoshua Okón, Luis Felipe Ortega, Gabriel Orozco, Taka Fernández, Damián Ortega, Rubén Ortíz Torres, Néstor Quiñones, Vicente Razo, SEMEFO, Melanie Smith, Sofía Táboas y Pablo Vargas Lugo.

Salas 4, 5, 6 y algunas de las terrazas del museo
Inauguración 30 de junio, 18:30 hrs.
Hasta diciembre 2011
Con la presentación de
Sonido Aapokalitzin
19:30 - 21:30 hrs.

Diálogos colectivos en torno a la exposición
Espacio Experimental de Construcción de Sentido (EECS)
18:00 a 20:00 hrs.
Entrada libre

• 24 de agosto
Del liberalismo al neoliberalismo
Tránsitos peliagudos en el escenario artístico, político y social en méxico

• 21 de septiembre
Espacios de activación social
Reven, antros, música, revistas y lecturas heterodoxas

• 26 de octubre
Otros detonadores
Entre galerías y proyectos institucionales

• 30 de noviembre
El museo no es el único sitio
Surgimiento de algunos espacios y proyectos independientes

Foro abierto con artistas participantes

• 19 de agosto, 16:00 a 18:00 hrs.
• 14 de septiembre, 16:00 a 18:00 hrs.
• 12 de octubre, 16:00 a 18:00 hrs.
• 24 de noviembre, 18:00 a 20:00 hrs.

Museo Universitario Arte Contemporáneo
www.muac.unam.mx | +52 (55) 5622 6972
Centro Cultural Universitario

Felipe Ehrenberg/Guillermo Santamarina

2011-06-11T11:16:00.002+10:00

Ahhhh, dos imprescindibles!!!!
re-encuentro en el muac / 2010

::^.^::

INCCA / México (Conservación-restauración Arte Contemporáneo)

2011-06-11T10:50:00.004+10:00

INCCA / International Network for the Conservation of Contemporary Art / MÉXICO

La conformación de la Red Iberoamericana

Del 13 al 15 de junio de 2011
El Instituto Nacional de Antropología e Historia INAH a través de la Escuela Nacional de Conservación,
Restauración y Museografía; el Instituto Nacional de Bellas Artes INBA a través del Centro Nacional
de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble y la Universidad Nacional Autónoma
de México UNAM a través del Museo Universitario Arte Contemporáneo invitan.

Día 1 Sede | Auditorio | MUAC - UNAM
Presentación de grupos INCCA
Problemáticas en la conservación de arte contemporáneo en:
México, Argentina, Uruguay, Brasil, Perú, Portugal y España
8:00 Registro
8:30 Bienvenida | Graciela de la Torre MUAC | Liliana Giorguli ENCRyM | Gabriela Gil CENCROPAM
9:00 Presentación de INCCA: Alberto de Tagle | Agencia para el Patrimonio Cultural (RCE) | Holanda
9:40 Propuesta de trabajo para Iberoamérica. Coordinación general:
Arianne Vanrell | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) | España
10:20 Grupo México | Claudio Hernández | MUAC
10:50 Grupo Uruguay | Vladimir Muhvich | Comisión del Patrimonio Cultural de la Nación (CPCN)
11:20 Grupo Argentina | Gabriela Baldomá | Instituto de Investigación, Conservación y Restauración
de Arte Moderno y Contemporáneo
11:50 Receso
12:10 Grupo Brasil | Gina Gómes | Sección Sao Paulo | Curitiba
12:40 Grupo Brasil | Magali Melleu | Sección Belo Horizonte | Espírito Santo | Rio de Janeiro, Bahía
13:10 Grupo Perú | Rosanna Kuon | Asociación Conservando
13:40 Grupo Portugal | Rita Macedo | Universidad Nueva de Lisboa
18:00 Cocktail de bienvenida

Día 2 Sede | Auditorio | ENCRyM - INAH
Presentación de ponencias
Los alcances en la conservación de arte contemporáneo
9:30 Registro
Educación
10:00 Retos en la formación de restauradores de arte moderno y contemporáneo: Seminario - Taller de Restauración
de Obra Moderna y Contemporánea | Ana Lizeth Mata | Karen Landa | ENCRyM-INAH | México
10:30 Conservación-restauración y arte contemporáneo: desafíos de la educación en programas
académicos de bachillerato | Magali Melleu | Universidad Federal de Minas Gerais | Brasil Belo Horizonte
Participación del artista
11:00 Estrategias para entrevista | Arianne Vanrell | MNCARS | España
11:30 El papel del restaurador frente al Eat Art | Claudia Coronado | México
12:00 Receso
Documentación
12:20 Proyecto estudio de audio y video Museo Carrillo Gil | Ramón Coelho | Museo de Arte Carrillo Gil - INBA | México
Casos de estudio
12:50 Documentación científica e histórica sobre pintura moderna en México: la pintura de David
Alfaro Siqueiros | Sandra Zetina | Instituto de Investigaciones Estéticas-UNAM | México
13:20 Proyecto de restauración de tres murales mexicanos en Chile | Renato Robert Paperetti | CENCROPAM - INBA | México
13:50 Preservación y restauración de instalaciones Proyecto Inside Instalations Latino América:
caso de estudio ‘Ataduras’ Agueda Dicancro| Vladimir Muhvich | CPCN | Uruguay
Intercambio y gestión de la información
16:00 Propuesta código abierto para acceso y preservación de la producción artística |
Jo Ana Morfín | Pedro Santana | Universidad de Bristol - Universidad de Colima | Inglaterra - México
16:30 Una metodología para la gestión digital del arte contemporáneo en Iberoamérica: conceptos y herramientas |
Fernando Sancho | Juan Luis Suárez | Universidad de Western Ontario London - Universidad de Sevilla | Canadá - España
Taller Cupo límitado a 20 personas
17:00 Preservación de documentación y demostración de la base de datos IDAA (INCCA Database for Artist`s Archives):
Agencia para el Patrimonio Cultural (RCE) | Alberto de Tagle | Arianne Vanrell | RCE | MNCARS | Holanda - España
Registro previo e informes | lizeth_matadelgado@yahoo.com.mx

Sedes
MUAC
Museo Universitario Arte Contemporáneo
Insurgentes Sur 3000 | Centro Cultural Universitario | Coyoacán | México DF
ENCRyM
Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía “Manuel del Castillo Negrete”
General Anaya No. 187 | Col. San Diego Churubusco | Coyoacán | México DF
CENCROPAM
Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble
San Ildefonso 60 | Col. Centro México | Cuauhtémoc | México DF

hablar sobre prácticas curatoriales...

2011-05-02T11:22:00.002+10:00

CIRCUITOS DE FLUJO: SIMPOSIO DE PRÁCTICAS CURATORIALES

11-13 de mayo 2011
Hemiciclo de FLACSO
Quito-Ecuador

Dirección: María del Carmen Carrión y Susana Wappenstein

PLANTEAMIENTO
La práctica curatorial se ha visto radicalmente transformada en las últimas décadas debido a la generación de nuevas plataformas de exhibición, al cambio en el estatus del objeto, de la cultura y de la estructura conceptual y administrativa de las instituciones artísticas. Estas transformaciones han generado un profundo cambio en el rol y las competencias del curador. Sus funciones se han expandido y transformado, la figura de éste antes vista únicamente como la de un mediador entre el artista y el público en la actualidad es más cercana a la de un productor cultural que actúa en un campo cultural ampliado.
A su vez, el espacio en el que el curador produce se ha complejizado, la seguridad de la institución ha dado paso a un espacio en constante flujo, un espacio no solo cambiante sino interconectado, en el que diversos aspectos del campo del arte contemporáneo confluyen e intersectan. Estos circuitos de producción involucran el territorio y sus comunidades, las instituciones y el espacio público, las páginas impresas de revistas y plataformas virtuales y los proyectos educativos. Dichos circuitos generan una temporalidad en movimiento, por un lado dirigida al futuro, a lo que está por venir, y otra dimensión enfocada en la memoria, afrontando oleadas de olvido y amnesia cultural.

Circuitos de Flujo desafía cánones y narrativas maestras sobre la producción cultural en la región, busca generar una plataforma de visibilidad y reflexión sobre los diversos modelos de prácticas curatoriales en acción en Latinoamérica, y fomenta la creación de redes de cooperación entre instituciones, artistas, editores, críticos y gestores culturales. Esperamos posibilite la reflexión sobre los alcances y limites del ejercicio curatorial, a la par que brinde canales de reflexión sobre las responsabilidades y capacidades de museos e instituciones culturales contemporáneas.

PARTICIPANTES
Lupe Álvarez. Crítica de arte, profesora e investigadora, Guayaquil.
Fernando Arias. Más Arte Más Acción, Nuquí.
Patricia Belli. EspIRA la Espora, Managua.
Colectivo Tranvía Cero, Quito.
Tony Cruz. Beta‐Local, San Juan.
Cristina Freire. Museo de Arte Contemporáneo de São Paulo MAC-USP.
Marcio Harum. Centro Cultural São Paulo.
Sol Henaro. Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC-UNAM, ciudad de México.
Carmen Hernández. Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez, Caracas.
Manuel Kingman. La Selecta-Cooperativa Cultural, Quito.
Fabiano Kueva. Centro Experimental Oído Salvaje, Quito.
Miguel López. Curador independiente, Lima.
Olga Lucía Lozano. La Silla Vacía, Bogotá.
Guadalupe Maradei. Revista ramona, Buenos Aires.
Ligia Nobre. Arquitecta y curadora, São Paulo.
Sofía Olascoaga. Curadora independiente, México/Nueva York.
Ana Rodríguez. Centro de Arte Contemporáneo de Quito.
Paola Santoscoy. 8va Bienal de Mercosur, Porto Alegre.
Conrado Uribe. MDE11, Medellín.

MODERADORES
X. Andrade. FLACSO, Quito.
Hugo Burgos. Universidad San Francisco de Quito.
Malena Bedoya. Ministerio de Cultura del Ecuador.
María del Carmen Carrión. CONSTRUCTO /.
Susana Wappenstein. FLACSO, Quito.

______________________________

El Simposio es gratuito pero requiere inscripción previa
Para inscribirse escriba a circuitosdeflujo@constructo.org
Se entregará constancias de asistencia a quienes lo soliciten durante la inscripción
Cupos limitados
______________________________
Circuitos de Flujo es un proyecto del Ministerio de Cultura del Ecuador con la participación de:
FLACSO – Ecuador, CONSTRUCTO /, Gobierno de la Provincia de Pichincha. Municipio de Quito

seminarito medio salvaje

2011-02-12T09:33:00.004+10:00

Seminario coordinado por Sol Henaro, curadora de la muestra NO-GRUPO en el MAM. En cuatro sesiones sabatinas se revisarán proyectos (a cargo de sus gestores) que han recuperado archivos artísticos o momentos del pasado histórico-artístico reciente, incluida la exposición del museo.

Dirigido a: interesados en la revisión crítica de la Historia del arte, la dimensión histórico-política de los archivos de arte en los últimos cuarenta años y la construcción de un espacio de reflexión conjunta.

Ponentes

Mónica Mayer & Víctor Lerma | Fundadores del proyecto Pinto mi Raya, archivo hemerográfico especializado en arte.

Mauricio Marcín | Actual curador de El Clauselito en el Museo de la Ciudad de México I Curó la exposición Arte Correo en el MCM.

Maris Bustamante | Artista visual I Cofundadora del No-grupo [1977-1983].

Vania Macías Osorno | Historiadora del Arte I Coordina el archivo Felipe Ehrenberg de Arkheia [Centro de documentación, información e investigación del Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC].

Pilar García de Germenos | Historiadora del Arte I Dirige el proyecto de Sub-versiones de la memoria [entrevistas a artistas de los años 60 y 70 en México].

Sol Henaro | Egresada del Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona I Curadora de la exposición No-Grupo: Un zangoloteo al corsé artístico en el Museo de Arte Moderno.

VER:
http://www.mam.org.mx

SITAC IX / Teoría y práctica de la catástrofe

2011-01-15T03:33:00.003+10:00

Las clínicas: Narrativas apocalípticas y el futuro feo asi como Corporalidad y Catástrofe, ya han llegado a su cupo máximo. Quedan lugares para HEDAS, Herramientas de diseño adaptativo

Teoría y práctica de la catástrofe
IX Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo
27-28-29 enero 2011
Teatro Julio Castillo

El Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo (SITAC), es uno de los eventos de teoría de arte contemporáneo más importante de la región. En las últimas ocho ediciones se ha afianzado como una plataforma de referencia en el ámbito nacional e internacional. En él, se reúne a los más destacados artistas, curadores, escritores, críticos y especialistas de otras disciplinas, con el objetivo principal de llevar a cabo un intercambio de ideas y reflexiones teóricas; sensibilizar, informar y fomentar un acercamiento sobre diversos temas en torno a las prácticas artísticas contemporáneas.

Director SITAC IX: Eduardo Abaroa.
Directora de las clínicas: Sol Henaro.

Invitados: Sarina Basta, Michel Blancsubé, Dr. Amy Sara Caroll y Ricardo Dominguez, Patrick Charpenel, Mel Chin, Minerva Cuevas, TJ Demos, Johan Grimonprez, Julieta González, Manuel de Landa, Ana María Millán, Rubén Ortíz Torres, George Osodi, Taiyana Pimentel, José Roca, Itala Schmelz, Paula Sibilia, Superflex, Pablo Vargas Lugo, Tom Vanderbilt, Juan Villoro, Christian Viveros-Fauné.

SITAC es un proyecto del Patronato de Arte Contemporáneo, A.C.

Nota: No es necesario inscribirse al simposio, la entrada está abierta al público en general.

Agradecemos en especial el apoyo de:
Fundación Televisa, Fundación Jumex, Grupo Habita y Fundación Bancomer.

003- "maricas, travestis y petardas... todas al museo"

2010-12-10T15:30:00.001+10:00

Seminario el arte despues de los feminismos, " retórica(s) identitaria(s) gay, teoría queer y horizonte hegémonico", 30/03/09, Pei- Macba, Barcelona
Taller El arte después de los feminismos dirigido por Beatriz Preciado
Investigación: Aimar Arriola, Ingrid Blanco, Maribel Escobar, Antonio Gagliano, Nancy Garin, Sol Henaro, Emma Herbin, Nuria Rodríguez.
clip que se mostró el 30- 03- 09 en el auditorio del Macba, para introducirnos en el trabajo de Juan Vicente Aliaga, Xabier Arakistain, y Manel Clot
diseño del clip: emma herbin- aimar arriola

coloquio y revista errata

2010-11-18T13:07:00.000+10:00

No-Grupo: Un zangoloteo colectivo al corsé artístico

2010-10-01T03:48:00.004+10:00

Exhibirá MAM retrospectiva del colectivo No-Grupo
Tomado de: Notimex | 06 de Octubre, 2010 - 16:24

Un ejercicio que rescata la producción y postura del colectivo mexicano No-Grupo, de finales de los años 70 y principios de los 80, pionero de las prácticas contemporáneas de arte conceptual en el país, será mostrado a partir este jueves en el Museo de Arte Moderno (MAM).

Bajo el título No-Grupo: un zangoloteo al corsé artístico, la exposición hace una revisión retrospectiva de este colectivo que en el ámbito del arte conceptual promovieron prácticas no objetuales, performáticas y procesuales, explicó Sol Henaro, curadora de la muestra.

A través de 13 núcleos temáticos, serán exhibidas cerca de 300 piezas, entre documentos, registros visuales de acciones y obras, así como numerosos gráficos que representan mapas conceptuales, líneas de tiempo e información que proporcionarán una mirada objetiva y didáctica de los procesos y propuestas artísticas de finales del siglo XX.

Sol Henaro explicó que se trata de un proyecto de investigación iniciado en el 2003, en el que se revisaron los diferentes documentos de esa generación para tratar de generar un archivo completo que permita comprender una lectura general.

Señaló que No-Grupo planteó acciones desmitificadoras e irónicas a través de performances, instalaciones, arte correo, fotografía, cine, video, documentación y cartel político.

A decir de sus integrantes, se desempeñó como un taller de crítica, de actitudes y posiciones.

Dijo que en la fundación de No-Grupo fue importante la participación de los artistas Andrea di Castro, Hersúa, Sandra Isabel Llano, Katya Mandoki, Roberto Realh de León o Susana Sierra, sin embargo, éstos dejaron la agrupación al poco tiempo.

No-Grupo contó con la permanencia de Maris Bustamante, Melquíades Herrera, Alfredo Núñez y Rubén Valencia, quienes dieron forma a la producción del colectivo durante sus seis años de acción y aún disuelto, continuaron con la postura que los caracterizó como agrupación.

Según Henaro, No-Grupo realizó diversos montajes de momentos plásticos (acciones o performances) para criticar abiertamente el letargo que durante los años 70 imperó en algunas de las estructuras artísticas, para los que realizó objetos heterogéneos que repartía entre el público que tenía la posibilidad de utilizarlos e intervenir durante las acciones.

Lo que intentamos hacer fue presentar un dispositivo de manera enriquecida para las generaciones jóvenes, Me interesó cuestionar la historia del arte y tratar de zangolotearla también, pues en los procesos de construcción de la memoria se filtran muchos intereses y hay momentos en los que ciertas iniciativas tienen lugar y otras se diluyen.

Esta muestra, abundó, representa un ejercicio para cuestionar la historia del arte mexicano reciente y procurar una memoria al respecto.

Recordó que en el MAM No-Grupo presentó algunos de sus montajes de momentos plásticos como El Atentado al hijo pródigo en 1979; La muerte del performance en 1980 y Caliente! Caliente! junto al artista venezolano Carlos Zerpa en 1982.

Afirmó que estos antecedentes resultan significativos para que sea nuevamente el Museo de Arte Moderno el espacio que permita la revisión de este colectivo, que expuso en tres ocasiones en este lugar.

Mencionó que No-Grupo se opuso a la idea de celebridad del artista, pues sus miembros realizaron obras que apuntaban a la desmitificación de los productores culturales.

Sol Henaro agregó que se resistían a la importación de estilos, corrientes y conceptos provenientes de epicentros culturales, práctica asidua calificada por Rubén Valencia como fayuca conceptual.

A diferencia de otras iniciativas individuales o grupales que posicionaban sus empatías e investigaciones con movimientos hegemónicos, No-Grupo reconoció como influencia a una de las primeras vanguardias mexicanas de principios del siglo XX, el Estridentismo, cuya actitud lúdico-mordaz y afán por producir situaciones más que objetos, se identificaban.

La práctica conceptual del No-Grupo encontró la complicidad del teórico peruano Juan Acha, quien acuñó el concepto de No-objetualismos y dirigió el Primer Coloquio de Arte No-Objetual que se celebró en Medellín, Colombia, en 1981, relató.

Tras su disolución en 1983, varios miembros del No-Grupo continuaron con una actividad estética contestataria y formaron otros colectivos que actualizaron y polemizaron en torno al lenguaje del Arte No-Objetual, como fue Polvo de gallina negra.

De acuerdo con autoridades del MAM, se publicará un libro que compile por primera vez la información documental generada por No-Grupo.

Este volumen integrará la investigación de la curadora Sol Henaro, así como citas de quienes fueran miembros del colectivo, artistas y personajes cercanos al mismo, además de una gran parte de facsimilares de documentos de época que ilustrarán el 80 por ciento del texto

No-Grupo

2010-09-16T04:22:00.002+10:00

Nota en el periódico Unomasuno, 5 de marzo de 1979.

1979
Montaje de Momentos Plásticos en el Salón Nacional de Artes Plásticas. Sección Anual de Experimentación.
Actividades paralelas: Domingos experimentales.
Galería del Auditorio
Rubén Valencia, Alfredo Núñez, Maris Bustamante, Melquiades Herrera

Revisión crítica del No-Grupo en el Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, a partir del 7 de octubre 2010.

Buscando al autor (2da parte)

2010-06-02T11:08:00.002+10:00

Alfredo Núñez fue uno de los integrantes del No-Grupo, el cual estuvo activo entre 1977 a 1983.
Si acaso lo conoces o sabes algún modo para entrar en contacto con él, te agradeceré muchísimo la ayuda.

BUSCANDO A A L F R E D O N Ú Ñ E Z

Familia Burrón

2010-05-31T01:54:00.004+10:00

En 1987 Alfonso Morales invitó a Melquiades Herrera para presentar la exposición "Puros cuentos, la historia de la historieta en México" en el Museo Nacional de Culturas Populares. Ahí Melquiades llevó a cabo las obras "artísticas" que aparecían de Borola Tachuche en uno de los números de La Familia Burrón, precisamente donde Borola se hace llamar Borola Tacuchoff y donde ésta, realizó una obra por ejemplo, con los pelos regados en el piso de la peluquería "El rizo de oro". Para Melquiades observar/disfrutar lo cotidiano de Gabriel Vargas fue medular, para Carlos Monsiváis, también. (Larga vida a la familia Burrón)

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Periódico La Jornada/Miércoles 26 de mayo de 2010, p. a44

Murió Gabriel Vargas, creador de La Familia Burrón
Durante 61 años su historieta retrató la vida de las colonias populares y criticó a la clase política
Mónica Mateos-Vega

Una triste noticia hizo correr ayer las de cocodrilo en la capirucha, y en especial en el callejón del Cuajo número chorrocientos chochenta y chocho: murió Gabriel Vargas Bernal, uno de los pintamonos más lumbreras, es decir, uno de los caricaturistas mexicanos más importantes del siglo XX. El creador de la entrañable familia Burrón, un barrio y un lenguaje que retrataron la vida de las colonias populares y pobres de la ciudad de México durante 61 años, pero que, sobre todo, plasmaron una dura crítica a la clase política en el poder, falleció en su casa, acompañado de su familia, a los 95 años de edad. Sus restos serán cremados hoy a las 9 de la mañana en una agencia funeraria de las calles de Sullivan.

Nació en 1915 en Tulancingo, Hidalgo, una tierra, como él decía, de valientes muy de a caballo, muy enamorados y muy matones.Debido a la muerte de su padre, a los cuatro años tuvo que abandonar el terruño para instalarse en la ciudad de México, donde su madre abrió, en la calle de Moneda, una tienda de abarrotes para dar sustento a sus 12 hijos. Ahí forjó su gran curiosidad por los personajes que lo rodeaban y que le hicieron ganar, cuando estaba en sexto de primaria, un concurso convocado por el entonces Departamento del Distrito Federal sobre el tráfico vehicular. Realizó a los nueve años un dibujo con más de 2 mil figuras que detallaba el bullicio de la urbe, con todo y sus tiendas, anuncios y puestos ambulantes.
Pero su mamá se opuso a esa vocación: ¡Tú no vas a ser pintamonos!, le decía, a lo que Gabriel replicaba llorando: Pero me gusta mucho, recordó el dibujante en una entrevista con La Jornada en 1998.

La necesidad y el empeño fueron los factores que dieron a luz a La Familia Burrón en 1937. Los poco más de 50 personajes de la historieta y las situaciones que vivían se fueron enriqueciendo en los recorridos que el autor hizo durante años por vecindades de Tepito y Santa Julia. El dibujante los llamó Los Burrón en alusión a esa clase trabajadora que se la pasa como bestias todos los días; éstos son burrones, me dije.

Los temas recurrentes de la historieta, que se publicó sin interrupción durante 61 años, vendiendo en su época de oro hasta 500 mil ejemplares semanales, siempre fueron tratados, por encima de todo, con humor, así fuera la desintegración familiar, las casas chicas, los padres borrachos, la corrupción política, la carestía, la represión o la lentitud burocrática, explica el investigador Miguel Angel Gallo en su libro Los cómics: un enfoque sociológico (Ediciones Quinto Sol). Añade que el lenguaje usado por el autor es riquísimo en expresiones, refranes, apodos, caló, y representa en mucho el habla popular de amplios sectores urbanos. Así, la policía recibe epítetos como tecolotes, acólitos del diablo; el pulque será tlachicotón; la pistola, matona; la bebida, infle; la cara, feis; la cabeza, la de hueso; las piernas son las de galopar; los aviones, aeroplátanos; la casa, cantón; los pesos, varos, chuchos o tepalcates.

En 2001 Gabriel Vargas explicaba a este diario: durante muchos años agarré a los Burrón nada más en ratitos, los tenía arrumbados y ahora son lo único que tengo, lo único que me hace vivir. En ellos seguiré contado la vida cotidiana, como siempre, pues el país sigue igual: para abajo, sólo que con más rateros y más individuos que intranquilizan a la humanidad.

El monero sentía pudor ante los elogios de personajes de mucha educación, como Alfonso Reyes, Carlos Monsiváis y Sergio Pitol. Me apena no haber cursado ni siquiera la secundaria. Mi sueño era hacerme médico, como mi madre quería. Por la miseria y las necesidades me dediqué a trabajar. Me aventé al puro valor mexicano. Bajo otras circunstancias, jamás me hubiera atrevido a hacer historietas; es algo que me daba mucho miedo.

Don Gabriel, quien siempre dijo con orgullo que él era uno de los Burrones, se fue a calacas. Y dicen los enterados que hoy cierran el Rizo de Oro en su memoria. Ruperto Tacuche hizo centenares de panes para repartir en el velorio, Bella Bellota y su hijo Robertino ayudarán a repartir campechanas y otras delicias de ese buen tahonero. Mientras, el poeta Avelino Pilongano prepara un soneto, que se usará de epitafio.

Pola Weiss

2010-05-03T12:26:00.004+10:00

"Para mí el cine sería la épica, la televisión la
novela y el videoarte la poesía.” Pola Weiss

Una verdadera oportunidad para conocer más sobre la producción de Pola Weiss (1947-1989) a quien se le ubica como una de las pioneras del videoarte en México. Hace muchos años alguien me prestó una publicación escrita por Dante Hernández sobre Pola Weiss y fue a través de ese documento que pude conocer más sobre su producción pero casi no conozco sus videos. En la Era de las Discrepancias se mostraron algunos pero, no los recuerdo bien.
No perdamos esta oportunidad!!!

8 de mayo en punto de las 11:00 am.
"Reflexiones sobre las aportaciones e influencias de Pola Weiss en la Producción Visual Actual"

Organiza
Museo de Mujeres Artistas Mexicanas y Museo de Arte Carrillo Gil.

Buscando al autor...

2010-04-04T13:51:00.002+10:00

Solicito ayuda...
alguien puede descifrar o reconocer la siguiente firma? hizo un comic por el cual necesito entrar en contacto con él. Posiblemente fue alumno de Melquiades Herrera. El comic está firmado en 1996. Alguna pista? agradeceré mucho la ayuda.

CONCEPTUALISMOS DEL SUR

2010-04-02T00:47:00.002+10:00

6 de abril – 19.00 horas.
CCEBA, Sede Paraná 1159.

Coordina: Ana Longoni.

Esta publicación es el resultado del Seminario “Conceitualismos do Sul / Sur” realizado en el Museu de Arte Contemporânea de la Universidade de São Paulo en abril de 2008, que tuvo el apoyo de la FAPESP (Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo) y del Centro Cultural de España en São Paulo y en Buenos Aires.
Durante las jornadas que ocupó el seminario se hizo presente, una vez más, entre los estudiantes, investigadores, interesados y artistas de varias generaciones que llenaron el auditorio del Museo, la creencia en la posibilidad de transformación a través del arte. Este libro ha sido gestado en esa creencia, y en la necesidad de conservar la memoria. O, para decirlo en una frase del artista argentino Edgardo Antonio Vigo: “Sembrar la memoria para que no crezca el olvido”.

Cristina Freire y Ana Longoni (orgs.), Conceptualismos del Sur/Sul, edición bilingüe (portugués y castellano), Sao Paulo, Annablume, 2009, 361 pp. Con textos de: Felipe Ehrenberg, Clemente Padín, Graciela Carnevale, Paulo Bruscky, Antoni Mercader, Fernando Davis, Emilio Tarazona, Miguel López, Soledad Novoa y Suely Rolnik.

La Red CONCEPTUALISMOS DEL SUR
Las décadas de 1960 y 1970 vienen siendo profusamente revisitadas por la historia y la crítica del arte en los últimos tiempos. Sin embargo, ese enorme interés no implica una homogeneidad de los enfoques y las perspectivas, ni tampoco de los sentidos que se le atribuyen a aquellas experiencias. En la última década, en distintas partes de América Latina y en países como España y otros de Europa del Este, se están desarrollando investigaciones que rescatan del olvido escenarios, producciones y artistas que nos obligan a repensar los relatos inaugurales y canónicos del conceptualismo global y todavía hegemónico.

La Red Conceptualismos del Sur es una plataforma internacional colectiva de trabajo, pensamiento y toma de posición. Fue fundada a finales de 2007 por un grupo de investigadores y artistas preocupados por la necesidad de intervenir políticamente en los procesos de neutralización del potencial crítico de un conjunto de ‘prácticas conceptuales’ que tuvieron lugar en América Latina a partir de la década de los sesenta. Hoy nuclea alrededor de cincuenta integrantes activos, dispersos en distintos países de América Latina y Europa.

Los archivos de género, arte y militancia en México: realidades y utopías

2010-03-06T12:58:00.003+10:00

Día Internacional de la Mujer
Mesa de trabajo
PROGRAMA PATRIMONIO Y MEMORIA HISTÓRICA / PROGRAMA GÉNERO Y DERECHOS

Martes 9 de marzo, 19:00 horas

A inicios de los 70 Ana Victoria Jiménez comenzó a documentar en fotos el movimiento feminista que surgía en México a la par de las batallas internacionales por la igualdad de la mujer. Partiendo de la importancia de este acervo, esta mesa, perteneciente al “Proyecto Memora”, abordará la problemática que enfrentan los archivos de género, arte y militancia. La mesa y el debate con el público se registrarán en video que luego podrá verse en (http://bambuser.com).
Participan: Ana Victória Jiménez (Mx), fotógrafa del movimiento feminista mexicano, y Mónica Mayer (Mx), artista visual.
Modera: Karen Cordero (Mx) miembro fundador de Curare, Espacio Crítico para las Artes.

Centro Cultural España
Guatemala 8, Centro Histórico

Más de 35.000 euros por las fotos de la revolución de Cuba

2010-03-06T12:43:00.004+10:00

Las imágenes de los líderes cubanos captadas por Korda, vendidas en Reino Unido.- El icónico retrato del Che cumple 50 años
EL PAÍS / EFE - Madrid / La Habana - 05/03/2010

Fidel Castro y el Che Guevara jugando al golf, pescando, charlando con intelectuales... el lote de imágenes del día a día de los líderes de la Revolución Cubana, captada por el objetivo del fotógrafo Alberto Korda, han sido vendidas en subasta en Dominic Winter Auctioneers , en la localidad de Cirencester (Reino Unido, por un total de 35.240 euros, informa la cadena BBC .
Se trata de 14 imágenes en blanco y negro captadas entre 1959 y los albores de la década de los sesenta. Han sido vendidas a distintos compradores. En concreto la imagen del Che de pesca fue adquirida por un coleccionista privado radicado en Reino Unido, quien en total ha desembolsado 20.000 euros. También se ha hecho con la foto de Fidel Castro jugando al golf, por la que ha pagado 3.700 euros.

Fuentes de la casa de subastas han asegurado a la BBC que la venta ha desatado mucha expectación hasta el punto de verse "inundados" de llamadas telefónicas de coleccionistas de toda Europa.

Cincuenta años de un icono

Hoy se cumplen 50 años del día en que el fotógrafo cubano tomó un primer plano del Che con su boina de guerrillero y el cabello alborotado, una de las imágenes más reproducidas, veneradas y comercializadas del siglo XX. El 5 de marzo de 1960 el Che, decretado "cubano de nacimiento" por su compañero de armas Fidel Castro, asistía con otros líderes de la revolución recién nacida al funeral de casi 100 víctimas del atentado que sufrió la víspera en el puerto de La Habana el vapor francés La Coubre, cargado de armas.

La prensa cubana recuerda hoy que era un día gris e invernal (en el Caribe significa que la máxima no pasó de 20 grados) y que Korda (1928-001) no se dio cuenta al principio de que su Leika había captado una imagen que recorrería el planeta en portadas de libros, carteles políticos, fachadas de edificios o camisetas de moda. El ahora ex presidente Fidel Castro lanzó aquel día, por primera vez, su no menos famoso "Patria o Muerte", encaramado en una tarima en la que dirigió un encendido discurso a miles de asistentes al funeral-maniestación, con el Che en segundo plano.

Cerca del argentino estaban los intelectuales franceses Jean Paul Sartre y Simone de Beauboir, a quienes perseguía Korda, fotógrafo del periódico Revolución, con el rollo de película a punto de acabarse y un lente de 90 milímetros. Según contaría después Korda, Guevara tenía una mirada tan intensa que lo turbó por unos instantes, pero no tanto como para evitar que tomara enseguida dos instantáneas, vertical una, horizontal la otra, antes de que el Che desapareciera de nuevo tras los personajes de la primera fila.

La foto "no fue concebida, fue intuida", aseguró también Korda, citado hoy por la prensa habanera, y explicó que luego redondeó en el laboratorio el trabajo para resaltar la mirada, recortando del lado izquierdo de la toma horizontal el perfil de otra persona y del derecho la inevitable palmera tropical.

Korda no cobró ni un céntimo por su más difundido retrato, aunque el empresario italiano que reprodujo aquel primer cartel vendió en pocos meses un millón de ejemplares, sin citar al fotógrafo pero si el copyright de su editorial. El colmo de la comercialización de la foto del Che llevó a su autor a demandar en 2000 a la productora de vodka Smirnoff, que la utilizó para una campaña publicitaria. Korda, que tenía entonces 72 años y murió un año después, ganó el pleito a Smirnoff y 60.000 dólares.

melquiades en afiche

2010-02-12T03:00:00.004+10:00

Imagen, cortesía Mr. Fly
Para Mr. Fly
(Caminar y volar, publicación independiente)

En 2008 encontré en una barda de la colonia Condesa los restos de uno de estos carteles… reconocí de inmediato al personaje pues la imagen parte de una conocida fotografía que Javier Hinojosa hizo entre 1985-1986. ¿Quien era el autor de esa reminiscencia? ¿Y porqué circulaba nuevamente cinco años después de la muerte del aludido?. Tardé alrededor de 8 meses en dar con el autor, Mr. Fly, con quien me senté a tomar café en Isabel La Católica, en el Centro Histórico… En pleno territorio Melquiadesco.

:::

Ha pasado más de un año desde que comenzó a proliferar este colorido retrato por distintas bardas y soportes de la Ciudad de México. ¿Serán los escurridores de huevo que le enmarcan cual lentes improvisados lo que intriga? Muchos se han preguntado ¿quien es este personaje? los más arriesgados se han atrevido a preguntar si de casualidad se trata de Beto el boticario o tal vez de Huicho Domínguez, aún sabiendo que difícilmente acertarían... Lo curioso es que lejos de parecerse a los mencionados, nuestro personaje comparte con ellos de algún modo un interés profundo por la cultura “popular”, de una manera muy diversa, para él el humor significaba un vehículo potente de construcción; una herramienta maestra de conocimiento y producción.

Su nombre es Melquiades Herrera (Ciudad de México 1949-2003), un productor artístico de una autenticidad poco común que entendía el acto de caminar por la ciudad como una de las mayores posibilidades para aprehender el mundo: hay que caminar cuando no se puede estar sin hacer nada, decía. Melquiades era un tipo de una inteligencia y sencillez envidiable, formó parte de uno de los colectivos más propositivos y mordaces de la transición de la década de los 70 a los 80 (el No-Grupo) para posteriormente continuar su proceso creativo de modo individual. A Melquiades se le suele encasillar como artista del performance y aunque es cierto que es una presencia medular del arte acción de México, también es cierto que su “obra” implica otras posibilidades: escribía en un par de diarios nacionales, producía arte-objeto, realizó acciones para la cámara de video, conformó una nutrida colección de objetos singulares que se encuentran en mercados ambulantes, defendió la docencia como parte de ese mismo proceso creativo... sería un error delimitar márgenes a un productor como él que justamente entendía el acto de caminar -de hacer deriva urbana- como parte de su quehacer artístico. Cuentan que Melquiades rompía constantemente con los formatos tradicionales por ejemplo, llevó a algunos alumnos a una especie de tour gastronómico por el centro histórico y sus inmediaciones eligiendo los sitios por la particularidad de los platillos o bajo la premisa “cómo comer con menos de 10 pesos cosas extraordinarias”... Más de una persona lo llegó a ver sacando del portafolios samsonite -que siempre lo acompañaba- una bolsa de papel estraza con un pollo rostizado o un pedazo de chicharrón capaz de improvisar un acto sonorogastronómico.

Su observación era sumamente aguda, lograba establecer relaciones sorprendentes a partir de un objeto cotidiano que le detonaba reflexiones complejas; era capaz de desmenuzar una letanía de consideraciones a partir del envase de un refresco popular, de una calcomanía de las que usan los camiones, a través de una figurita de plástico de Memín Pingüin o de una máscara de Hermelinda linda. Como en los “lentes” que aparecen en la imagen del cartel, Melquiades podía voltear la tortilla de la funcionalidad y significado instalado de determinado objeto para construir y mostrarnos nuevas y múltiples posibilidades a partir de él.

Sol Henaro,
Barcelona, diciembre 2009

arte correo -

2010-02-11T12:44:00.002+10:00

Sábado 13 de febrero 2010
13:30 Hrs.

***

GRAN FINAL
GRAN FINAL
SE TERMINA

***

Arte Correo

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Museo de la Ciudad de México
Pino Suárez 30, Centro Histórico

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Y para festejar
proyectaremos
un programa de televisión
sobre la poesía visual en México
y el poema concreto más largo del mundo.

Participan César Espinoza, Sol Henaro,
Alberto Hijar, Mauricio Marcin y Araceli Zúñiga

Ficha técnica del programa de TV

Casa Productora: TV UNAM
Título: La Poesía Visual en México
Año: 1990
Realizador: Daniel Turón
Proyecto, investigación y guión: Araceli Zúñiga y César Espinoza
Artistas incluidos: Felipe Ehrenberg, Laura Helenes,
Roberto López Moreno y Leticia Ocharán

***

Acompáñenos

****
˘

Cuahutémoc Medina en Murcia

2010-01-24T07:15:00.001+10:00

http://www.elpais.com/articulo/Tendencias/cantera/arte/corrido/elpepitdc/20100123elpepitdc_1/Tes

La cantera del 'arte corrido'
Cuauhtémoc Medina lidera una nueva camada de comisarios mexicanos
ROBERTA BOSCO - Murcia - 23/01/2010
El País

"Independientemente de su vigencia o agotamiento, los formatos expositivos de arte contemporáneo tienen una limitación compartida: la casi nula interacción entre los artistas y proyectos que los integran". Así opina el comisario mexicano Cuauhtémoc Medina, que inaugura el lunes Dominó caníbal, un proyecto expositivo concebido para la segunda edición del Proyecto Arte Contemporáneo (PAC) de Murcia. La propuesta consiste en una serie de siete muestras. Hasta ahí nada nuevo. La novedad consiste en la interacción, tanto conceptual como práctica, entre los artistas seleccionados, ya que como en un macrocadáver exquisito, cada artista creará una obra directamente vinculada a la creada por el artista que le precede. En un mundo egocéntrico, no debe haber sido fácil encontrar siete creadores de la talla de Jimmie Durham, Cristina Lucas y Francis Alÿs, dispuestos a dejar que su obra sea reinterpretada, despedazada y apropiada por otro artista.

Lo cual podría contar como uno de los muchos méritos de Medina, punta de lanza de una nueva generación de comisarios, que están contribuyendo a situar México en el circuito del arte contemporáneo internacional más crítico y comprometido con su tiempo y su entorno. Algunos ya han trabajado en España, como Taiyana Pimentel, que firmó la exposición Tijuana sessions en el centro Alcalá 31 de Madrid, o Carlos Ashida, comisario de México en Arco 2005. Desde el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca se distingue por replantear el centro y sus contenidos.

Muchas de ellas son mujeres, como la joven Sol Henaro, que actualmente participa en el programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. También han contribuido al replanteamiento de los formatos expositivos Tania Aedo y Karla Jasso, directora y comisaria de Laboratorio Arte Alameda, una de las grandes canteras de talento de Ciudad de México. Aedo, que empezó su trayectoria como artista visual, sigue compaginando la gestión con la creación, así como Arcángel Constantini, artista y conservador de nuevos medios del Museo Rufino Tamayo. No se puede hablar de la nueva ola de comisarios mexicanos sin recordar Priamo Lozada, que falleció en 2007, en Venecia, al caer accidentalmente de un balcón días antes de inaugurar su propuesta más valiente: una serie de espectaculares instalaciones de Rafael Lozano-Hemmer para el pabellón mexicano de la bienal.

LatinArt.com - The definitive online source of Latin American Art

2010-01-13T01:14:00.001+10:00

LatinArt.com - The definitive online source of Latin American Art

esa práctica que permitió tanto... ARTE CORREO

2009-11-26T02:41:00.002+10:00

Arte Correo

curaduría de Mauricio Marcín
***

Museo de la Ciudad de México
Pino Suárez 30, Centro Histórico

****

La expo reúne obras que tienen como denominador
común haber viajado a través del servicio postal entre 1966 y 1991.

***

Con obra de:
Ulises Carrión, Colectivo3, Felipe Ehrenberg, Pedro Friedeberg, Mathias Goeritz, Grupo Março, Mauricio Guerrero, Marcos Kurtycz,
Manuel Marín, Clemente Padín, Polvo de Gallina Negra, Grupo de Poesía Concreta Noigandres,
y cientos.

***

Inaugura Museo de la Ciudad de México las exposiciones Arte Correo y Páginas Mexicanas

Foto: MUseo de la Ciudad de México En la era del correo electrónico, que se ha convertido en uno de los recursos más importantes y usados en la actualidad, el correo postal pareciera formar parte de pasado, considerado por algunos un medio de comunicación obsoleto para entregar documentos en menor tiempo, es incluso llamado entre los navegadores de Internet, correo de caracoles.

Mientras el correo electrónico es el resultado de la adaptación y evolución de nuevos vehículos y tecnologías, hasta lograr el envío de mensajes a algún lugar del mundo en unos cuantos segundos o minutos, el correo postal permitió otras formas de correspondencia e intercambio, entre ellos: el arte.

Por ello, no sólo fue una de las vías más importantes de comunicación entre las personas, sino que sigue siendo un medio de expresión, creación artística y se ha convertido en una red, una verdadera manifestación cultural.

El Museo de la Ciudad de México fue escenario de tres inauguraciones: abrió al público la exposición Arte Correo, bajo la curaduría de Mauricio Marcin; también la exposición Páginas Mexicanas, una selección de los mejores libros hechos en México y la Ofrenda de Día de Muertos, que estará abierta durante todo noviembre.

Cristina Faesler, directora del Museo de la Ciudad de México; Mauricio Marcin, curador de la muestra y John D. Berry, presidente de Association Typographique Internationale (ATypI), inauguraron estas muestras.

Sobre la exposición Arte Correo, Faesler destacó que se presentan aquí tres décadas de arte correo y que el haber rescatado todo este acervo “ha sido una labor de detective, pues en general es obra muy efímera y como en su momento no se pensó como obra que estaría expuesta en un museo, se realizó un montaje especial de este material”.

Por su parte, Mauricio Marcin destacó que la exposición esta compuesta por documentos y objetos provenientes de muchos archivos y colecciones de artecorreistas mexicanos como Mauricio Guerrero, Maris Bustamante y Mónica Mayer, entre otros.

Con una selección de más de 200 obras, la muestra se convierte en un testimonio de las posibilidades que el arte tuvo en esos años para incidir en la vida política y social. Hace visible la red de comunicaciones que el arte correo posibilitó entre países donde los regímenes políticos censuraban y limitaban la libertad de expresión y el libre tránsito de las ideas.

La novedad del Arte Correo radica en la intención de distribuir arte de persona a persona, utilizando un canal desprovisto de intermediarios como críticos, galerías, curadores e historiadores. En este sentido, significa una práctica libertaria en oposición a los sistemas tradicionales de control y validación del arte.

A través de cartas, carteles, dibujos, fotografías, caligramas, collages, estampillas, sellos y los mismos sobres y postales, intervenidos y convertidos en objetos artísticos por los remitentes, la exposición presenta una revisión cronológica de las actividades del Arte Correo y constituye la primera en reunir trabajos producidos por más de 70 artistas de al menos 50 países de los cinco continentes.

La finalidad del arte correo no era la creación de piezas artísticas, pero más bien, entendía al arte como vehículo de transformación social, en donde todos los actores son propensos a la creación con libertad en su preparación formal o técnica. Ciertamente tenía como objetivo la inferencia del arte y la cultura en la vida política y las redes confeccionadas a través de este medio, dieron vastas muestras de su poder de convocatoria.

Un ejemplo contundente fue el colectivo de artecorreistas mexicano que convocó en 1984 al evento intitulado Desaparecidos Políticos de la América Latina. En él exhortó a los artistas a expresar solidaridad con los desaparecidos y a utilizar al arte correo como mecanismo de denuncia y presión política. El resultado fue un raudal de envíos provenientes de diferentes países de Latinoamérica.

Además de ser un movimiento planetario de intercambio y comunicación a través del medio postal, el arte correo es también un recorrido en el tiempo pues incluye diversas formas de expresión y correspondencia como la poesía concreta, movimiento internacional que se puede entender como su antecedente, basado en materiales gráficos intercambiados por medio de publicaciones y correo.

Polvo de Gallina Negra, por ejemplo, surgió en los años 80 como un grupo de arte feminista que desarrolló el proyecto ¡Madres!, el cual incluía performances en medios de comunicación pública, inserciones en prensa y envíos mensuales a un grupo de 100 personas. 10 de mayo, ¿Sabe usted dónde está su madre?, fue el título de su primer envío acompañado de confetis de colores que representaban los polvos de gallina negra que se venden en los mercados.

De igual manera, prueba de la evolución que atraviesa este arte, es la aparción de nuevos soportes como el telegrama, el telex y el fax (fac-símil). En el arte fax, los artistas vieron una posibilidad de fuga y exploración. En 1991, el Centro Colombo Americano en Colombia, convocó a la exposición Faxart. Un Intercambio de Conceptos sobre el Paisaje Americano, la cual reunió artistas de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Venezuela, Estados Unidos y México, que enviaron sus creaciones vía fax y en cada uno de estos países, la muestra estuvo a cargo de un curador distinto.

Entre los destacados creadores que participan en esta muestra, están Felipe Ehrenberg, Ulises Carrión, Mathias Goeritz, Marcos Kurtycs, Pedro Friedeberg, Clemente Padín, Edgardo Antonio Vigo, Manuel Marín, Sebastián y Magali Lara, entre otros.

Páginas Mexicanas: libros hechos en México

La otra que exposición que se inauguró, Páginas Mexicanas, está enmarcada en el Congreso Typ09, el cual reúne a los profesionales de la tipografía más reconocidos del mundo y busca, a través de la Association Typographique Internationale, desarrollar un programa educativo para los estudiantes de diseño y tipografía de nuestro país.

Más que una exposición, Páginas Mexicanas es una invitación a ver, tocar, hojear y leer estos libros que no siempre son accesibles para el público ya sea por el precio, el bajo tiraje o porque son ediciones privadas.

Arte Correo y Páginas Mexicanas se presentan hasta febrero de 2010 en el Museo de la Ciudad de México, Pino Suárez 30, Centro Histórico.

Autor/Redactor: GDF
tomado de:http://www.arts-history.mx/semanario/index.php?id_nota=29102009114631

represión/intimidación a la bloguer cubana Yoani Sánchez

2009-11-17T22:48:00.004+10:00

Esfera Pública manifiesta su solidaridad con la bloguer cubana Yoani Sánchez, quien fue retenida y golpeada por miembros de la policía en la Habana. Publicamos una entrevista a Yoani y su testimonio sobre los hechos.
Ver: http://esferapublica.org/nfblog/?p=6349

Ver:

http://www.desdecuba.com/generaciony/

Por el derecho a la libertad de expresión! no censura, no represión!!

Sobre una gran pérdida que pone en la mesa problemáticas a discutir

2009-10-29T22:04:00.002+10:00

Tomado de:
http://www.elpais.com/articulo/cultura/incendio/destruye/legado/artista/brasileno/Helio/Oiticica/elpepucul/20091018elpepicul_6/Tes
Un incendio destruye el legado del artista brasileño Hélio Oiticica
Perdidas 2.000 obras, valoradas en 138 millones, de este clásico del siglo XX
FRANCHO BARÓN - Río de Janeiro - 18/10/2009

La cultura brasileña quedó seriamente herida la noche del pasado viernes. El 90% del acervo del artista plástico Hélio Oiticica (1937-1980), uno de los fundadores del neoconcretismo brasileño, se convirtió en pasto de las llamas tras declararse un incendio en la casa familiar del barrio de Jardim Botânico, en la zona sur de Río de Janeiro. El fuego se tragó 2.000 obras de Oiticica, entre pinturas, material audiovisual, instalaciones, libros, proyectos y anotaciones del artista, todo ello valorado en unos 200 millones de dólares (unos 138 millones de euros), según estimaciones de la familia. En 2007 la Tate Modern de Londres le dedicó una retrospectiva.

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En 2007 la Tate Modern de Londres le dedicó una gran retrospectiva

Por el momento se descarta que el incendio haya sido intencionado. "Me siento fracasado, porque mi misión desde que me jubilé consistía en cuidar su obra", manifestó, destrozado, César Oiticica, hermano del artista, que cenaba en la casa en el momento del siniestro. La desafortunada pérdida incluye obras consagradas, como Bólides o los famosos Parangolés. Junto al poeta Ferreira Gullar y los artistas Lygia Clark y Amílcar de Castro, Oiticica alumbró el movimiento neoconcretista.

El acervo de Oiticica no estaba cubierto por ningún seguro y se encontraba circunstancialmente en la primera planta de la casa familiar, en un estudio equipado con dispositivos para controlar la humedad y la temperatura, sensores de presencia y antiincendios. De nada sirvió tanto aparataje.

"Es lo peor que le podía pasar a la cultura brasileña", se lamentó ayer César Oiticica ante la prensa local. Razón no le falta al hermano de uno de los exponentes más transgresores del arte contemporáneo brasileño, ya que las obras se encontraban almacenadas en el domicilio de Jardim Botânico tras una gresca por cuestiones de dinero entre los herederos de Oiticica y el Ayuntamiento de Río de Janeiro. Buena parte de las obras quemadas habían sido retiradas el pasado abril del Centro Municipal de Arte Helio Oiticica, donde se había inaugurado una gran retrospectiva del artista. El impago de cerca de 267.000 reales (cerca de 100.000 euros) a la familia provocó un duro enfrentamiento que acabó con la clausura anticipada de la muestra y el traslado de las obras a la casa donde se produjo el incendio.

La obra de Oiticica, marcada por una fuerte componente teórica, a menudo buscaba provocar la participación activa del espectador. Una de sus instalaciones más laureadas fue la bautizada como Penetrables, un laberinto elaborado con planchas suspendidas. El artista, que también inspiró con su obra el movimiento Tropicalia, impactó a la sociedad brasileña con la frase "Sea Merginal, sea héroe", serigrafiada en una bandera sobre la figura de un narcotraficante muerto.

En La Trienal De Chile

2009-10-14T01:59:00.003+10:00

fotos cortesía sol henaro
En el marco de la inauguración de la muestra “Arte/Latinoamérica: estados de sitio” en la ciudad de Valparaiso, como parte de los eventos constituyentes de la Trienal de Chile 2009, el viernes 9 de octubre a las 12 horas se realizará en el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de Valparaíso, un encuentro informal de curadores e investigadores/as involucrados en esta serie de cinco exposiciones que se inauguran ese mismo día.

Asistentes a la mesa de trabajo:
Sol Henaro (México), Maris Bustamante (México), María Sol Barón Pino (Colombia), María Victoria Mahecha (Colombia), Gustavo Buntinx (Perú); Graciela Carnevale (Argentina); Paulina Varas (Chile); Alberto Madrid (Chile); Juan Castillo (Chile) y Gabriel Peluffo (Uruguay) curador de la exposición ESTADOS DE SITIO.

Se iniciará con una charla de la artista mexicana ex-integrante de NO-Grupo Maris Bustamante, a partir de la cual se abrirá una conversación entre los integrantes de la mesa (con participación del público) sobre temas relacionados con el operativo de archivos, metodologías historiográficas, investigaciones de campo y museología, arte y territorio, arte y política, y otros tópicos relativos a escenas locales e historiografía crítica del arte latinoamericano contemporáneo.

La mesa de trabajo está encarada como una instancia de intercambio de experiencias y puede resultar de interés para estudiantes e investigadores del campo cultural.

( ... )

2009-10-02T03:13:00.006+10:00

Vaya cara dura!!!! Recorte a cultura, despido de personal, cierre (o riesgo) de importantes iniciativas culturales, proyectos cancelados o suspendidos... La mayoría de los productores culturales tenemos salarios (los que tienen la ventaja de salario mensual) precarios o cercano a ello mientras que otros, muuuy pocos, cobran sumas verdaderamente groseras. tremendas. (Sol)

Obra: Dan Perjovschi

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Tomado de:
http://www.exonline.com.mx/diario/noticia/comunidad/expresiones/la_alta_burocracia_cuesta_5_mil_becas/737542

La alta burocracia cuesta 5 mil becas
Luis Carlos Sánchez

Mientras en el segundo semestre del año el subsector cultura resintió la reducción de más de mil millones y medio de pesos de su presupuesto, 30 funcionarios públicos de alto nivel del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) perciben en total más de 40 millones de pesos al año, cantidad que alcanzaría en el mismo periodo para crear más de cinco mil becas del programa Jóvenes Creadores, que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

De acuerdo con información del Portal de Obligaciones de Transparencia de la Administración Pública Federal, estos servidores públicos mantienen sueldos de entre 85 mil 956 a 190 mil pesos mensuales, sin que hasta el momento se anuncie recorte alguno en sus percepciones. En tanto, el Proyecto de Presupuesto de Egresos de la Federación para 2010 contempla un recorte de 23.87 por ciento para el subsector, del cual no se conoce hasta el momento que afecte a las percepciones de los funcionarios.

El sueldo más alto del sector pertenece a la presidenta del Conaculta, Consuelo Sáizar, quien percibe mensualmente la cantidad de 190 mil 21 pesos, sólo 18 mil pesos abajo del Presidente de la República. Esta cantidad sumada en un año alcanza dos millones 280 mil 255 pesos. Entre sus compensaciones mensuales incluye seis mil 750 pesos para gastos de telefonía celular y derecho de hasta dos vehículos, más los gastos de su mantenimiento.

Teresita Vicencio Álvarez, directora general del INBA, percibe mensualmente 171 mil 901 pesos, misma cantidad que cada mes recibe Alfonso de Maria y Campos, director del INAH.

El sueldo sumado de los tres funcionarios mencionados asciende a seis millones 405 mil 887 pesos, al año; es decir, un millón 745 mil pesos más de lo que costó en 2008 la Muestra Nacional de Teatro, cuya inversión fue de cuatro millones 660 mil pesos.

Veintidós funcionarios con sueldos superiores al millón de pesos anuales están en el Conaculta: dos de ellos ostentan el cargo de secretario técnico, con una percepción mensual de 161 mil 336 pesos; 12, el de director general de estructura ( que incluye las direcciones de Bibliotecas, Vinculación Cultural, Culturas Populares, Fonca, Comunicación Social y del Centro Nacional de las Artes, entre otras), quienes ganan 119 mil 747 pesos, y ocho, el de director general adjunto, con una percepcióde 85 mil 965 pesos, cada uno.

Junto con Sáizar, los 23 funcionarios representan un gasto anual al erario de 30 millones 617 mil 106 pesos.

Entre el INAH y el INBA suman siete funcionarios de alto rango que perciben, entre todos, nueve millones 846 mil 905 pesos al año.

Los subdirectores generales del INBA de Educación e Investigación Artísticas, de Administración y de Bellas Artes reciben cada mes 95 mil 354 pesos, que en un año suman tres millones 432 mil 764 pesos.

En el INAH el secretario administrativo y el secretario técnico perciben también 95 mil 354 pesos, lo que sumado en un año representa dos millones 288 mil 509 pesos del erario.

Excélsior buscó ayer a Consuelo Sáizar para que fijara una postura al respecto, pero hasta el cierre de esta edición no obtuvo respuesta.

EXPOSICIÓN SOBRE EL NO-GRUPO

2009-09-30T00:00:00.005+10:00

Imagen cortesía: archivo Neus y Andrea Valencia

México participa en la TRIENAL DE CHILE 2009
EXPOSICIÓN SOBRE EL NO-GRUPO
INVESTIGACIÓN DE SOL HENARO

La curadora mexicana Sol Henaro fue invitada a participar en la Trienal de Chile para desarrollar la investigación sobre el
No-Grupo, un importante colectivo mexicano de los años setenta. La exposición se llevará a cabo en el marco del proyecto curatorial ARTE/LATINOAMÉRICA: ESTADOS DE SITIO dirigido por el uruguayo Gabriel Peluffo Linari en el que serán expuestos cinco archivos-producciones de importantes de colectivos latinoamericanos: No-Grupo (México, 1977-1983)
Tucumán Arde (Argentina, 1968); Colectivo Acciones de Arte – CADA (Chile, 1979-1985);
Taller 4 ROJO (Colombia, 1972 – 1976); Colectivo Acciones de Arte – CADA (Chile, 1979-1985) y EPS Huayco (Perú, 1980-1982).

Esta será la primera vez en que se lleva a cabo una exposición sobre la producción del No-Grupo. Sus cuatro integrantes fueron MARIS BUSTAMANTE (dueña de la patente del taco), MELQUIADES HERRERA (Premio Nóbel en pintura), RUBÉN VALENCIA (detentador del título de golpeador de críticos) y ALFREDO NÚÑEZ (propietario de abandonos). Son ellos los cuatro integrantes/fundadores aunque en su etapa temprana colaboraron también Katia Mandoki, Andrea di Castro y Hersúa. El No-Grupo fue uno de los primeros colectivos que desarrollaron las prácticas no-objetualistas que el teórico Juan Acha defendió y abordó por ejemplo, cuando dirigió el 1er Coloquio Latinomericano de Arte No-Objetual (1981, Medellín, Colombia) al que invitó a participar al No-Grupo.

Influenciados por el movimiento Estridentista y en contra de “la fayuca conceptual” (como diría uno de sus integrantes, Rubén Valencia), el No-Grupo generó estrategias de comunicación participativa con el(los) público(s) en cada uno de sus “Montajes de Momentos Plásticos”, término principalmente promovida por Maris Bustamante y con el que denominaban los eventos que organizaban y que hoy conocemos bajo el nombre de performances o arte-acción.
La producción del No-Grupo se caracterizó por su postura ácida ante la escena oficial, el humor y la defensa de los no-objetualismos lo que los llevó a distinguirse de la mayoría de las estrategias colaborativas o grupales de ese período. El colectivo se mantuvo reunido durante seis años y llegó a participar en proyectos fuera de México en las ciudades de París, Medellín, Los Ángeles y Sao Paulo. En 1983 el colectivo opta por las individualidades y cada uno de los cuatro pilares del No-Grupo decide continuar con su propio proceso creativo.

En la exposición se reúne un importante conjunto de documentos heterogéneos del No-Grupo: fotografías, afiches, arte-objeto, publicaciones, video, textos, textos, programas de mano, arte en fotocopias, serigrafías y se exhibe también por primera vez el proyecto editorial Agenda Colombia 83, la agenda artístico-política que produjo el No-Grupo en solidaridad con la realidad colombiana y el movimiento disidente M-19 (Movimiento 19 de abril). Para esta publicación implicaron a otros cuarenta productores, varios de ellos integrantes de otros grupos con los que el No-Grupo mantenía una relación cercana: Proceso Pentágono (Felipe Ehrenberg, Carlos Aguirre, Lourdes Grobet), Grupo MIRA (Melecio Galván, Arnulfo Aquino, Rebeca Hidalgo, Jorge Pérez Vega) Peyote y la Compañía (Adolfo Patiño) y Grupo Suma (Oliverio Hinojosa) más la participación de otros artistas visuales, comunicadores gráficos, caricaturistas, fotógrafos y escritores.

De uno de los integrantes del No-Grupo, Melquiades Herrera, se exhiben algunos documentos que produjo una vez disuelto el colectivo. Parte de la serie fotográfica “Noticias del México Surrealista”, fotografías sobre éste de Javier Hinojosa y algunos videos realizados en colaboración con Jorge Prior.

Paralelo a la exposición se llevará a cabo del 6 al 8 de octubre en el Centro Cultural Matucana 100 (Santiago, Chile) el Coloquio Imágenes, imaginarios e imaginación crítica, dirigido por Nelly Richard. En éste la curadora Sol Henaro participará con una ponencia titulada “NO-GRUPO (1977-1983), un zangoloteo colectivo al corsé artístico”. Entre los invitados a los diversos Coloquios se cuentan Manuel Borja (España), Néstor García Canclini (Argentina-México), Andrea Giunta (Argentina), Ana Longoni (Argentina) Suely Rolnik (Brasil) y Marcelo Expósito (España). En la Ciudad de Valparaíso donde se presentará la exposición, la artista Maris Bustamante hablará sobre la pluralidad de la producción de No-Grupo y los No-Objetualismos mexicanos. (día y hora por confirmar).

INFORMACIÓN GENERAL

Exposición ARTE LATINOAMÉRICA: ESTADOS DE SITIO 
Curador invitado: Gabriel Peluffo Linari (Uruguay) 
EXPOSICIÓN DEL NO-GRUPO, investigación: SOL HENARO
Centro de Estudios para el Desarrollo Urbano Contemporáneo – DUC
Santo Domingo no. 4, Valparaíso, Chile
Inauguración: viernes 9 octubre – 19.30 hrs. Clausura: 5 de diciembre
www. trienaldechile.cl

Efectos del recorte presupuestal a la cultura en México...

2009-09-25T19:40:00.001+10:00

Tomado de http://www.jornada.unam.mx/2009/09/24/index.php?section=cultura&article=a03n3cul
24 de septiembre 2009

Desaparición del Ballet Teatro del Espacio
Las titulares del CNCA y el INBA ni siquiera recibían sus llamadas telefónicas: Orozco
Ángel Vargas

En medio de expresiones de indignación, tristeza y solidaridad de integrantes del medio dancístico y de la comunidad cultural, anoche se anunció la desaparición del Ballet Teatro del Espacio, una de las instituciones señeras de la danza contemporánea en México, la cual cumplió 43 años el pasado 15 de septiembre.

Como adelantó La Jornada este miércoles, esa determinación irreversible, según Gladiola Orozco, fundadora y directora de la agrupación, responde a causas económicas ante la imposibilidad de hacer frente a los gastos para mantener un proyecto de esas dimensiones que incluye un grupo artístico, un teatro y una escuela.

Según la bailarina, el subsidio que desde 1976 recibían del gobierno federal no se había actualizado desde el año 2000 (a la fecha era de 213 mil pesos mensuales), a lo cual debe sumarse que desde hace dos meses no recibían un solo centavo de ese monto y que las titulares del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA) y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Consuelo Sáizar y Teresa Vicencio, respectivamente, nos han ignorado al grado de que no reciben ni las llamadas telefónicas.

Llegó el momento de la imposibilidad de pagar la renta (de nuestra sede, que es de 80 mil pesos mensuales) y a nuestros bailarines (cuyo sueldo más alto es de 9 mil 500 pesos al mes), agregó Orozco, quien dijo que los 35 trabajadores del ballet serán liquidados conforme a la ley, para lo cual se están solicitando préstamos personales.

Sol Henaro conversa sobre el No-Grupo:::Coloquio Trienal de Chile 2009.

2009-09-15T20:54:00.005+10:00

COLOQUIOS
El arte en diálogo y tensión con las transformaciones sociales y culturales del mundo contemporáneo.
Directora: Nelly Richard
Imágenes, imaginarios e imaginación crítica (6-7-8 de Octubre, Santiago) Centro Cultural Matucana 100
Avda. Matucana 100, Estación Central, Santiago

En las sociedades de la imagen, la sobreexposición mediática de lo visual y la estetización publicitaria del cotidiano, diluyen la especificidad crítica de las formas del arte. Se torna cada vez más difuso el régimen de autonomía artística en un mundo en el que la economía y la cultura hablan el mismo lenguaje del devenir-mercancía de la imagen.¿A través de qué operaciones de sentido, de qué fuerzas generadoras de acontecimientos, es capaz el arte de desuniformar los signos del capitalismo cultural? ¿Cómo tramar lo crítico, lo político y lo estético? ¿Cómo la imaginación crítica puede dislocar la relación pasiva entre las imágenes y los imaginarios que configura la hegemonía neoliberal a través de sus industrias de la comunicación y del espectáculo?

MARTES 6
9:30-11:00 hrs.
Inauguración:
Ticio Escobar (Ministro de Cultura de Paraguay, Curador General Trienal de Chile)
Nelly Richard (Directora Coloquios Internacionales Trienal de Chile, Vicerrectora de Extensión, Comunicaciones y Publicaciones U. ARCIS)

Conferencia:
Fernando Castro (Universidad Autónoma de Madrid, España)
Presentación:
Ticio Escobar (Trienal de Chile)

11:15 -13:30 hrs.

Adriana Valdés (U. de Chile)
Pablo Oyarzún (U. de Chile)
Carlos Pérez Villalobos (U. Diego Portales)

16:00-18:30 hrs.

Federico Galende (U. ARCIS)
Isabel García (Centro de Documentación de las Artes del Centro Cultural Palacio de la Moneda)
Roberto Amigo (Universidad de Buenos Aires, Argentina)
Justo Pastor Mellado (Curador Independiente)

MIÉRCOLES 7

9:30-11:00 hrs.

Mónica Carballas (U. de Vigo, España)
Ana Longoni (U. de Buenos Aires, Argentina)
Sergio Rojas (U. de Chile)

11:15-13:30 hrs.

María Sol Barón Pino (Pontificia Universidad Javeriana, Colombia)
María Victoria Mahecha (Co-directora de Paralelo 10, Colombia)
Sol Henaro (Investigadora/ Curadora Independiente, México)

16:00-17:30 hrs.

Conferencia:
Manuel Borja
(Director Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España)
Presentación:
Francisco Brugnoli (Vicerrector de Extensión de la U. de Chile, Director Museo de Arte Contemporáneo MAC)

JUEVES 8

9:30-11:00 hrs.

Suely Rolnik (P. U. Católica de Sao Paulo, Brasil)
Willy Thayer (UMCE)
Marcelo Expósito (Universidad Nómada, España)

11:15-13:30 hrs.

Gustavo Buntinx (Micromuseo, Perú)
Graciela Carnevale (Artista, Argentina)
Soledad Novoa (U. de Chile / U. SEK)

16:00-18:30 hrs.

Eva Grinstein (Crítica / Curadora Independiente, Argentina)
Félix Suazo (Artista Visual, Venezuela)
Patricia Hakin (Artista, Argentina)
Marcos Figueroa (U. Nacional de Tucumán, Argentina)

PROGRAMA COMPLETO -VALPARAÍSO Y VALDIVIA- EN: http://www.trienaldechile.cl/trienal-2009/coloquios/

tensión

2009-09-15T20:48:00.001+10:00

ESTE JUEVES 17 el Museo Nacional de Antropología que lleva Diana Magaloni estará de manteles largos al celebrarse sus primeros 45 años. Es uno de los recintos más visitados del país con el Castillo de Chapultepec, el Museo Nacional de Historia Natural y el de Teotihuacan. Es parte de la red de inmuebles del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) que comanda Alfonso de María y Campos. La celebración se verá empañada por el amague que hay en la propuesta económica que mandó SHCP de Agustín Carstens al Congreso en la que se plantea un recorte del 11 por ciento del gasto a la cultura. El presupuesto bajará de 9 mil 651 millones de pesos a 8 mil 510 millones de pesos. También se verán afectados Conaculta que lleva Consuelo Sáizar y el INBA a cargo de Teresita Vicencio Álvarez. De por si el acceso a la cultura para el mexicano es limitado. En 2008 los museos del INAH recibieron 14 millones 600 mil visitantes y de esos 85 por ciento no pagaron boleto o lo hicieron en un pequeño porcentaje por los descuentos. El Museo de Antropología está entre los 10 más visitados del planeta.

Tomado de: Alberto Aguilar, Nombres, nombres y... nombres
en: http://estadis.eluniversal.com.mx/columnas/80032.html

Sol conversa en Valencia invitada por EL OTRO ESPACIO

2009-09-11T23:34:00.003+10:00

No-Objetualismos:::No-Grupo y Polvo de Gallina Negra

2009-08-31T05:16:00.003+10:00

En noviembre del 2008 invité a Maris Bustamante a Barcelona para dar una conferencia sobre no-objetualismos en México. Anexo el afiche que armé a mano para la ocasión y los datos de la presentación.
La sesión completa se grabó en video.
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No objetualismos mexicanos:
No Grupo y Polvo de Gallina Negra 1977-1983
Maris Bustamante

Martes 25 de noviembre
19:00 hrs.
Museo Barbier-Mueller Art Precolombí
Montcada, 12-14 Teléfono: 933104516)
Entrada libre, aforo limitado
Presenta: Sol Henaro* curadora mexicana

Maris Bustamante (1949, Ciudad de México) es una artista fuera de marcos tradicionales, conocida principalmente por sus acciones o performances, ha realizado de igual manera una importante labor como académica, escritora e investigadora. Formó parte de manera activa del movimiento conocido como “los grupos” en la Ciudad de México; es co-fundadora del No Grupo (1977-1983) y del colectivo-binomio feminista Polvo de Gallina Negra (1983-1993). Ha recibido diversos reconocimientos como el premio de creadores eméritos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (1990), la residencia artística del Banff Centre for the Arts, Banff, Canadá (1995) y el Fideicomiso para la Cultura Mexico-USA/Rockefeller “Toward a History of Non-Object Arts in Mexico-USA (1969-1979)” (2001). Paralelamente a su práctica artística y a su intensa labor como catedrática, dirige CAHCTAS, S.C., Centro de Artes, Humanidades y Ciencias transdisciplinarias donde generan laboratorios de pensamiento entre artistas y científicos. Actualmente se desempeña como catedrática en San Francisco State University (California, USA) y cuenta con la Fulbright Scholar 2008-2009.

Agradecemos el apoyo del Museo Barbier-Mueller d'Art Precolombí, el Consulado General de México y Cahctas (Centro de Artes, Humanidades y Ciencias Transdisciplinarias).

Que viva el mole de guajolote!!!!

2009-08-20T18:56:00.004+10:00

Ramón Alva de la Canal. Edificio estridentista. Grabado en madera, 1921

Jueves 13 de Agosto de 2009
Exhibirán la muestra “Vanguardia estridentista. Soporte de la estética revolucionaria”
Tomado de: http://www.conaculta.gob.mx/?p=22328

***El Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo de INBA-Conaculta presentará 135 objetos, entre obra plástica, libros, revistas, fotografía, cartas e impresos

***La inauguración será el 19 de agosto, a las 19:00 horas

Las primeras tres décadas del siglo XX establecieron un parteaguas en el quehacer cultural, literario, plástico y artístico de México; como reflejo, argumento y justificación de los cambios sociales, políticos y económicos a nivel mundial. El impacto causado por la admiración hacia los adelantos científicos y tecnológicos de la época, derivo en un rechazo por parte de los jóvenes a todo lo que fuera conservador y antiguo, todo lo que amenazara al progreso debía ser cuestionado y rechazado.

La guerra como causa-efecto del modernismo, laceró la sociedad y dicto las condiciones para un nuevo lenguaje visual; movimientos armados como la Primera Guerra Mundial despertaron en las nuevas generaciones un sentimiento renovador que se manifestó en las llamadas Vanguardias. Éstas comprendían todos los géneros literarios, las artes visuales, la música, la arquitectura, el teatro. La preocupación mayor de todos los involucrados, era la de encontrar un nuevo modo de ver, sentir y hacer las cosas, acorde con lo que la tecnología, las máquinas y el nuevo orden mundial dictaba.

En México, la Revolución de 1910 mostró un país capaz de llevar a cabo una guerra armada con el uso masivo del ferrocarril y que traería un panorama desolador dejando al país en la ruina económica y una incesante lucha por el poder. En este marco desolador el mexicano busca cimentar su identidad, su autonomía, haciendo uso inmediato de los lenguajes colectivos en un país mayoritariamente analfabeta, de raíz indígena, campesino y rural.

La búsqueda de las propuestas artísticas jugó un papel importante, no solo para establecer los valores y esencias de lo Nacional, sino para propagar los ideales revolucionarios y el discurso del grupo en el poder a fin de concretar el proyecto de un México Moderno. En este ambiente surge el primer movimiento literario mexicano que manifestaba de forma poco convencional, los anhelos de reivindicación social alejándose de lo elitista para inclinarse a las masas.

Si bien el estridentismo surgió como un movimiento literario a partir de la publicación de “Actual No. 1, Hoja de vanguardia. Comprimido Estridentista de Manuel Maples Arce”, –su manifiesto oficial– cuyo contenido generó el apoyo de varios jóvenes intelectuales que formarían el grupo estridentista: Pedro Echeverría, Germán List Arzubide (quien radicaba entonces en Puebla editando la revista Ser), Arqueles Vela, Ignacio Millán, Luis Quintanilla – quien firmaría como “Kin tanilla”–, Miguel N. Lira, Salvador Gallardo, Miguel Aguillón Guzmán, Alfonso Muñoz Orozco, Salvador Novo y Humberto Rivas. También tendría eco en las artes plásticas y visuales contando con el apoyo de personajes como Ramón Alva de la Canal, Guillermo Ruiz, Leopoldo Méndez, Jean Charlot, Germán Cueto, Emilio Amero, Fermín Revueltas, Diego Rivera, Julio Prieto, Máximo Pacheco, los fotógrafos Tina Modotti y Edward Weston, y en la música con: Manuel M. Ponce y Silvestre Revueltas.

Los escenarios de acción del movimiento estridentista implicaba la apropiación simbólica de espacios públicos que fueron resignificados con fines ideológicos y estéticos. Tal es el caso del Café Europa, mejor conocido como el Café de Nadie, escenario de la firma del segundo manifiesto estridentista y la primera exposición con obras de Jean Charlot, Leopoldo Méndez, Fermín Revueltas y Germán Cueto, la lectura del poema de Manuel Maples Arce intitulado Urbe, y la inspiración de la obra de Arqueles Vela El Café de Nadie. Historia de un crimen provisional.

Como movimiento principalmente literario, sus espacios de divulgación fueron los medios impresos editoriales, siendo las revistas objetos fundamentales en la difusión de las propuestas estéticas del movimiento, cumpliendo su objetivo de ser masivos para y por las masas y reforzando incluso el ideal de otros movimientos plásticos, intencionalmente dirigidos al pueblo como era el caso del Muralismo o de las Escuelas al Aire Libre, y es en este objetivo compartido que los artistas plásticos se suman ilustrando las publicaciones estridentistas y estableciendo en mucho las bases para el despertar del quehacer de grabadores e ilustradores que emergerán posteriormente dentro del campo del diseño editorial.

El Estridentismo fue una vanguardia mexicana, que estableció un modo distinto de aproximación a los objetos, las relaciones de tiempo y espacio, a la fragmentación y las rupturas, al tiempo de establecer líneas de interés, enriquecedores contrastes que quedan materializados en la integración y colaboración entre las distintas disciplinas artísticas e intelectuales del México pos revolucionario.

Cuauhtémoc Medina / CONACULTA recorte

2009-08-19T20:38:00.001+10:00

EL RECORTE Y SUS VERDUGOS
tomado del periódico Reforma, 06 de Agosto de 2009

EL OJO BREVE
Cuauhtémoc Medina

En los últimos días se ha venido desenvolviendo una crisis en el financiamiento de las instituciones culturales. La marca distintiva del proceso es el disimulo. Al tiempo que, el pasado 27 de julio, la Directora del INBA exponía a los medios los proyectos que el Instituto pretende realizar en el futuro, sus mandos medios fueron instruidos a puerta cerrada de la virtual evaporación del presupuesto para el resto del año y la necesidad de despedir a sus colaboradores contratados por honorarios.

Si es imposible medir la magnitud del recorte es porque la autoridad está haciendo cuanto puede para escamotearlo al público. Pero mientras la presidenta del Conaculta, la Directora del INBA y, finalmente, el titular del Ejecutivo y su Secretario de Hacienda se lavan las manos, dejan a sus subordinados, a los directores de los centros de exhibición, escuelas y programas, la amarga tarea de traducir la reducción de recursos en despidos, cancelaciones y el virtual paro técnico de las actividades. Este es el estilo presidencial: pretender ante los medios que no pasa nada, mientras se obliga al personal de confianza a servir de verdugo.

Por supuesto, el argumento detrás de esta operación es la sumisión al más absoluto determinismo. Conaculta e INBA no se hacen responsables del desmantelamiento de la política cultural, en la medida en que el recorte es una ordenanza secreta de la Secretaría de Hacienda, cuyos técnicos a su vez derivan toda culpa hacia la climatología de los factores externos.

Lo evidente es que el régimen esperó a sortear las elecciones, para confrontarnos con la gravedad de la catástrofe por la que México atraviesa: pérdidas de más de 600 mil empleos formales, un desplome del PIB de cerca del 7%, la contracción de los ingresos petroleros, y el ahogo de prácticamente todos los sectores productivos y de servicios.

El más mínimo balance llamaría a admitir que el modelo de gestión neoliberal del capitalismo dependiente es un fracaso, y que sólo produce, cada década más o menos, la repetición del desplome social. Pero esa clase de reflexión sobre políticas y efectos es moral e intelectualmente inalcanzable a la clase dominante, no importa si se trata de la gestión macroeconómica o del "combate al narcotráfico".

No nos engañemos: aquí hay una responsabilidad política que no puede diluirse refiriendo la mala fortuna. Lo lamentable de tener funcionarios que se asumen como sirvientes del Presidente de la República es la abyección: bastaría una palabra de disidencia para ser removido en el más puro estilo estalinista.

A diferencia del valor civil que los últimos dos Rectores de la Universidad Nacional han tenido al batallar el presupuesto de la educación superior tanto en el legislativo como ante la opinión pública, la presencia de Consuelo Sáizar en Conaculta corre el riesgo de sólo servir para facilitar al PAN extender a la sociedad la gazmoñería que el fabuloso discurso de Calderón sobre la muerte de Michael Jackson puso en evidencia.

En efecto: el estrangulamiento de la producción cultural no consiste en el castigo a un intelectualismo aislado, sino la desaparición del campo de ejercicio de las inquietudes y producción de quienes admiten en la subjetividad la negociación con las paradojas de un tiempo convulso.

Son precisamente los programas de cultura contemporánea los que corren más riesgo, pues a la hora de imponer "prioridades" las autoridades se guardan de proteger los eventos que los visten mejor ante la ignorancia de sus superiores. Esta crisis debe hacernos ver la necesidad de conferir a las instituciones culturales autonomía jurídica, financiera y política, precisamente porque de nada nos sirve que alguien se ostente como virtual secretario de cultura si no percibe que su tarea es encabezar apasionadamente la defensa de las instituciones.

De otro modo, dejaremos que se materialice el terrible dictamen del cineasta Glauber Rocha: la modernización es ese proceso donde algo que estaba mal es removido para en su lugar no dejar nada.

Alto al recorte presupuestal a la cultura!

2009-08-18T20:19:00.005+10:00

(imagen tomada de circulación en correos electrónicos personales)

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El texto siguiente fue tomado de

Más Cultura

(grupo discusión en Facebook)

Por alguna extraña razón, la mayoría de los medios de comunicación creen que cada vez que enfrentamos una crisis económica, lo primero que hay que recortar son los espacios para la cultura.

Es posible que no se hayan dado cuenta de su relevancia. Quizá creen que sólo es una forma de entretenimiento que no reditúa en ganancias, una obligación que nos dejó la buena conciencia nacionalista post-revolucionaria.

Pero también cabe la posibilidad de que nosotros, el público que sí entiende TODOS los motivos por los que estos espacios resultan fundamentales para la sociedad, no les hayamos expresado con suficiente claridad y contundencia cuánto nos importa…

Este grupo tiene como objetivo convocar a la reflexión sobre el tema: proponer y desarrollar estrategias con el fin de que los medios de comunicación entiendan la importancia e inclusive la conveniencia en abrir MÁS espacios para la CULTURA.

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México D.F., a 13 de agosto de 2009

C. Consuelo Sáizar
Presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes

C. Teresa Vicencio
Directora General del Instituto Nacional de Bellas Artes

A la opinión pública

PRESENTE

Dada la situación de emergencia que afecta a las instituciones de cultura, a un largo historial de privaciones y ante un previsible recrudecimiento de la situación económica, citamos a la Presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y la Artes (CNCA), y a la Directora General del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), a un diálogo público con miembros de la comunidad de profesionales de la cultura quienes tras varias reuniones de trabajo, y con la convicción de que el arte, la educación, la investigación científica y los programas sociales, son prioridad indiscutible para el desarrollo del país, de manera consensuada suscribimos lo siguiente:

Solicitamos información detallada sobre el recorte presupuestal implementado por el Gobierno Federal y cómo afectará el desempeño de las instituciones culturales.

Rechazamos cualquier recorte aplicado de manera discrecional, sin respeto a los compromisos acordados por cada dependencia para la realización de sus proyectos.

Exigimos claridad respecto a los criterios que determinan las políticas de ejercicio de recursos asignados al subsector cultura.

Consideramos que la comunidad cultural del país debe participar de manera permanente en la reflexión en torno a cuestiones fundamentales de la política cultural y demandamos el respeto al derecho de libre opinión pública de quienes trabajan en las instituciones culturales.

Pese a las declaraciones del INBA del pasado 10 de agosto respecto a que esta dependencia “continúa con normalidad todas sus actividades, no se desmantelan, ni eliminan los financiamientos a los centros de trabajo, no se retiran los fondos para los museos y tampoco se centralizan los recursos para la celebración del Bicentenario, consideramos que persiste una serie de dudas sin resolver:

¿Cuál es la fecha exacta para el cierre del ejercicio presupuestal del año 2009? y ¿con base en qué criterios se determinó esa decisión?

¿Qué soluciones se ofrecen para resolver la ineficiencia administrativa que mina el desempeño profesional de las instituciones culturales?

Dado que las autoridades del INBA comunicaron que no se afectarían las tareas sustantivas de sus dependencias, pero sí las administrativas surgen varias preguntas: ¿El recorte a las tareas administrativas no afecta a las tareas sustantivas?, ¿podrían precisar qué determina el que una tarea sea sustantiva?, ¿qué porcentaje de los empleados de confianza, sindicalizados y prestadores de servicios profesionales que laboran en el INBA y en el CNCA realizan tareas sustantivas? y ¿a qué se debe que buena parte del personal de ambas instituciones se mantenga durante años bajo el régimen de honorarios y con contratos de temporalidad arbitraria?

Asimismo, consideramos pertinente que tanto el CNCA como el INBA aclaren a la comunidad artística y a la opinión pública lo siguiente:

¿Por qué la actual presidenta del CNCA no ha dado una respuesta, ni recibido a los artistas de Tijuana, que manifestaron su inconformidad ante el nombramiento del Sr. Virgilio Muñoz Pérez como director de Centro Cultural Tijuana (CECUT)?

¿Cuál es la posición del INBA frente al cese de la plantilla docente de la plantilla docente del Centro Cultural El Nigromante en San Miguel Allende, Guanajuato?

Ante estas y otras interrogantes citamos a la Mtra. Consuelo Sáizar, Presidenta del CONACULTA y la Mtra. Teresa Vicencio, Directora del INBA, a un diálogo abierto el 26 de agosto a las 19:00 horas y las invitamos a que definan el lugar de este encuentro.

De igual forma, proponemos el inicio del trabajo conjunto entre el CONACULTA, el INBA, la Comisión de Cultura del Poder Legislativo, y la comunidad artística para la configuración de un grupo de profesionales de la cultura que participen de manera permanente y activa en el diseño de las políticas culturales, la planeación presupuestal y la implementación de los programas y proyectos de dicho sector en nuestro país.

En espera de una pronta respuesta a esta convocatoria a un diálogo abierto, reciban un cordial saludo, comisión de enlace.

Francisco Reyes Palma, José Luis Berrios y Mónica Mayer

Firmantes
Eduardo Abaroa, Angélica Abelleyra, Esther Acevedo, Galther Acevedo, Ana Paula Zamacona, Juan Pablo Anaya, Tania Andrade Olea, Minerva Anguiano, Rodrigo Ayala Murúa, Marco Barrera, Karla Berriozabal Mejía, Sarah K Borealis, Mirna Calzada Villanueva, Tania Candiani, Brenda J. Caro Cocotle, Carmen Cebreros Urzaiz, Helena Chávez Mac Gregor, Miguel Ángel Cordera, Karen Cordero, Alejandra Cortés, José Luis Cortés, Eduardo Cruz Vázquez, Edwin Culp, Daniela Cruz, Paola de Anda, Mayte de la Torre Jiménez, Bioney Domínguez, Irving Domínguez Rodríguez, Eugenio Echeverría, Pamela Escamilla, Santigo Espinoza de los Monteros, Ruth Estévez, Mayela Flores, Edgardo Ganado Kim, Gustavo García, Néstor García Canclini, Pilar García Germenos, Pilar Gave, Verónica Gerber, José Miguel González Casanova, Laura González Flores, Sergio Granados, Mariana Gruener, Amanda Gutiérrez, Martha Hellion, Arturo Hernádez Alcázar, Saúl Hernández Vargas, Iñaki Herranz Margain, Jenny Tamara Ibarra Ruiz, Álvaro Inzúa Medina, Iñaki Bonillas, Jorge Izquierdo, Karla Jasso, Enrique Jezik, Bertha Kolteniuk, Carlos Kubli, Viviana Kuri, Ximena Labra, Magali Lara, Pancho López, Alejandro López Sandoval, Mariana R. Lorenzano, Gabriela Lozano Cuevas, Angélica Martínez, Adriana Martínez, Alma Rosa Martínez Amigón, César Martínez Silva, Benjamín Mayer Fouklkes, Edith Medina, Cuauhtémoc Medina, Rosa Elena Megoza, Enrique Méndez de Hoyos, María Minera, Jorge Morales, Samuel Morales Escalante, Lourdes Morales Mendoza, Francisco Moreno, Álvaro Muñozledo, Sofía Neri, Ana Laura Nettel, Yoshua Okón, Sofía Olascoaga, Luis Orozco Gallardo, Berenice Pardo, Marcela Pérez Deyden, Iván Puig, Xanath Ramo, Vicente Razo, Juan Carlos Reyna, Marco Antonio Rivas, Francisco Rodríguez, Armando Salas Peralta, María Ester Saldivia, Jimena Saltiel, Mónica Sotos, Ingrid Suckaer,
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NUEVAS FIRMAS
Manuel García Estrada,Felipe Zúñiga González (artista visual y gestor cultural, Tijuana), Ana Elena Mallet, Mayra Ibarra,Valeria Pérez Vega, Pablo León de la Barra, Bárbara Perea, Cristina King, Víctor Lerma, Karla Paola Rebolledo García, Fausto Méndez Luna, Clarisa Falcón Valerdi, Ingrid Maciel, Daniela Orozco, Daniel Aspuro, Adriana Rocha Méndez, Fernando Bartolomé Delmar Huerta, Fernando Delmar Romero, Juan Cano, Silvia Zárate Guzmán, Lucy Ovilla, Alejandro Roque, Julieta Aranda, Mariana Morales, Fidel Ernesto González Hernández, Isaura Leonardo, Ivonne Lizeth Sánchez Liévano, Leonardo Ramírez, Esaú de León, Alfredo González Reynoso, Victoria Narro, Ivan Díaz Robledo, Elizabeth Díaz López, Pamela Castillo Hernández, Javier Fabián, María Escurra, Nidia Nava, Cecilia Aguilar, Kelly Aronowitz, Erick Fernández, Berenice Bautista, Isabel Hernandez, Giovanna Esposito, Daniel Escoto, Agustín Peña, Marisel Sandoval, Leticia Santos, Marcos Ramírez ERRE, Gabriela Morlett, Gabriela Islas Arzamendi, Manuel Mejía Armijo, Clau de la Torre, Alexander Bruck, Andrea García Cuevas, Eduarde Flores Castillo, Carlos Villela, Aline Chapa Cano, Alejandro Ramírz Romero, María Sobrino de Velazquez, Daniela Falcon Maimon, Javier Magallanes, Carlos Germán Barraza Cedillo, Rogelio Villareal, Roberto Rosique, Beatriz Colonna, Angel Leanza, Victor Ochoa, Federico Ruiz, Citlali Bernhardt, Yameli Mera, Lorena Vera Verján, Ana Ma. Vazquez, Ishtar Cardona, Eduardo Thomas, José Ruiz Mercado, Efrén Roura, Adriana Cadena Roa, Julio Antonio Alvarez Ponce promotor cultural, Tijuana, BC, Olivia Vidal, Martha Papadimitriou, Cecilia León, Mónica Bartilotti, Azul Aquino, Martha Lorena Botello Moreno, Antonio Arango, Patricia Quijano, Fiamma Montezemolo, Emilia Raggi, Berta Kolteniuk, Gabriela Gutiérrez, Lena García Feijoo, Kelly Aronowitz (Kelly A.K.), Jair Cortés, Mappy Wereka, Ivan Farias, Édgar Castelán y El Teatro Fantasma AC, Paloma Macías Guzmán, Heriberto Yépez, Jeannette Betancourt, Jesus Ramos Loreto, Brenda marina Méndez. Gallardo, Virgilio Caballero, Maricruz Jiménez Flores, Zonaescena A.C. , Isabel Mercado, Magdalena Alvarez Barraza, Alberto Zárate Rosales, Carlos Perezmurphy Mejía, Rodrigo Hernández Aceves, Alejandro Zacarias, Adriana Díaz Enciso, Sol Henaro, Caterina Camastra, Javier Hinojosa, Iskra Sabino, Joaquín Segura, Antonio Gritón, José J. Vázquez, Vania Macías Osorno, Evanglina López Méndez, Katnira Bello, Aída Emart, Elena Román.

SI QUIEREN AGREGAR SU FIRMA A ESTE DOCUMENTO, UNIRSE A ALGUNA DE LAS COMISIONES QUE SE ESTÁN FORMANDO O UNIRSE A LA RED DE GRUPOS INTERESADOS EN ACTUAR SOBRE ESTOS PROBLEMAS, FAVOR DE ENVIAR UN CORREO A pintomiraya@yahoo.com O DEJAR SUS DATOS EN MÁS CULTURA (grupo en Facebook)

archivos arte/acción ::: curando archivos

2009-08-01T21:14:00.003+10:00

Sesiones intensivas: reflexiones en torno a ARTE/VIDA. Acciones por artistas de las Américas, 1960-2000
Museo de Arte Carillo Gil
5 y 6 de agosto 2009

Programa General

Sesión 1 miércoles 5 de Agosto de 17:00 a 21:00 hrs.
ARCHIVOS DEL ARTE ACCIÓN EN MÉXICO Y SUS VÍNCULOS EN AMÉRICA LATINA

17:00 a 17:15 hrs. Introducción a SESIONES INTENSIVAS: Reflexiones en torno a Arte ≠ Vida.

17:15 a 18:45 hrs. HACIENDO ARCHIVOS
Sesión centrada en experiencias personales, donde la discusión
girará en torno a la generación, conservación, promoción y alimentación de
archivos de arte acción a partir de casos específicos.

18:45 a 19:15 hrs. Reflexión colectiva
Invitados: Maris Bustamante, Marta Hellion, Víctor Muñoz, César
Espinoza, Araceli Zúñiga, Arnulfo Aquino, Magali Lara, Felipe Ehrenberg.
Modera: Sofía Olascoaga

19:30 a 20:30 hrs.
CURANDO ARCHIVOS.
Presentación de experiencias personales y profesionales en la
investigación curatorial e institucional enfocada a archivos de arte acción, su
conservación, publicación y exposición. ç

20:30 a 21:00 hrs. Reflexión colectiva

Invitados: Francisco Reyes Palma, Sol Henaro (videoconferencia). Mauricio Marcín, Mónica Mayer,
Pilar García de Germenos, Helena Chávez, Cuauhtémoc Medina,
Modera: Sofía Olascoaga

Sesión 2 Jueves 6 de Agosto de 17:00 a 21:00 hrs.
EL ARTE ACCIÓN EN LA PRÁCTICA CONTEMPORÁNEA

17:00 a 17:30 hrs. Plática con Tania Bruguera

NUEVAS ESTRATEGIAS, VIGENCIA Y AGENCIA
Sobre el arte acción y el sentido en que ha cambiado el contexto y
los paradigmas de las instituciones artísticas; la efectividad en el horizonte de las
expectativas del público participante y del propio artista; la necesidad de activar
relaciones con los diferentes contextos, interlocutores y audiencias, dadas las
condiciones culturales y sociales de hoy en día; así como las estrategias de
documentación y materialización en los contextos sociales, culturales y del
mercado del arte en la actualidad.

Reflexión colectiva
17:30 a 19:30 hrs.
Invitados: Barbara Perea, Taiyana Pimentel, Richard Lou, César Martínez, Pilar Villela, Mariana Botey,
Helena Chávez.Modera
Modera: Ruth Estévez

No Grupo / Trienal de Chile

2009-06-24T21:16:00.009+10:00

TRIENAL DE CHILE
5 de octubre al 5 de diciembre 2009
ARTE LATINOAMERICANO: ESTADOS DE SITIO
Curador: Gabriel Peluffo Linari
Valparaíso

Esta exposición forma parte del programa de la Trienal de Chile que se llevará a cabo a partir del próximo 5 de octubre. El curador de la exposición Arte Latinoamericano: Estados de Sitio, Gabriel Peluffo, invitó a diversos investigadores para abordar 5 colectivos latinoamericanos de la década de los 70/80 entre los que se encuentra el colectivo mexicano No Grupo (Maris Bustamante, Melquiades Herrera, Rubén Valencia, Alfredo Núñez) y del cuál yo llevo la investigación general.

[...]
Hablar de “arte latinoamericano” sin rémoras esencialistas sólo puede tener sentido en el restringido marco casuístico de determinadas prácticas artísticas, curatoriales y políticas. Son ellas las que pueden poner en evidencia los cruces entre historias locales del continente -portadoras de una memoria que territorializa los signos- y dinámicas globales portadoras de un acelerado proceso de ubicuidad de los signos.

Esta exposición no pretende, por lo tanto, basarse en categorizaciones historiográficas y tampoco en otras de carácter formal o doctrinal, para luego hacer una taxonomía museográfica de esas categorías, como ha sucedido muchas veces. Hemos preferido -dado el campo acotado de la propuesta- poner el acento en un arte caracterizado por actitudes de vanguardia en el linde con la acción política como marca distintiva de varias experiencias localizadas, aunque geográficamente dispersas, que se registraron en el continente desde fines de los años sesenta. Esto implica la pretensión de recuperar para la historia esas agendas de cotidianos locales, y viceversa: recuperar esas historias para el cotidiano de nuestra contemporaneidad descentrada, buscando una continuidad de sentido entre las memorias de sitio y los códigos globales. La intención es instalar un acto de arqueología proyectiva, de memoria fundante dirigida a reconsiderar –sobre los testimonios del pasado- las posibilidades contemporáneas de un arte crítico.

En el guión expositivo, se superponen dos diagramas de selección y organización de obras:
En primer lugar un diagrama que parte de la idea de “estados de sitio” y los principales tópicos que connota: discontinuidad, liminaridad, lugaridad, temporalidad, entre otros. Esto significa, por un lado, jerarquizar la categoría histórica y territorial del “lugar”, desvelando el vínculo con lo local y contextual aún en aquellas prácticas artísticas que, por sus códigos de lenguaje y ámbitos de circulación, puedan considerarse “globales”. Por otro lado, significa atender las circunstancias sociales, urbanísticas y culturales de Valparaíso como espacio de recepción y de puesta en escena del proyecto, de tal manera que ellas conformarán los itinerarios de acuerdo a un “estatuto de sitio” referido a las condiciones de producción y emplazamiento de obra.

En segundo lugar un diagrama que busca restaurar la noción de “archivo” como estrato testimonial de una memoria dinámica, abierta a relecturas diversas, poniendo en diálogo acontecimientos puntuales y territorialmente dispersos que tuvieron lugar en América Latina. Aún a riesgo de canonizar desde el punto de vista museal prácticas artísticas originalmente dirigidas a transgredir los límites institucionales del arte, la idea que preside este guión es la de crear una “zona de contacto” entre archivos que testimonian distintas respuestas a problemas similares, registradas en puntos geográficos muy distantes y en circunstancias locales muy diferentes.

Si bien cada archivo se emplazará en un espacio específico, su estructura museográfica será tentacular, de manera de poder establecer nexos entre ellos (cruzando los espacios expositivos), propiciando una visión comparativa tanto en los planteos conceptuales como iconográficos. Para estos “cruces” se tendrán en cuenta los mencionados tópicos de discontinuidad (espacial y temporal), liminaridad (acciones en la inestable frontera de arte y política), entre otros, que constituirán los vehículos de inserción de la estructura conceptual del primer diagrama, en la estructura histórica del segundo.

LOS ARCHIVOS

Tucumán Arde (Argentina, 1968)
Se trata de “una acción directa para producir un hecho político” que tuvo lugar en el año 1968 en el marco de una serie de intervenciones llevadas a cabo por varios artistas argentinos –particularmente rosarinos- durante el desarrollo del llamado Itinerario 68 (hay una investigación y publicación fundamental sobre este período de Ana Longoni y Mariano Mestman). Tucumán Arde fue una muestra colectiva, voluntariamente anónima, realizada a plenitud en la ciudad de Rosario y repetida luego como fracaso (debió ser levantada casi de inmediato) en la ciudad de Buenos Aires. En ella se pretendía crear un ámbito de conciencia y movilización social (apoyada en los sindicatos) en torno a la pauperización de Tucumán debido al cierre de los ingenios azucareros. Esencialmente constituyó, según palabras de Roberto Jacoby -uno de sus protagonistas-, “el intento de continuar otorgándole sentido a la actividad artística” cuando ya no corría al ritmo de los nuevos tiempos. El archivo que sirve de base para esta exposición es el creado por Graciela Carnevale (también actuante en esa movilización) en la ciudad de Rosario.

No-Grupo (México, 1977-1983)
Es uno de los colectivos que se fundan en México a finales de los años setenta y es el principal para las prácticas de los no objetualismos. Invitados por el crítico peruano Juan Acha, participó en el Primer Coloquio de Arte No Objetual (Colombia) con el proyecto Agenda 83, una agenda “artístico-política” integrada por información escrita y comunicación visual sobre la situación política en Colombia, galvanizada por las acciones del M19. Para este proyecto implicaron a otros productores, individuos y otros grupos como Proceso Pentágono (Felipe Ehrenberg, Carlos Aguirre, Lourdes Grobet) y Grupo MIRA (Melecio Galván, Arnulfo Aquino, Rebeca Hidalgo y Jorge Pérez). El No-Grupo estuvo integrado por Rubén Valencia, Alfredo Núñez, Maris Bustamante y Melquiades Herrera, los dos últimos reconocidos también por su posterior labor sistemática ya como individuos y su proyección docente. La investigación la realiza Sol Henaro (México) con los aportes del archivo de Maris Bustamante, Melquiades Herrera entre otros.

Taller 4 ROJO (Colombia, 1972 – 1976)
Los más importantes integrantes de este grupo fueron Diego Arango, Humberto Giangrandi, Carlos Granada, Jorge Mora, Fabio Rodríguez y Nirma Zárate. Su principal soporte técnico de trabajo fue el grabado, mediante el cual se pretendió refundar una estética vinculada a la visualidad del afiche y a las técnicas de un diseño que, sin desprenderse aún totalmente de rémoras figurativas propias del realismo social tradicional, investiga otras poéticas de la imagen tributarias de la persuasión política.
Clemencia Lucena (Colombia). La obra de Clemencia Lucena constituye, de alguna manera, el contrapunto estético-político del Taller 4 Rojo, ya que cultiva un hiperrealismo pictórico tributario de la tradición del realismo social con perfiles populistas. Esta artista perteneció al movimiento MOIR, de ascendencia comunista maoísta, y desarrolló paralelamente una reflexión teórica sobre las relaciones coyunturales entre arte y política, plasmada en un libro que recoge sus manuscritos. La investigación de T4R y de la obra de Clemencia Lucena corre por cuenta de María Sol Barón Pino (Colombia) y María Victoria Mahecha (Colombia), respectivamente. Los archivos investigados se encuentran en poder de protagonistas directos del Taller, así como de familiares y coleccionistas de la obra de Lucena.

Colectivo Acciones de Arte – CADA (Chile, 1979-1985)
El colectivo se constituyó sobre la idea de intervenir el cotidiano de la vida urbana mediante imágenes y acciones que perturbaban el orden simbólico establecido por la dictadura del Gral. Pinochet. Estas acciones llamaron a una reflexión crítica sobre los lenguajes del poder y sobre la propia estructura comunicativa tradicional del arte, en el marco de lo que Nelly Richard llamó la “escena de avanzada” chilena en el arte. Sus principales integrantes fundadores fueron Fernando Balcells, Juan Castillo, Diamela Eltit, Lotty Rosenfeld y Raúl Zurita. La investigación de la obra de este colectivo la realiza Paulina Varas (Chile) y en la selección de piezas colabora Alberto Madrid. El archivo considerado fuente principal de la muestra es el de la artista Lotty Rosenfeld, aunque también se cuenta con los aportes de Juan Castillo y Diamela Eltit.

EPS Huayco (Perú, 1980-1982)
Surge de una escisión en el grupo Paréntesis (creado en 1979), desde el momento en que Luy, Mariotti, Noriega y Salazar se separan del mismo para crear junto con otros artistas el EPS Huayco, cuya primera exhibición es el 14 de mayo de 1980. El colectivo pone de relieve en sus obras el proceso de consumación y luego de decadencia (hasta la frustración) de una coyuntura revolucionaria que había consistido en la “articulación radical de la pequeño-burguesía-ilustrada y lo popular-emergente”, unidos para derrocar el proceso dictatorial de 1975-1977. El archivo del cual se seleccionan las piezas que serán expuestas es el de Micromuseo, dirigido por Gustavo Buntinx, cuyo importante trabajo historiográfico sobre EPS Huayco fue publicado en el año 2005 por Fuentes para la historia del arte peruano, Colección Manuel Moreyra Loredo, Tomo 3 (Lima, Perú).

La lista de artistas contemporáneos que estarán representados con obra en la exposición de Valparaíso como contratexto de la obra de archivos y como intervenciones urbanas, aún no se encuentra cerrada y será dada a conocer próximamente.
[...]

Más información en www.trienaldechile.cl/exposiciones/arte-latinoamericano-estados-de-sitio

Melquiades Herrera en la Celda Contemporánea

2009-06-08T07:10:00.002+10:00

Afiche diseñado por Alejandro Magallanes para la exposición "Un peatón profesional, Melquiades Herrera", proyecto de Sol Henaro para inaugurar la Celda Contemporánea. UCSJ, Ciudad de México, 19 abril 2004

Vista general del espacio principal de la Celda Contemporánea.
Fotografía cortesía de Magdalena Martínez Franco

ººº entrevista ººº

2009-06-04T20:02:00.011+10:00

RADIO JORONGO
Por que no hace falta hablar de arte...para hablar de arte

Aproximaciones desenfadadas a temas artísticos de punta. Aprovechando el formato bidireccional de una transmisión sonora por Internet, el programa, aparte de tocar temas relevantes en la agenda cultural nacional, promueve la participación de los radio escuchas mediante el envío de archivos mp3. Escucha a Fernando Llanos, todos los lunes a las 21:00 horas

Mayo 18 /2009 - Rescatando la memoria. Sol Henaro, curadora e historiadora sateluca radicada en Barcelona, en una sabrosa entrevista nos cuenta sus motivos para estar investigando en los orígenes del arte contemporáneo mexicano. Canciones: "Atomic" de Blondie, "Brother" de The Organ y "Mr. Somewhere" de This Mortal Coil. [sic]

descargar en:http://www.codigoradio.cultura.df.gob.mx/index.php/programas/44-programas/118

o descargar en: http://www.fllanos.com/rajo/mp3s/3Henaro.mp3

Caso: archivo de Melquiades Herrera

2009-05-11T00:57:00.015+10:00

Foto cortesía de Javier Hinojosa (de la serie, las fases de Melquiades)

REPORTE GENERAL

2003-2004
Insistí muchas veces antes de que la entonces directora de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, Luz del Carmen Vilchis, aceptara recibirme en su oficina de la Academia de San Carlos. El motivo de mi insistencia: solicitar su autorización para acceder al archivo de Melquíades Herrera quien al fallecer el 18 de octubre de 2003, dejó gran parte de su acervo a la Academia de San Carlos, donde se desempeñó como docente por muchos años. Vilchis negó el permiso esgrimiendo que antes que nadie, debería entrar el personal especializado de la UNAM a ordenar y clasificar el material ahí reunido para que “en breve” pudiera estar disponible para fines de investigación. Ante su negativa opté en ese momento por desarrollar investigación de campo al margen de esa institución y opté por acercarme a los amigos y colegas de Melquíades Herrera; sólo así logré concretar la exposición “Un Peatón profesional: Melquíades Herrera” (19 abril 2004) con la que inauguré la Celda Contemporánea.

Aquella fue la manera en que entré en contacto de manera formal con el universo Melquíades Herrera y desde entonces, interesada en la recuperación de prácticas que desestabilizan la historiografía tradicional, he estudiado y colaborado con otros productores de su generación (Alberto Gutiérrez Chong, Carlos Aguirre, Felipe Ehrenberg, Sarah Minter, Maris Bustamante) y a inicios del 2008 comencé a centrar mi atención sí en el individuo Melquíades Herrera, pero esta vez tornando la mirada –y por tanto ampliando mi campo de visión- al colectivo del que formó parte junto con Rubén Valencia, Maris Bustamante y Alfredo Núñez: El No Grupo.

2008-2009
A finales del 2008 recibí una invitación por parte del curador uruguayo Gabriel Peluffo Linari para participar dentro de su proyecto “Arte Latinoamerica: Estados de Sitio” que se presentará del 5 de octubre al 5 de diciembre dentro de la Trienal de Chile 2009. En su propuesta se presentaran las investigaciones sobre 5 archivos latinoamericanos muy precisos: Tucumán Arde (Argentina, 1968), Taller 4 ROJO (Colombia, 1972-1976), Colectivo Acciones de Arte CADA (Chile, 1979-1985), EPS Huayco (Perú, 1980-1982) y No Grupo (México1977-1983) de la cuál soy responsable.

A partir de diciembre comencé a trabajar a distancia algunos materiales que he reunido en el curso de los años y en este proceso el apoyo de Maris Bustamante ha sido fundamental para la re-configuración de mi investigación. A través de Peluffo y Bustamente entré en contacto con un proyecto del No Grupo que se ha diluído con el paso del tiempo y que ahora persiste en la memoria de unos cuantos por lo que, el pasado mes de abril me desplacé por la Ciudad de México para revisar algunos archivos medulares para elaboración de esta cartografía paralela. Y claro, volví a insistir al actual director de la Academia de San Carlos y de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (UNAM) el Mtro. Ignacio Salazar, el permiso para poder tener acceso al archivo de Melquíades Herrera, permiso que ésta vez (cinco años después) sí me fue concedido.

Llamarlo archivo tal vez sea demasiado si por ello se entiende “un conjunto ordenado de documentos que una persona, una sociedad, una institución, etc., producen en el ejercicio de sus funciones o actividades” (RAE, 2008) ya que se encuentra lejos de condiciones apropiadas para su conservación y uso. Lamentablemente más allá de que las cajas estén en una situación de evidente abandono, los materiales –principalmente los libros- están siendo colonizados por hongos y otros microorganismos que con frecuencia se instalan en el papel y que lo van dañando paulatinamente hasta su inutilización. La posibilidad de revisar lo que Melquíades Herrera constituyó como su biblioteca personal es otro resquicio para entender qué tipo de autores atravesaron su pensamiento, con qué teóricos, críticos o historiadores dialogaba como lector, qué textos de Acha conservó y con qué notas –si acaso las realizaba- o qué textos de matemagias de Gadner deshojó por el constante uso. Y aquí mi voluntad o la de los que me han apoyado, no basta. Se requiere la intervención de conservadores capacitados y claro está, del interés desde la propia institución por responsabilizarse de ese plural acervo.

El 21 de abril 2009 recogí el oficio en el que se me autorizó el acceso para el jueves 23 (justo un día antes de que entrara la paranoia porcina y de que suspendieran actividades en instituciones públicas, como la propia UNAM) y me presenté junto con dos cómplices a los que también tramité autorización: DIEGO TEO y ANDRÉS VILLALOBOS. Preparados con dos cámaras de foto, dos cámaras de video, tripie, guantes, gotas y tapabocas, estuvimos de las 11:00 a las 20:00 horas en compañía de personal de la institución abriendo cada una de las cajas, clasificando cada uno de sus objetos y haciendo un registro en foto y video de cada elemento que de ellas salían. Ahora estoy ordenando toda la documentación que levanté y estamos por editar los materiales para hacer un registro en DVD donde se reúna el trabajo que llevamos a cabo; apenas estará listo y daremos unas copias a centros de documentación y obviamente, a la Academia de San Carlos.

Nuestro interés es que esta acción que llevamos a cabo el pasado mes de abril sirva a la propia institución como antecedente y finalmente pongan en la mesa de debate cómo proceder para poner ese material en condiciones dignas y disponibles para los interesados. El “drama del archivo” está cobrando cada vez más relevancia, estamos ante un momento en el que muchos archivos pueden recuperarse o bien, fragmentarse hasta su total dispersión o insignificancia reductiva. Nuestra obligación es ejercer políticamente al respecto y procurar no fetichizar pero sí formar nuevas constelaciones de conocimiento a partir de las prácticas que aparecen como significativas y desestabilizadoras.

Anexo aquí algunas pocas imágenes del estado del archivo y de nuestro encierro voluntario para empezar a poner orden. Esta fue la primera de otras visitas que llevaremos a cabo al archivo de Melquíades Herrera. El documento completo con fotografías y videos estará listo en los siguientes meses. Nuestro documento como tal, será distribuido sin fines de lucro y con el ánimo de compartir material y asi, repensar en colectivo. Para poder hacer uso de las imágenes habrá que averiguar un poco más adelante con la UNAM para proceder adecuadamente. Queda en el tintero de pendientes...

Sol Henaro

Un agradecimiento especial para la Mtra. Ma. Eugenia Quintanilla Silva, Secretaria de apoyo
y vinculación de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, plantel Academia de San Carlos y
para Inés Reyes Jiménez, quien nos acompañó durante toda la jornada de levantamiento de datos.

Y nuevamente para Diego Teo y Andrés Villalobos.
LAS FOTOS FUERON RETIRADAS TEMPORALMENTE HASTA AUTORIZACIÓN DE USO

Las fotos son de Sol Henaro y de Andrés Villalobos

http://www.trienaldechile.cl/exposiciones/arte-latinoamericano-estados-de-sitio/

Tras los documentos y otros materiales de JUAN ACHA

2009-04-13T14:16:00.004+10:00

Foto de Sol Henaro en el estudio de M. B.

El fondo reservado Juan Acha
Tomado de: Revista PROCESO
Autor: Blanca González Rosas
Junio 18, 2006

En un salón de la Academia de San Carlos --Centro Histórico de la Ciudad de México-- con clima extremoso y pocas condiciones de higiene, se encuentra, guardado en 258 cajas de cartón colocadas sobre el suelo y en algunos anaqueles, el Fondo Reservado Juan Acha.

Se tratade un acervo documental conformado por aproximadamente 9 mil libros --de estética y sociología, psicología, teoría e historia del arte-- y numerosas cartas, ponencias, catálogos y diapositivas, que el prestigiado teórico de arte acumuló durante los más de 20 años que vivió en nuestro país.
Químico de formación y sociólogo y teórico del arte por convicción y pasión, Juan Acha (Perú, 1916-México, 1995) fue uno de los principales pensadores y protagonistas de la escena mexicana y latinoamericana de las artes visuales durante los años setenta y comienzos de los ochenta. Posteriormente, su lúcida y motivante presencia se mantuvo a través de la crítica y, muy especialmente, a través de la docencia, desde donde detonó estudios e interpretaciones teóricas sobre el sistema artístico en general.

Consciente de la dependencia cultural en la que se desarrollaba el arte latinoamericano, Acha defendió la necesidad de construir un aparato teórico particular el cual, con base en el conocimiento del "instrumental teórico de occidente", permitiera solucionar "las contradicciones internas y el empleo de los procedimientos artísticos" eurocentristas. Visionario y convencido de la igualdad y dignidad que debía alcanzar la creación y el pensamiento latinoamericano en el diálogo con las potencias artísticas, el maestro inició en México un análisis del fenómeno artístico que, con base en una metodología marxista-estructuralista, integró a la teoría, la sociología y la historia del arte en una compleja interpretación que integraba las diferencias: el arte culto, los diseños, las artesanías, la fotografía, la tecnología, la semiótica, la informática, los circuitos de distribución, los consumos y la crítica del arte.

Interesado especialmente en la comprensión de los no-objetualismos, Juan Acha fue pionero tanto en la utilización del término posmodernista como en la asimilación de las estéticas de la recepción que en aquellos años ochenta provenían de la Alemania democrática.

Coordinador del Museo de Arte Moderno de México de 1972 a 1977 y académico de tiempo completo en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (ENAP) de 1976 a 1995, el teórico no sólo logró producir una abundante bibliografía y hemerografía --aproximadamente 22 títulos-- publicada por editoriales nacionales e internacionales, sino también acumular un valioso acervo documental el cual, ahora, parece estar subvaluado por la misma institución en la que enseñó e investigó durante 19 años.

En octubre de 2005, la artista visual Mahia Biblos --compañera y esposa del maestro-- cedió en comodato a la ENAP el Fondo Reservado Juan Acha. Con un acuerdo pactado con la entonces directora Luz del Carmen Vilchis, la institución se comprometió a organizar, preservar, conservar y difundir el Centro Juan Acha de Investigación Sociológica de Arte Latino americano y el Fondo Reservado. Sin embargo, ni con Vilchis ni con el pintor Ignacio Salazar --quien desde mayo es el director de la ENAP-- la institución ha tomado medidas para cumplir con el compromiso asumido. Ubicado en un espacio inapropiado por las condiciones climáticas y la carencia de instalaciones, el acervo se encuentra en las mismas cajas en las que llegó y sólo se ha inventariado y catalogado en 20%. Su difusión es nula y su utilización muy precaria. Una situación lamentable ya que, por su contenido, el acervo podría detonar estudios en un área que hoy en día es esencial para la comprensión del sistema y el devenir de las artes visuales: la teoría del arte.

Ante esta circunstancia, no queda más que cuestionar el precario grado de profesionalismo que rige en todo el sector de las artes visuales, tanto en el académico como en el legislativo, ya que si existiera una ley de archivos o una ley de donaciones, la situación sería muy diferente.

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Nota de Sol Henaro:
Emilio Terazona y Miguel López investigan desde hace tiempo los diversos aportes y resonancias de la obra de Juan Acha.
ver: http://arte-nuevo.blogspot.com

En cuanto a otro archivo que igualmente pasó a manos de la Academia de San Carlos (también durante la "dirección" de Luz del Carmen Vilchis a finales del 2003 inicios del 2004), se encuentra el acervo del artista y docente Melquiades Herrera. Como en el caso de Acha, los materiales siguen sin estar del todo clasificados y disponibles para los interesados.

Habrá que pensar algún tipo de acción, presión para que se "agilice" el proceso y finalmente, puedan volver a activarse ambos archivos.

las imágenes no son inocentes...

2009-03-27T22:05:00.007+10:00

NOTAS RÁPIDAS A PARTIR DE
UNA IMAGEN COMPRADA

1. La pluralidad religiosa en la India es interesante; conviven en su extensa área geográfica hinduistas, musulmanes, budistas, católicos y otras prácticas religiosas en peculiar tolerancia.
2. Dentro del hinduismo periódicamente surgen nuevos guías espirituales o como ellos denominan, gurus. Prácticamente cualquier persona puede convertirse en guru y crear un mensaje para ser seguido… Algunos gurus se han denominando inclusive como encarnaciones divinas por ejemplo, de Shiva o Buda.
3. Uno de los gurus vivos más famosos de la India a nivel internacional es Sathya Sai Baba, a quien encontrarás aquí bajo dentro del sobre .
4. Inicialmente cuando encontré esta imagen y otras que compré en un mercado en la parte antigua de Delhi (Old Delhi) me enganché por lo irrisorio de la imagen, por el simpático hindú de cabello afro en calcomanía y mientras me aguantaba la risita simplona ante otros indianos me preguntaba si yo podría creer en que un tipo así fuera mi guía espiritual. O para pronto, si podría creer en simplemente un "guía" espiritual = NO.
5. Soy una persona que no cree en los redentores o mesías de la historia, menos aún en los que están vivos y que incluso en este mismo momento están compartiendo ante masas su “doctrina”. Por esta razón, ya de vuelta en Italia, empecé a hurgar en internet sobre el sujeto en cuestión, SAI BABA.
6. En Delhi y en Benares, partiendo de una platica con indianos sobre el fascinante universo iconográfico hinduista mencioné a Sai Baba; los indianos mostraron un inmediato repudio por él, y decían despóticamente que era “el guru de los extranjeros, a los que solo les saca dinero”.
7. En efecto, he encontrado diversos documentos en los que se señala que Sai Baba vive en sus ashrams con lujos que en la India un porcentaje ínfimo de la población puede permitirse y que en un guru que dice ayudar a los necesitados, se vuelve ofensivo.
8. Sai Baba presume de tener el “poder divino” para materializar joyas, piedras preciosas y hasta relojes lujosos con el simple movimiento circular de sus manos... Muchos alegan que se trata de meros trucos baratos, que en realidad esconde los productos bajo las mangas de su túnica y luego de mover las manos en círculos, “los aparece”.
9. La mayor sorpresa fue encontrar documentos de activistas anti Sai Baba cuyos integrantes son ex devotos abusados sexualmente por el Baba y sus babitas. Confesiones de hombres que visitaban por largos periodos de tiempo alguno de los ashrams en el sur de la India y que eran llamados a entrevistas privadas con Sai Baba; entrevistas que eran tomadas por los fieles obviamente como “oportunidades divinas”. Algunas detalladas confesiones-acusaciones hablan de cómo Sai Baba les decía que les estaba concediendo una “gracia especial” y mencionaba conceptos como liberación, sacrificio y ofrenda mientras los masturbaba o arrimaba el camarón a sus bocas…
10. De esto y más me enteré luego de comprar una imagen de un guía espiritual de la India cuya mera apariencia me resultaba simpática. Experimento rabia hacia los charlatanes, sobre todo por aquellos que utilizan la fe (léase necesidad) del otro para sus fechorías (empezando por los infomerciales que prometen bajar de peso con una sola píldora) pero esto de Sai Baba me irrita mucho más, ¿cómo puede utilizar la fe (léase ingenuidad o urgencia) de la gente en nombre de la espiritualidad? Sin afán de ofender sensibilidades me parece que es como enterarse que la virgen María gestionaba a las poquianchis, por decir… Y además ¿cómo pueden ser tan tontos los “feligreses” y tragarse (literalmente) el cuento?
11. Esta biopsia sobre un personaje espiritual de la India es una pequeña evidencia de como la cultura de la India esta sujeta como todas, a un reacomodo constante de sus valores y de su estereotipo edificado desde occidente… Es el siglo veintiuno, nada permanece intacto; la India ya no es sus viejos ascetas y la no violencia, en muchos sentidos no es del todo cierta hoy día.
12. Personaje polémico sin duda y en fase de declive, la figura de Sai Baba así como la de los diversos sacerdotes católicos pederastas, suscitan dudas y reflexiones sobre los usos de la fe sobre todo hoy, en una sociedad mediática y para algunos, hambrientas de creer en algo.

Por fortuna, para mi no es una necesidad.

Sol Henaro
18 enero, 2007
Florencia, Italia

-Se enviaron por correo postal 10 documentos con la calcomanía original, calcomanías que en un principio adquirí con el fin de regalarlas a manera de souvenir kitsch para algunos amigos.
-Dentro del hinduismo un ashram (en sánscrito quiere decir lugar de esfuerzo) es un sitio para la meditación, enseñanza e investigación espiritual.
-Entrando en www.youtube.com puedes buscar: Sai baba lingam Pt.3 y/o Sai baba cheating. Podrás juzgar con tus propios ojos el insulto a la inteligencia, sus supuestas materializaciones. Consultar también http://www.grupoelron.org/quienes/saibaba.htm
-Asisten hombres y mujeres a los ashrams pero a las “entrevistas privadas” solo eran convocados algunos hombres, en su mayoría jóvenes o niños.
-Consultar el documento: http://saiguru.net/espanol/medios/indiansk.htm y buscar ahí El engaño de Sai Baba, escrito por un ex alumno.
- Un documento completo y detallado sobre quien es Sai Baba y las acusaciones que se le imputan elaborado por una holandesa en el 2001. Ver: http://saiguru.net/espanol/articulos/01guruacusado.htm

seminario ::: absorción y resistencia

2009-03-27T02:22:00.007+10:00

[Diseño de cartografía: Antonio Gagliano]

Absorción y resistencia: Retóricas identitarias y marcos de visibilidad
Tercer seminario del ciclo “El arte después de los feminismos”
PEI-MACBA
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Este seminario tiene dos objetivos relacionados: por un lado re-examinar críticamente algunos discursos y estrategias expositivas hegemónicas en torno a las prácticas artísticas y de la representación sexual minoritarias de la década de los 90 en el Estado Español. Por el otro, evidenciar la tensión existente entre marcos de visibilidad que diluyen el potencial político de dichas prácticas, y aquellos que buscan politizar las prácticas y promover la irrupción de subjetividades críticas.

Lunes 30 de marzo 2009, de 18 a 21 h.
Expresiones identitarias, feminismo y teoría queer: prácticas discursivas y expositivas
Participantes: Juan Vicente Aliaga, Xabier Arakistain y Manel Clot

Martes 31 de marzo 2009, de 18 a 21 h.
Dentro o fuera: batalla y fricciones entre marcos de visibilidad
Participantes: Miguel Benlloch, Cabello/Carceller y Pripublikarrak
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“Proponerse un acercamiento a la década de los noventa en nuestro país para analizar la presencia de discursos de género, de las distintas teorías feministas y queer en el ámbito de la representación artística es un ejercicio que no puede plantearse sino desde el reconocimiento de la dificultad de una empresa semejante. No se trata del ya reiterado argumento de la escasez de proyectos y de material de estudio, sino de la práctica imposibilidad de asir y recomponer los retazos de unas historias ya de por si fragmentadas y dispersas, así como la necesidad de recuperar algunos de los capítulos que se han ido perdiendo en el camino, emborronados por la insistencia de una <> que olvida a menudo su carácter contingente”
Cabello/Carceller, 2005. ( 1)

“Ingredientes mas o menos fundamentales para configurar o cartografiar ese territorio que nos ocupa: la identidad y el género, la noción de sujeto social, las postrimerías de la relación high&low […] y la influencia de otros lenguajes menos ortodoxos y cultos” Clot, 1999. (2)

“ (…) la cuestión central de la figura del comisario o la comisaria de arte: el poder. El poder para seleccionar qué o quienes y lo que es más, cómo y de qué manera van a ser mostrados los elegidos y las elegidas. Si bien es cierto que este poder se diluye entre los complicados entramados políticos y económicos de las pirámides jerárquicas de los mundos del arte, la práctica del comisariado de arte, es siempre una manifestación de poder y una práctica política. (…)Aceptar que la labor curatorial es una práctica política es un buen punto de partida desde el que replantearnos esta tarea y tener en cuenta la naturaleza y la magnitud de la responsabilidad que nuestro trabajo conlleva. Desde mi punto de vista, el poder que ejercemos los comisarios y las comisarías de arte no está exento de responsabilidad pública, sino todo lo contrario y más aún cuando el arte se difunde y promociona en buena medida desde las instituciones públicas. Es nuestra labor resaltar que el arte es un producto social y colaborar a que también en este terreno se tomen medidas para solventar las desigualdades sociales” Arakis, 2002. (3)

“¿Y qué hay de España? ¿Es posible hablar sin caer en calcos y mimesis alicortas de representaciones consistentes del cuerpo sexuado? ¿De identidades tal vez? ¿Incluso de un discurso queer aunque sea pasado por agua y reblandecido?” Juan Vicente Aliaga, 1997. (4)

"Pripublikarrak mató a sus madres, mató a sus padres…o más bien lo intenta con esmero pero asesinarles es un largo proceso… para poder llegar a perdonarles. (...) Pripublikarrak le exige al arte una capacidad relacional con colectivos sociales y políticos para la construcción de redes de emociones, reflexiones y significados" Pripublikarrak, 2008. (5)

“Lo no-dicho, lo repudiado, lo diferente (¿sería esta una traducción apropiada para el queer?)” Juan Vicente Aliaga, 1997. (6)

“…, un canto a la resistencia hecho a base de lentejuelas, con una cabeza de pato sobresaliendo del salvavidas de plástico chillón rodeando la cintura del improvisado ballet, que se descomponía con tal desorden que causaba los aplausos y los gritos de un público entregado señalando con sus dedos las caras y los meneos de sus propios camaradas transformados que trastocaban papeles, revolviendo lo masculino y lo femenino en tal extremo que podríamos decir que anunciaban lo que años después ha significado lo queer en la propia transformación de los feminismos” M. Benlloch,2008. (7)

“La experiencia artística contemporánea –con todo lo que se refiere a las estructuras relaciones con la escena de lo joven también incluida- no redime sino que ilustra, no emancipa sino que reconfigura, no sustituye sino que ocupa, no expresa sino que formula: constituye en su sentido más amplio, y por que no, una experiencia política”(…) M Clot, 1999 (8)

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(1) “Historias no tan personales. Políticas de género y representación en los 90", en IMPASSE 5. Lleida: Centre d'Art la Panera, 2005. pp. 303-318. .p.303-304
(2) Manel Clot. “Ficcionalizaciones de la (sub)cultura juvenil” en Hypertronix (cat. exposición), Castelló : Espai d'Art Contemporani de Castelló, 1999, págs. 25-99, y “Lecturas posteriores”, págs. 214-6. Pág. 55
(3) Xavier, Arakistain. en NEW SELLECTORS, NUEVOS SELECTORES. Mesa de debate. ARCO 2002, 18 de Febrero. Fuente: http://www.arakis.info/sellectors.htm
(4) Juan Vicente Aliaga. "¿Existe un arte Queer en España?" Acción Paralela no. 3, Madrid. 1997.
(5)”Pripublikarrak como construcción mitológica”, 2008. Fuente: http://pripublikarrak.net/blog/?p=606
(6) Juan Vicente Aliaga. "¿Existe un arte Queer en España?" Acción Paralela no. 3, Madrid. 1997.
(7) Miguel Benlloch. “¡¡LARGA VIDA AL CUTRE CHOU!!” Correspondencia con el artista, 2008.
(8) Manel Clot. “Ficcionalizaciones de la (sub)cultura juvenil” en Hypertronix (cat. exposición), Castelló : Espai d'Art Contemporani de Castelló, 1999, págs. 25-99, y “Lecturas posteriores”, págs. 55

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Taller “El arte después de los feminismos” dirigido por Beatriz Preciado
Investigación: Aimar Arriola, Ingrid Blanco, Maribel Escobar, Antonio Gagliano, Nancy Garin, Sol Henaro, Emma Herbin, Nuria Rodríguez.

Prescripción: Tome nota y medite

2009-03-18T20:35:00.014+10:00

(Notas para dejarlas junto al café matutino de algunos que conozco y no han pensado al respecto) :=
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[...] Es necesario entretejer relaciones tácticas entre situaciones de resistencia y situaciones de gestión, sin creer que las primeras van a convertirse en las segundas. Es un buen consejo, ya que hoy en día es ilusorio pensar que se puede existir totalmente fuera de los procesos mayoritarios de gobierno y gobernabilidad. Pero, al mismo tiempo, hay que pensar en la transformación de las instituciones, para facilitar esa relación que será siempre problemática.

[...] Los cambios se dan a nivel de las personas o de las pequeñas instituciones y bajo la forma de micropolíticas.

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[...] La "personalidad flexible" no es sino la búsqueda oportunista de situarse en el mercado, de proponerse uno mismo como negocio y sacar beneficio económico del placer propio, respondiendo a todo tipo de coyunturas diferentes y estímulos virtualmente diseminados por la fibra óptica, a través de las nuevas tecnologías. Intentaba analizar los límites ocultos impuestos a la movilidad horizontal del sujeto contemporáneo a través de estructuras productivas organizadas en redes horizontales, que de hecho están subrepticiamente impregnadas de todo tipo de mecanismos de control y vigilancia. Se trata de una forma de subjetivación en la que el liebre deseo es lo que nos encauza principalmente en el proceso de normalización. El factor principal que mantiene esta normalidad es, paradójicamente, el alto grado de individualización: has de ser único para venderte en el mercado contemporáneo. Sin embargo, en el caso de la cooperación política reticular y de las políticas expresivas lo que ocurre s que uno debe dejar de preocuparse de mantener dichos niveles tan singulares de construcción de si mismo. Es mucho más interesante abandonar tu subjetividad para ser parte de una multitud, unirse a un complejo esfuerzo colectivo que no necesita de tu completa historia personal y que no requiere de una especial inversión de ti mismo. Lo que requiere en cambio, es una inversión desmedida e inconmensurable en lo colectivo, que puede desarrollarse de manera discontinua. Se puede ayudar en un punto concreto hoy, en otro distinto mañana y en tres, cuatro o cinco puntos diferentes al mismo tiempo... y en todos esos puntos uno es reemplazable; así se abandona la compulsión de ser absolutamente diferente y rival del resto de las personas con las que se trabaja. Se sabe que uno no es idéntico, pero sí igual que el resto de las personas, en términos de potencial de existir. Y como siempre, todo eso debe pasar por formas de representación. Se trata, en este punto, de un juego de identidad con el que abandonas tu propio nombre, no para convertirte en un átomo insignificante dentro de un grupo, sino adoptando un disfraz temporal que te permite eliminar tu historia personal y abrirte a la posibilidad de crear otra historia mediante la interacción colectiva, la invención de nuevas formas de cooperación que no te aten al sistema de contabilidad y control.

Brian Holmes en conversación con Marcelo Expósito: “Estéticas de la igualdad. Jeroglíficos del futuro”, en Jesús Carrillo (ed.), Desacuerdos 2, MACBA, Unia-Arte y Pensamiento, Arteleku; Barcelona, 2004

Texto completo en: http://www.arteleku.net/4.0/pdfs/1969-3.pdf

Proyecto: (Entre paréntesis) Ale de la Puente::CC

2009-03-08T05:56:00.007+10:00

Fotografías, cortesía de la artista

“Erase una vez en algún lugar,
aquel que olvidó donde, cuando
y como se sabía gigante.
Se esforzó por recordar y en
su intento creó una memoria,
ella empezó a crear por sí misma
transformando a aquel en
un gigante pequeño.”

Ale de la Puente

Para esta exposición agradecemos especialmente el apoyo de:
Franky Rentería, Federica Rentería, Porfirio Rentería, Miguel, Beto y Xavier.

Exposición del 17 al 31 de enero 2006

Proyecto: (Entre paréntesis) Enrique Ježik:::CC

2009-03-08T05:52:00.002+10:00

Foto, Sol Henaro

RASTREO
Enrique Ježik

Su continuo interés por las diversas formas y manifestaciones de violencia cotidiana como pueden ser los métodos de control, vigilancia y la estetización de la guerra o eventos asociados con lo bélico, han llevado a Enrique Ježik a explorar disciplinas como el dibujo, la escultura, el video, la acción, la instalación y la intervención a sitio específico para poder concretar su comentario, su postura. Si bien es cierto que gran parte de su trabajo se asocia con la utilización de herramienta, maquinaria industrial (que resultan más extensiones corporales del artista que fines por si mismos) y al esfuerzo físico, mas que en ello su interés tiene que ver con los procesos que implican la observación aguda de situaciones de la realidad política-social en el mundo, el consumo de información mediatizada y el uso de los materiales.

El concepto Rastreo, alude al concepto de persecución, seguimiento, huella, pista, vestigio, búsqueda... palabras que podrían ser de un caló de combate y efectivamente, Ježik engarza en esta propuesta diversas reflexiones sobre la guerra como la circulación de la información y la trivialización de la misma a través de los medios masivos

Ratreo es un proyecto realizado específicamente para la
Celda Contemporánea.

Para esta exposición agradecemos especialmente el apoyo de:

Taco Inn
Galería Enrique Guerrero
José Luis Landet y Víctor Noxpango
Voluntarias de la Celda Contemporánea: Mayarí Hernández Tamayo, Talía García Vergara, Norma Angélica Martínez Robledo, Clara Bolívar, Nidia Maciel.

Exposición del 8 de febrero al 18 de marzo 2006.

Proyecto: REVISIONES ::: Carlos Aguirre:::CC

2009-03-08T05:37:00.004+10:00

Imagen, cortesía del artista.

PUNTO DE SATURACIÓN
C A R L O S A G U I R R E

Una canción de los ochenta entona “Comunicación sin emoción.
Una voz en off, con expresión deforme. [...] Busco en TV algún mensaje entre líneas” ... ¿Uno? Son tantos los mensajes subrepticios en los medios masivos de comunicación, respondería Carlos Aguirre, quien desde la década de los setenta se ha preocupado permanentemente por escudriñar y reflexionar sobre lo que éstos contienen o aluden. Observador minucioso de los acontecimientos sociales, políticos y culturales, ve a los medios de difusión –principalmente los diarios nacionales e internacionales- como fuentes de alimento intelectual, como escaparates de opinión pública que no dejan de sorprenderlo por su construcción absurda, los mensajes maquiavélicos o la doble moral que llegan a manejar; de hecho cada mañana dedica una buena parte del día a leer noticias para clasificarlas bajo un sin número de pretextos. Sus principales líneas de investigación han sido la comunicación, el lenguaje, el signo y los discursos de poder.

Cada obra es para Aguirre una manera de externar su postura ante el mundo, si bien otros recurren al periodismo, la demagogia o a la caricatura política, Aguirre recurre al arte; en palabras del crítico de arte Armando Tores Michua (†), Aguirre construye una “semántica visual” en cada propuesta.

En esta exposición, como lo indica el título Punto de Saturación, cada obra presenta varias capas de información, propuestas que exigen del espectador no una mirada de vuelo de águila sino el detenimiento para observar aquello visible pero no obvio: deshilvanar los múltiples contenidos. Algunas obras señalan la cantidad de mensajes que la mercadotecnia inserta en nuestras cabezas, otras son colecciones de adjetivos, palabras o situaciones específicas de un tema, como frases dichas por miembros de la iglesia o referentes a ciertos temas asociados a la vida política actual.

Miembro de uno de los colectivos más activos de finales de la década de los setenta, Grupo Proceso Pentágono, Carlos Aguirre se ha caracterizado por continuar produciendo un sustancioso cuerpo de obra y mantenerse en un circuito activo internacional.

Para esta exposición agradecemos especialmente el apoyo de:
Taco Inn
Galería Nina Menocal
Jonás Aguirre, Pablo Labastida, David Riveroll Fuster.
Voluntarias de la Celda Contemporánea: Mayarí Hernández Tamayo, Talía García Vergara y Norma Angélica Martínez Robledo.

Exposición del 9 de noviembre 2005 al 13 de enero 2006.

Proyecto: REVISIONES :::Germán Venegas:::CC

2009-03-08T05:27:00.004+10:00

Imagen, frente de la invitación diseñada por Alejandro Magallanes para la UCSJ.

Ídolos de azúcar
Germán Venegas
Curaduría: Carlos Ashida

26 de agosto al 22 de octubre 2004.

Germán Venegas apareció con fuerza en la escena artística de México a principios de los años ochenta con una producción que echaba mano tanto de la pintura como de la escultura. Su obra está impregnada de un estilo pictórico y cultural que lejos de caer en el tradicionalismo, lo han llevado hacia una constante evolución marcada por la búsqueda de las posibilidades plásticas de los materiales con los que trabaja y de las respuestas que todo ser humano le pide a su propia cultura. Esta exposición reúne obras tempranas del artista, realizadas entre 1980 a 1987. Durante este periodo Germán Venegas se dedicó al dibujo, la acuarela y al trabajo de pintura con relieves en tela, cartón y madera. En este cuerpo de obra se observa la importancia que da el artista a los temas inherentes a la cultura popular como lo es el folklore, los personajes legendarios, la religión, lo profano, la vida y muerte; universos de lenguaje contenidos en formas y colores que muestran la constante regeneración plástica del autor. La utilización de estos temas llevó a que ubicaran la obra de Germán Venegas como Neomexicanista ; sin embargo, su producción no logra encasillarse dada su versatilidad y continua integración de nuevos elementos. En la presente muestra se han reunido 35 de las piezas más representativas del periodo temprano del artista, muchas de ellas exhibidas por primera vez.

Esta exposición fue posible gracias al apoyo de Fundación Televisa y Taco Inn

Proyecto: REVISIONES :::Alberto Gutiérrez Chong:::CC

2009-03-08T05:14:00.004+10:00

Foto, cortesía Sol Henaro

PROYECTOS HORIZONTALES
SERIE: RE / VELACIONES
SISTEMASMIXTOS.COM

Alberto Gutiérrez Chong

Este proyecto es la consecuencia -y en cierta medida la otra continuidad- de uno de los temas que con mayor interés he trabajado: los muros, las paredes, las bardas. El muro es la primera presencia de todo lo que nos rodea, es todo aquello que limita y se revela en nuestra primera mirada. Es esa presencia muchas veces neutra, que dicta y conduce nuestros trayectos y recorridos. Los muros son interminables, se atraviesa uno para llegar al otro... Son, sin duda, el gran artificio de la realidad: la apariencia y conciencia histórica de cada uno de los sitios que componen una ciudad.

Existe un dicho popular fascinante: “si las paredes hablaran”. De ahí que el proyecto propone una introspección muy individual, casi intimista, sobre lo que podrían o pueden delimitar, sostener y explicar los muros a través de cada visión, de cada mente y de cada individuo. El fundamento conceptual de este proyecto radica en esa posible revelación de un muro para escudriñar su interior, su exterior, según nuestras capacidades, nuestro conocimiento y nuestras sensaciones. Es por ello que el proyecto de la serie: re / velaciones, se inicia en su primera revisión con la presencia neutra del espacio de lo que alguna vez fue la celda de la ex-marquesa de Selva Nevada, con todo lo que eso conlleva. Me interesa señalar y situar las diferentes lecturas de la obra que podrían ser desde la leyenda a la historia y principalmente nuestra experiencia, nuestra cotidianeidad.

Si hubiera la necesidad de explicar qué se esta exponiendo, se llegaría a la conclusión de que efectivamente está un objeto físico adaptado, o en todo caso, instalado en un sitio especifico para generar un ambiente. De ahí que el proyecto -la obra- tenga como finalidad la revisión no sólo del espacio de exposición, sino también del trayecto físico vivencial de la calle de San Jerónimo, para concluir con mi propia visión sobre los muros, contenida en la pagina web: www.sistemasmixtos.com

Alberto Gutiérrez Chong
Ciudad de México, verano del 2005

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Alberto Gutiérrez Chong
(Cd. de México, 1951)

Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Su importante labor en la docencia lo ha llevado a impartir diversas materias del área de artes visuales en instituciones como: Museo Tecnológico, Normal Superior de Oaxaca, Escuela de Diseño del INBA, Comisión Federal de Electricidad, Universidad Metropolitana de Azcapotzalco en el área de ciencias y artes para el diseño y de la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “la Esmeralda“ INBA.

Entre las distinciones que ha obtenido Alberto Gutiérrez destacan: Becario de Programa Creadores Intelectuales en el periodo 1991 1992, FONCA; artista residente en el Hafnarfjordur International Art Festival en Islandia, 1993; Seleccionado con el proyecto Contradiscurso: un espacio simultáneo. Octava emisión del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA 1996 y ha sido Miembro del Sistema Nacional de Creadores en las emisiones 1997 2000 y 2000 al 2003.

Su obra forma parte de colecciones como el Museo Universitario Contemporáneo de Arte UNAM, el Museo de Arte Contemporáneo José Luis Cuevas, Instituto Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural de Arte Contemporáneo, Colección de la Universidad Autónoma Metropolitana, Fundación Cultural Televisa A.C., Fundación Sebastián A.C., Museo de la Resistencia. Managua, Nicaragua, Centro Colombo Americano. Medellín, Colombia y del Municipal Center Of Fine Art Hafnarborg, Islandia.

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas tanto nacionales como internacionales en espacios como la Galería Herreras, Centro Cultural Zacatenco del Instituto Politécnico Nacional, Universidad Ibero Americana, Casa de la Cultura de Toluca Edo. de Mex, Galería Linkskurve, Galería Fénix, Primer Salón Nacional de Experimentación del Auditorio Nacional INBA, Galería Metropolitana, Galería la Agencia, Museo del Chopo, Galería de la Facultad de Arquitectura, Galería Misitu azul, Galería Expositum, Museo José Luis Cuevas, Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil, Galería el Espacio, Centro Multimedia, Centro Nacional de las Artes, Casa Frissac Tlalpan, Centro de la Imagen y en el extranjero en espacios como la Sala Nacional de exposiciones del Salvador, San Salvador, Museo de Arte Expo Osaka Japón, Museo de Arte Moderno de Cartagena, Centro Colombo Americano, Colombia, Galería Municipal Hafnarborg Islandia y en el Centro Comunitario Ángeles California EUA.

Para esta exposición agradecemos especialmente el apoyo de: Taco Inn
Ana (Bolena) Berta Fermín, Israel Meza M., Fiona Alejandra Gutiérrez Hernández, Mariana Ximena Gutiérrez Hernández, Fernando Carbajal y José Ramos.

La exposición estuvo abierta del 17 de agosto al 17 de octubre de 2005. Plática con el artista: 7 de septiembre 2005.

sobre la Celda Contemporánea:::Mariana David

2009-03-06T21:30:00.003+10:00

Fronteras
Texto de: Mariana David
(curadora independiente y presidenta de El Palacio Negro A.C. Actualmente dirige el Proyecto Juárez en Ciudad Juárez, Chihuahua, un proyecto de arte público internacional)

Hace años, una profesora de mi colegio presumía que el Distrito Federal era la ciudad del mundo con mayor número de museos, el de la Charrería incluido. En la bulliciosa avenida Izazaga, recuerdo haber visitado sus salas vacías de público y llenas de trajes de charro en vitrinas. Algunos museos son mausoleos que conservan cachivaches, mientras la función de otros es más activa. A unos metros se encuentra el ex convento de Regina Coeli, que hoy alberga el Claustro de Sor Juana, y tuvo hasta hace poco un espacio dedicado al arte contemporáneo. Este recinto merece ser recodado pro la actividad que generó en su interior pese a su corta vida.

La Celda Contemporánea, nave rectangular de techos altos –antaño celda de la ex marquesa de Selva Nevada-, presentó el trabajo de artistas que desde los años setenta contribuyeron al desarrollo de lenguajes conceptuales en el arte local. El proyecto curatorial, iniciado por Sol Henaro en 2003, difundió el pasado artístico inmediato al producir muestras individuales que incluyeron a Alberto Gutiérrez Chong, Sarah Mister, Carlos Aguirre, Germán Venegas, Guillermo Santamarina y Melquíades Herrera. Productores visuales cuyo proceso creativo sirvió como referente para las generaciones recientes.

Ciertamente, La Celda produjo una exposición retrospectiva del célebre dramaturgo y director de teatro Juan José Gurrola, mese antes de su muerte, y promovió la primera revisión de Felipe Ehrenberg, artista conceptual ligado al grupo Fluxus. La muestra se tuvo que cancelar después de que en junio de 2007 Mauricio Marcín, último director de la Celda, se vio forzado a renunciar por presiones administrativas. “Manchuria: Visión periférica” se presentará ahora en el Museo de Arte Moderno.

Lastima que sin justificación cierre sus puertas un lugar que aportó buenas exhibiciones, un centro de documentación, proyectos paralelos como el que “Anaquel vs. exhibidor” y “Entre paréntesis”. Este último programa, alternaba con las revisiones la invitación a artistas de generaciones recientes a presentar un proyecto: “Medios masivos” esculturas de Edgar Orlaineta; Rastreo, video-instalación de Enrique Jezik y Érase una vez un gigante pequeño, instalación de Alejandra de la Puente, entre otros. Sin embargo. Lo más significativo de la Celda fue la labor de investigación realizada para cada muestra de carácter retrospectivo, que de haber continuado podría haber conformado una publicación comprehensiva de figuras clave en la historia reciente del arte mexicano.

Nos despedimos con tristeza de La Celda y yo de ustedes, queridos lectores. Probaremos otros aires por un tiempo, a ver si se respira mejor.

Tomado de “La doble despedida”, Fronteras, artes visuales, Donde Ir, México D.F., febrero 2007. (sobre la desaparecida Celda Contemporánea en el Claustro de Sor Juana)

sobre la Celda Contemporánea:: Edgardo Ganado Kim

2009-03-06T21:23:00.002+10:00

Imagen, Exposición "Rastreo" de Enrique Ježik
Foto: cortesía del artista

La crítica: artes plásticas

La Celda
Texto de Edgardo Ganado Kim
Para Milenio, sección cultura

Muchos son los espacios que se han creado en las últimas fechas para la promoción y la exhibición del arte contemporáneo en la ciudad de México. De entre estos salta a la vista de forma excepcional la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, que es un notable ejemplo de reflexión curatorial en torno al desarrollo del arte en las últimas décadas.
A dos años de su inauguración en la antigua celda de la Marquesa de Selva Nevada, proyectada POR EL AQRUITECTO MANUREL Tolsá, EN EL CONVENTO Concepcionista de Regina, esta galería, observatorio y laboratorio ha tenido una buena repercusión en el medio artístico como un punto en donde las nuevas generaciones pueden conocer algo del proceso genealógico de las artes visuales de los últimos veinte años.

La Celda, dirigida por la joven curadora y promotora Sol Henaro, vino a llenar un hueco que la iniciativa privada ni las instituciones culturales había visualizado, me refiero a poner a discusión el pasado más próximo del arte mexicano.

El desinterés por la historia reciente es una característica de nuestras autoridades. Perro con este proyecto se pusieron en evidencia los caminos de artistas que en su práctica docente y artística han tenido una notable repercusión en la conformación de las gramáticas del arte contemporáneo en México y lo que habíamos dejado de lado. Así, Melquíades Herrera, Carlos Aguirre, Sarah Mister, Enrique Jezik y ahora Guillermo Santamarina, entre otros, han conquistado estos espacios no sólo mostrando obras ya conocidas, sino también creando proyectos ex profeso.

En estos dos años se abrió una puerta que posibilita el conocimiento de variadas maneras de entender el arte que se ha producido en nuestro país, y esto pudo ser posible por la claridad del proyecto que estuvo a cargo de Sol Henaro, quien ahora transmite la estafeta para que otra nueva generación dé su punto de vista en torno a los flujos y maneras en las que se construye lo que llamamos arte contemporáneo.

Celda Contemporánea, San Jerónimo 24, Centro Histórico

Tomado de: Milenio diario, sección cultura. Martes 11 de abril de 2006. P. 42

Sobre la Celda Contemporánea:::Fernando LLanos

2009-03-05T20:52:00.008+10:00

Diseño del cartel: Alejandro Magallanes
Intervalos con alma punk.
Exposición de videos de Sarah Minter/Celda Contemporánea
Texto de Fernando LLanos
Para: Replica21.com

"Las personas debemos el progreso a los insatisfechos".
Aldous Huxley
Ante la terrible amnesia que este país sufre, específicamente en las lagunas mentales por las que flotamos en la no-historia del videoarte mexicano, hay que agradecer la iniciativa de la curadura Sol Henaro por presentar una apuesta tan valiosa como la exhibición Intervalos de Sarah Minter, en la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, uno de los pujantes espacios para el arte contemporáneo en la actualidad.

En un ambiente del arte actual donde la mayoría sólo se regodea entre las ocurrencias de ciertos individuos y/o los incestuosos “autoleogios” grupales, es muy inusual que un espacio se dedique a llenar estos huecos tan grandes, para los que nos interesa el arte en video de este país.
No existe una mediateca de consulta donde se pueda ver que se ha hecho anteriormente en el videoarte mexicano, ni una historia que nos diga quién, que, cuándo y cómo se hizo. Por eso, este pequeño oasis videográfico es una excelente ventana para conocer mucho del trabajo de esta ya madura videoasta.

Personaje clave dentro de este ámbito en México, Sarah Minter ha estado activa tanto en el rubro de la producción como en cuestiones de investigación, difusión y enseñanza. Comenzó a hacer video en los ochentas y fue premiada en diferentes circuitos; después generó junto con otras personas proyectos de difusión como “La sala del deseo” en el Centro de la Imagen. Posteriormente, a principio de los noventas, realizó los primeros talleres de video del país en la Casa del Lago, y a finales de esa misma década levantó, en la escuela “La Esmeralda” del Centro Nacional de las Artes, el Taller de video de donde han egresado muchos artistas que hoy día trabajan con este formato. Actualmente, aparte de seguir desarrollando proyectos como el que nos presenta en esta exposición, también es partícipe de una investigación en red para reconstruir la historia del videoarte mexicano.

Como podemos ver, su carrera constituye un proyecto de varios años trabajando en pro de la cinta magnética audiovisual, y la presente exhibición es una muestra cristalizada que evidencia dichos esfuerzos de dos maneras.

Por un lado se cuenta con una selección retrospectiva de la obra videográfica de Sarah, donde podemos apreciar obras muy conocidas como: Nadie es inocente (1987), Video road (1982, co-realización con Gregorio Rocha) y Alma punk (1991-92).

Aparte de ser fundacionales en la historia del video por los premios que recibieron, se trata de verdaderas joyas dentro de la arqueología videográfica del país. En los ochentas, en la escena del video a nivel mundial había un interés por las temáticas sociales. El hecho de desembarazar al medio de cuestiones formales y confrontarlo con la televisión, desencadenó contenidos que apuntaban a la realidad que les rodeaba. En nuestro territorio Sarah Minter y su entonces pareja Gregorio Rocha, fueron de los principales protagonistas en manejar este perfil. Los trabajos de docu-ficción en colaboración con bandas de zonas marginadas de la gran metrópoli, son un sello característico de videos como Nadie es inocente o Alma punk.

Por el otro lado, tenemos la apuesta más reciente (digamos hecha ex profeso para este espacio) con la que Minter nos plantea la videoinstalación que da nombre a la muestra. Intervalos consta de 16 video-secuencias que funcionan tanto de manera independiente, como en relación a los demás trabajos. Unidades narrativas autónomas que mediante el recorrido del espectador pretenden generar una lectura del todo personalizada, o en sus propias palabras “el espectador se desliza por el espacio, lee en un orden espontáneo y conecta libremente un video con otro. De manera interactiva conecta una secuencia con otra.” Esta apuesta es interesante por el planteamiento de lectura espacial que vincula las unidades monocanales. Intervalos rompe con la costumbre museográfica de presentar todo en una sola pantalla con varias ventanas simultáneas, lo cual limita o ensucia un poco la vivencia de cada trabajo y su conexión con los demás contenidos. En contraste, Sarah nos ofrece una serie de monitores con videos independientes que permiten al visitante moverse y armar su propia lectura, siendo la misma artista y su vida el lazo conductor entre las obras.

Otra cosa que funciona dentro de las piezas es el rigor con el que utiliza sus recursos y experimenta con la manera de construcción en la edición, sobreposiciones con facturas nada pretenciosas, sin grandes efectos visuales, mas bien con un carácter orgánico, haciendo que sus trabajos tengan cierta frescura.

Esta sencillez de recursos formales y de construcción, le da una contundencia al todo, donde contenido y forma son coherentes, en torno a esta postura la autora menciona “No son acciones espectaculares, o dramáticas, son acciones o eventos que representan mi propia pequeñez, mi propia dimensión humana de un ser entre seres”. Estos nodos videográficos, “colección de instantes y/o eventos íntimos y privados, una especie de memoria de la cotidianidad que sigue acumulando instantes” contienen aciertos como el chamánico video titulado Hikuri, en el que la autora viaja al desierto en compañía de su pareja a realizar un viaje bajo los efectos del peyote; el sencillo y contemplativo Autorretrato 1 y el romántico The first bath, a través del cual podemos ver de nuevo a la pareja en la intimidad de un baño de burbujas.

Sólo hay algo que quedó sin resolverse en esta apuesta, y es el típico problema de la contaminación de audios cuando se tienen tantos monitores en un solo espacio. Es interesante poder ver como esta artista del video apuesta a la reinvención después de algunos años de no haber sacado nada al aire. Ojalá este tipo de espacios como La Celda, con este tipo de contenidos, no tengan tantos intervalos en la escena de esta ciudad.

La exposición Intervalos, retrospectiva de Sarah Minter, se encuentra en:
Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana,
en San Jerónimo 24, Centro Histórico, atrás del metro Isabel la Católica.

Permanecerá abierta hasta el 31 de enero 2005, y puede ser visitada de:
lunes a viernes de 10:00 a 18:00 y sábados de 10:00 a 13:30 horas.
Permanecerá cerrada del 19 de diciembre al 4 de enero.
La entrada es libre.

Tomado de: http://www.replica21.com/archivo/articulos/k_l/358_llanos_minter.html

Proyecto: REVISIONES :::Carlos Aguirre:::CC

2009-03-05T10:32:00.006+10:00

Foto de Sol Henaro

Diseño: Ilan Lieberman

Tomado dehttp://busquedas.gruporeforma.com/reforma/Documentos/DocumentoImpresa.aspx
Exposición en Celda Contemporánea

El Ojo Breve / Registro y remisión
Por Cuauhtémoc Medina

(23-Nov-2005).-Carlos Aguirre, "Punto de saturación"/ Ilan Lieberman, "Desperdicio", Celda Contemporánea. Claustro de Sor Juana. Hasta enero 13.

Desde hace un par de años, Carlos Aguirre (Acapulco, 1948) se ha venido ocupando del torrente de ideología de la escena pública y mediática posterior al ataque a las Torres Gemelas, en instalaciones de un corte gráfico, planteadas a partir del despliegue de textos, diseño e imágenes en el muro.

Estas son obras que recogen y entrecruzan discursos provenientes de la publicidad política y comercial, fundadas en una lógica de acumulación, donde el artista recoge la basura verbal que permea los discursos, miedos y deseos públicos, para desplegarla como un ruido impasible. Se trata de mensajes que, anidados en la retórica de George Bush lo mismo que los anuncios de shampoo, atraviesan la vida cotidiana con una terquedad digna de la meteorología.

El medio preferido de Aguirre para fijar este flujo es crear diseños con letras de vinil adheridas al muro, un recurso que combina la baratura con ser en sí mismo un muestreo de los medios usuales de producción del espacio promocional.

Dos de esas instalaciones en vinil marcan los extremos de Punto de saturación. Por un lado, Aguirre ha simulado una grieta más o menos accidentada en el muro a partir de frases de una multitud de fuentes, que refieren a la divinidad o la moralidad para fundamentar prejuicios, terrores y privilegios.

Bajo el amparo de una cita de Nietzsche, "La moralidad es uno de los mejores medios para llevar a la humanidad agarrada de la nariz", Aguirre compila una variopinta acumulación de citas teocráticas contemporáneas, desde el absurdo de la Arquidiócesis de Guadalajara de proclamar que "La homosexualidad no es pecado, siempre que no se practique", hasta declaraciones corporativas tan inconcebibles como "Somos la empresa que dios eligió para comunicarse, TELMEX".

Esta intersección entre el espacio político, escrito y gráfico es un territorio lógico para Aguirre, participante de la experiencia de Los Grupos y de los experimentos de la llamada "neográfica" de los años 70 y 80. Aguirre era uno de los miembros más jóvenes de Proceso Pentágono, y su trabajo sigue entendiendo el espacio político y citadino como un territorio de imágenes y textos.

Aguirre entiende al arte como la sedimentación del "se dice". Situándose en la atalaya de un ilustrado, representa al ámbito público como la caja de resonancia de un dogma ausente. Ciertamente, su posición ante este material no está planteada como metodológicamente indiferente. No sólo es que la selección de frases está definida por una posición "progresista" que es cada vez más difícil hacer efectiva.

Aguirre recoge su material del ágora virtual y lo organiza en términos de iconos compuestos con texto.

Una de las instalaciones en el muro es una ilustración de un cerebro cuyos lóbulos están trazados con slogans de la publicidad mexicana. Muchos de esos textos son evidentemente problemáticos: definiciones mediatizadas sobre el género ("Me niego a ser sólo una cara bonita") o supuestos guiños de complicidad entre comercio y sus sujetos ("Mi primera experiencia fue un conejito").

El dibujo, claro, opera como una expresión de autor, como sucedía, por ejemplo, en las obras de Aguirre de hace una década donde creaba el rostro de un obrero con un collage de guantes de carnaza usados. Si bien la imagen recuerda los esquemas de la frenología del siglo 19, que pretendían localizar "científicamente" en el encéfalo rasgos de personalidad, la obra está definida sobre la noción del siglo 20 de la mente como una tabla rasa sujeta a la manipulación "externa" y el conductismo.

Mención aparte merece la colección de copias de desechos en papel que Ilán Lieberman realizó por un año de estancia en Nueva York. Como si falsificara obras de arte o billetes, reproduce hasta los últimos detalles la suciedad y desgaste de un trozo de un folleto turístico, un billete de lotería o el reverso de una carta de baraja, con una precisión que sólo desenmascara la lente de aumento.

Estos espejismos recuerdan, claro, las copias exactas de fotografías o de piedras de río de la pintora letona-americana Vilja Celmins. La presentación de estos Desechos es tan atinada como discreta: una pequeña vitrina iluminada en una esquina, lado a lado al ejemplar 733 del Semanario de lo insólito que reporta la muestra bajo el título amarillista de "la fotocopiadora humana". Lieberman torna lo banal en único.

Texto originalmente en Reforma, sección cultura.

Proyecto: (Entre paréntesis) Carla Herrera Prats::CC

2009-03-05T10:02:00.010+10:00

Foto cortesía de la artista.
Tomado de http://www.el-universal.com.mx/columnas/61018.html
Exposición en Celda Contemporánea

Artes Visuales
Mónica Mayer
06 de octubre de 2006
Historias oficiales

El día que entendí que la HISTORIA era un material maleable, salpicado de poder, que variaba de acuerdo a quién y cuándo la escribía; pero también a quién y cuándo la leía, me entristecí tanto como al enterarme de que los Reyes Magos eran mis papás.

Ese día perdí la "historia" con mayúsculas, pero encontré las historias y los cuentos.
Con el tiempo me he reconciliado con esta realidad al grado de jugar con ella en la medida de mis posibilidades. Sé que mi labor en estas páginas, a lo largo de los últimos 18 años, ha ido conformando una pequeña historia del arte contemporáneo mexicano y en particular de las mujeres artistas. También sé que si tengo éxito, a la larga lo que escribo pensando ingenuamente que es un pedazo de la realidad que había sido descuidado, probablemente se convertirá en parte de una visión oficial. O por lo menos eso creía.

Hace unos días, cuando visité la exposición Historias oficiales, de Carla Herrera-Prats (ciudad de México, 1973), en la Celda Contemporánea, mi pequeña ficción personal de la historia se reventó. Ahí, ante mis ojos, estaba la prueba de que las fuerzas detrás de la HISTORIA son mucho más poderosas que las voluntades individuales.

El trabajo de Carla Herrera-Prats es -siempre ha sido- devastadoramente directo.

Como una artista conceptual rigurosa, su trabajo descuartiza metódicamente las estructuras de la representación y desmonta los discursos que están tan arraigados en la sociedad que ni siquiera los distinguimos. Ella es capaz de hacernos ver que no somos lo que creemos ser, y hasta los aspectos más profundos de nuestra identidad provienen de formas de representación impuestas por el poder.

En 2001, escribí sobre Mi no boda, la exposición de Herrera-Prats en la que se apropió de las fotos de boda de amigas y parientes y sustituyó digitalmente sus rostros por el suyo. En esa ocasión me fui con la finta de que la joven artista, a manera de cuestionamiento, quizás un poco inocentemente, también jugaba a proyectarse en un rol social que nos han vendido desde tiempos inmemoriales. Después de ver las agresiones que recibió en el libro de visitas en dicha muestra de gente ofendida por haberles roto el mito, y de ir a su reciente exposición en la Celda, me queda claro que Herrera-Prats no es ingenua, y que sus estrategias para descubrir los juegos de poder detrás de la imagen son filosas.

En Historias oficiales, Herrera-Prats se metió con el eje fundamental de la política cultural mexicana de los últimos 90 años, mismo que ha servido para conformar nuestra identidad nacional y el rostro de México ante el mundo: nuestro glorioso pasado indígena. Herrera-Prats rastreó 100 catálogos de exposiciones de arte prehispánico mexicano presentadas en el extranjero, entre 1959 y 2005. Reunió algunos y consiguió la imagen de la portada de otros. También analizó los libros de texto gratuito de primaria de distintas décadas para encontrar sus contenidos de historia prehispánica. Colocó esta información en dos salas separadas, en ambos casos distribuyendo los materiales a lo largo de una línea del tiempo.

El ojo atento descubrirá, entre otras cosas, cómo utiliza el Estado a la cultura y, curiosamente, que entre más esfuerzos hace por presentar un pasado glorioso ante el mundo, menos insiste en que los niños conozcan la historia antigua de su país.

Al salir de la exposición me quedé con la sensación de que algo me faltaba, siempre me ha faltado: era la historia de los últimos cinco siglos de los grupos indígenas, a quienes debemos ese glorioso y manipulado pasado. ¿El poder realmente logró hacerla invisible?

http://www.pintomiraya.com.mx
Texto originalmente en: El Universal.

Ver: http://www.carlaherreraprats.com/pages/official_description.html

Proyecto: (Entre paréntesis) Iker Vicente:::CC

2009-03-05T09:51:00.006+10:00

Diseño del cartel: Alejandro Magallanes.

Texto tomado de http://www.cronica.com.mx/nota.php?idc=169912
Exposición en Celda Contemporánea

Dibujos de Iker Vicente, a la tercera dimensión
Mauricio Marcin

El dibujo puede tener tres dimensiones, al menos eso propone el mexicano Iker Vicente (1975) en su exhibición para la Celda Contemporánea. El artista creo una serie de esculturas móviles que cuelgan del techo y sus sombras se proyectan en las paredes del recinto cuando el visitante pedalea una bicicleta que acciona unos focos, semejando así un antiguo teatro de sombras chinas.
“Las imágenes que se proyectan en las paredes son bidimensionales, pero como son producto del reflejo de los móviles (esculturas creadas con materiales como alambre) que cuelgan, se puede apreciar en las paredes que tienen una tercera dimensión, se ve en las sombras una escala de grises que te permite diferenciar que tienen volumen”, expresó Vicente en entrevista con Crónica.
Una cortina negra indica la entrada misteriosa a Tercera sinfonía tonta. Ya adentro, un cuarto obscuro deja observar tres tenues lámparas rojas. Cada una de ellas alumbra a una de las bicicletas creadas por Iker que el espectador acciona para que las sombras se proyecten en los muros. El visitante entonces va pedaleando y como por arte de magia aparecen las imágenes.
“No sabes que va a suceder cuando comienzas a pedalear, hay un disfrute inmediato”, mencionó a este diario la curadora de la Celda, Sol Henaro.
Una de las intenciones principales de Vicente era explotar la parte lúdica del ser humano, provocar disfrute y arrancar risas, por ello “con recursos mínimos creo una situación de sorpresa, de magia; imágenes que se proyectan para dar esa sensación de poder ver el mundo por primera vez”, en palabras del creador.
La Sinfonía se muestra como una pieza incompleta pues ésta no existe hasta que el espectador acciona las bicicletas, en este sentido el creador exige al visitante un esfuerzo para ver la obra, que como resultado ofrece una imagen, un teatro antiquísimo y espontáneo que remonta a los orígenes de la representación.
“Quería que al visitante le generara algún esfuerzo ver la muestra, que no fuera algo inmediato que llega a contemplar sino que participa en la creación misma de la obra. Además el visitante no observa una imagen inmediata sino que es parte de todo el proceso que permite verla”, explicó el mexicano.
A pesar de lo tecnológico que parezca, los mecanismos que utilizó Vicente comprenden procesos completamente análogos, no hay nada digital.
“Estoy muy interesado en toda la tecnología que se quedó en el olvido con el avance tan rápido que existe. Porque ahora todos utilizan tecnologías muy nuevas (como el video) pero se olvidan que lo de antes también ofrece muchas posibilidades discursivas, en ese sentido mi muestra es una metáfora en contra del progreso”, finalizó.

Originalmente en La Crónica de hoy, sección cultura, viernes 4 de Marzo, 2005.l

Proyecto: REVISIONES ::: Sarah Minter:::CC

2009-03-05T09:48:00.004+10:00

Foto: Sol Henaro

Texto tomado de http://busquedas.gruporeforma.com/reforma/Documentos/DocumentoImpresa.aspx
Exposición en Celda Contemporánea

El Ojo Breve / Trozos dichosos de vida
Por Cuauhtémoc Medina

(19-Ene-2005).-Sarah Minter: Intervalos. Celda Contemporánea, Universidad Claustro de Sor Juana. San Jerónimo 24, Centro Histórico. Hasta el 31 de enero.

Como sugiere su título, Intervalos despliega una serie de momentos separados y discontinuos: trozos de vida de la artista presentados en breves clips de video, expuestos en su mayoría en monitores sobre pedestales, que en conjunto plantean la celebración de una cotidianidad marcada por el hedonismo y la modestia.

Se trata de escenas por demás sencillas, cuadros de la vida de Minter en los dos lados del Atlántico, que aluden a estancias artísticas y relaciones amorosas. En su mayoría son episodios que hubieran encontrado su destino lógico en la instantánea: gráficas de la creadora trabajando en el estudio, durmiendo con un amante y abrazándolo en la tina de baño, además de tomas cándidas de nudistas en Europa.

Tomadas con la cámara en un solo plano-secuencia, las imágenes han sido editadas con el propósito de generar una sensación onírica. La pista sonora, que mezcla sonidos ambientales sintetizados y ruido blanco-clásica sonoridad del videoarte- dota a esos cuadros de esa materialidad que rodea la imprecisión de los recuerdos.

Lo más notable, sin embargo, es que Minter ha editado discretamente sus tomas para alterar su temporalidad. Sus secuencias suelen estar puntuadas por disolvencias, cortes, imágenes sobrepuestas y flashbacks, como para sustraerlas del "tiempo real".

Al menos en un caso, Minter utiliza también algunos efectos especiales: vibraciones en la superficie del video que lo asemejan al reflejo de un estanque, ondulando como una materia sensible.

Recursos todos que el espectador sólo registra si se lo propone, pues guardan una inmediata relación con los mecanismos que la televisión y el cine nos han inducido a percibir como parte de la retórica de "lo real", aunque son suficientes para que Minter ponga distancia frente al uso del video directo como forma de la documentación.

El conjunto ofrece un autorretrato sorprendentemente idílico, una sosegada apología de la libertad individual, que liga arte, erotismo y drogas como parte de un mismo desenfado. Es raro ver en el arte local una muestra tan optimista y libre de dramatismo o cinismo.

Estos fragmentos son presentados sin ninguna ínfula de "gran arte". Pretenden ser sólo trozos dichosos de vida, realzados por el placer más que por ser extraordinarios. En otras palabras, Sarah Minter ofrece la visión de una modesta arcadia.

Minter despliega una imagen de plenitud con una actitud de absoluta sencillez: las mismas relaciones amorosas aparecen despojadas de inuendos y conflictos, como si fueran sólo la extensión del reposo de dos cuerpos, donde el sexo en lugar del arrebato o la excitación es tan sólo una extensión de la caricia.

Al evadir cualquier nota de confesión y sujetarse a un cierto estilo documental (rehusándose, por ejemplo, a introducir ninguna narrativa verbal por encima de las imágenes, moderando las tomas subjetivas y presentando la cámara mas bien como una especie de espejo de los personajes), Minter consigue evitar cualquier peligro de afectación.

Esto es especialmente notable en Hikuri (2004), a pesar de que el video de cinco minutos relata un viaje de peyote en la zona tarahumara. Rito más personal que religioso, despojado ya de toda retórica psicodélica, el filme tiene su punto culminante en una escena donde la artista y su acompañante miran alucinados al objetivo de la cámara, confirmando la función del video como una especie de espejo a la mano.

Este anecdotario personal será un tanto sorpresivo para quienes conocen la trayectoria de Minter, una de las referencias obligadas del videoarte en México por casi un cuarto de siglo.

El tono intimista y reservado de Intervalos contrasta especialmente con las notables ficciones/documentales urbanos que Minter producía hace 15 años, en particular dos historias en largometraje -Nadie es inocente (1987) y Alma punk (1991-1992)- hechas en colaboración con jóvenes punks de la Ciudad de México que actuaban el drama de sus propias vidas.

En retrospectiva, esos docu/ficciones de Minter no sólo testimonian a las subculturas mexicanas de los 80, sino ese raro momento de complicidad cultural interclasista que dejó tras de sí el terremoto de 1985. Esperanzas que cifraba el término por demás prostituido de "solidaridad", que se evaporaron por la modernización neoliberal, la debacle social de los 90 y la autodestrucción de la izquierda.

Sin embargo, la transformación del trabajo de Minter es también sintomática de un desplazamiento en el uso social del medio. Comercializado como herramienta de lo íntimo -medio de registro del culto familiar, la autoafirmación del turismo y la publicidad de los placeres íntimos-, el video no es necesariamente un arte que interpele el mecanismo del cine o la televisión.

A medida que la miniaturización persigue la utopía mercantil de absoluta portabilidad, el video se muestra como un medio lírico, quizás el único arte inclinado a la expresión sentimental en la postmodernidad.

Esta no es una característica desdeñable, porque socialmente el video ha venido a sustituir en gran medida a la fotografía como nuestro principal mecanismo de provisión de lo ilusorio.

Al fusionar la función confesional del diario, la facilidad de la instantánea y el poder encantatorio del cinematógrafo, el video se presta admirablemente a ofrecer breves ensoñaciones envueltas en una retórica de inmediatez.

Originalmente en Reforma, sección cultura.

Frei Von jedem Schaden, Guillermo Santamarina:::CC

2009-03-05T09:21:00.007+10:00

Diseño del cartel: Alejandro Magallanes
Fotos, Sol Henaro

Tomado de http://busquedas.gruporeforma.com/reforma/Documentos/DocumentoImpresa.aspx
Exposición en Celda Contemporánea

El Ojo Breve / Elegancia destructiva
Por Cuauhtémoc Medina

(26-Abr-2006).- Guillermo Santamarina, "Frei Von jedem Schaden!", Celda Contemporánea, Universidad del Claustro de Sor Juana, San Jerónimo 24, Centro histórico, lunes a viernes 10 a 18 hrs, Sábados 10 a 13:30.

Sobre una pared de más de 20 metros, Guillermo Santamarina ha hecho una alegoría de la transitoriedad musical. Arrojando discos de acetato sobre un muro de tablarroca con suficiente fuerza para que logren hendirlo y clavarse, enfrenta al espectador con el shock de la deliberada destrucción de un acervo musical. Entre los fragmentos inutilizados en la pared de esta instalación titulada Libre de todo daño (2006), uno descubre con cierto horror discos que pudieran ser de culto: la primera grabación de Prince, un disco de Cri-cri con diseño psicodélico, antiguos registros de boleros y música de cine.

Es como si Santamarina quisiera hacernos atender el último acto de una memoria de entusiasmo, cifrada en la eliminación de la ilusión que algún día esta masa de discos obsoletos albergaron. Obras destruidas en referencia a un proyecto de individualidad purificada: no es casual que entre varias de las imágenes de la exhibición nos enfrente irónicamente con el ideal clásico de la escultura del Discóbolos. Basta ver el video que documenta la producción de su instalación, que retrata al curador lanzando discos sin pasión ni exceso, mirando sus etiquetas para comprobar lo que está a punto de estrellar contra el muro, para entender que el propósito de Santamarina ha sido poner en práctica una especie de elegancia destructiva.

El tema ostensible de la exhibición es la noción de la cultura como una falsedad que, sin embargo, es capaz de capturar efímeramente el deseo y la energía, y la sugerencia de negatividad y novedad. Junto a esa instalación, Santamarina ha colocado un escritorio con la palabra "Neu" ("nuevo" en alemán) y dos manzanas abandonadas (Power, corruption and lies, 2006), y lo acompaña de una serie de aparentes pinturas con discos negros de contornos vagos, aludiendo a la música en acetato.

Santamarina no ha sido uno más de los curadores que hemos operado en México en las últimas dos décadas. Su especial sensibilidad por lo tentativo y lo posible lo ha hecho importante en detectar, primero que nadie, a artistas que, en parte por su intervención, lograron definir un trayecto. Guillermo ha sido un catalizador de energía y deseos.

En la imaginación popular, los críticos y curadores de arte, en tanto negocian su protagonismo con el del artista, sólo pueden ser artistas frustrados: desplazados por sus contemporáneos más talentosos, se les suele imaginar como pintores de domingo que, como Clement Greenberg, practican en privado el género de arte anacrónico que condenan o excluyen en público. Reducidos a dejar trazos pseudoabstractos en el papel durante sus juntas de trabajo, estos artistas fallidos parecen destinados a transmutar su propio desprecio en agresión para con los creadores verdaderos.

Otro modelo, el del curador como amateur militante e intempestivo, tiene el rol de ofrecernos una obra, una idea o un artista con la misma pasión, ligereza, inmediatez y, si se quiere, inconstancia, con que la que alguien nos sienta en la recámara para ponernos un disco esotérico recién adquirido. Hablamos aquí del curador como una especie doméstica del disc jockey, que a pesar de montar exhibiciones públicas intercambia información y gustos. En lugar de programar música desde un pedestal y en la oscuridad, nos habla al oído y pone el acetato mostrándonos la etiqueta. Este curador no teme cambiar de roles para cantarnos un karaoke u ofrecernos una parodia impromptu de lo escuchado. Ese conocedor que es al mismo tiempo vendedor que músico ocasional, ese curador que entiende la curaduría como una especie de generosidad ríspida, ese es Guillermo Santamarina. Es este rol el que encuentra un momento de reflexión en su exhibición.

La intervención de Santamarina es un intento por fijar una actitud de renuencia cultural, que entiende la creatividad como un espacio fluido y perpetuamente renovado, un terreno de sublime sustitución, renovación y destrucción. Como el título de la muestra sugiere, es un terreno que nos permite inmunidad, en la medida en que no quedamos atrapados en sus mitos.

Texto originalmente en: Reforma, sección cultura

seminario gratuito

2009-03-04T01:40:00.008+10:00

ABSORCIÓN Y RESISTENCIA: RETÓRICAS IDENTITARIAS Y MARCOS DE VISIBILIDAD
Esta propuesta de seminario tiene dos objetivos relacionados entre sí. Por un lado reexaminar algunas estrategias discursivas y expositivas en torno a las prácticas artísticas y de la representación sexual minoritarias de la década de los noventa en el Estado español. Por el otro, evidenciar la tensión existente entre marcos de visibilidad que diluyen el potencial político de dichas prácticas, y aquellos que buscan repolitizarlas, promoviendo la irrupción de subjetividades críticas.

La primera de las sesiones tratará de reexaminar algunos prácticas curatoriales concretas, que evidencian posibles tensiones entre discursos y prácticas expositivas. En especial, nos interesa enfatizar la aparición en el Estado español de la noción queer y revisar críticamente su nuevo significado. La segunda, abordará marcos y estrategias de visibilidad alternativos que se constituyen como espacios de resistencia y que nos permitirán trazar nuevas genealogías de la producción artística y discursiva estatal.

Lunes, 30 de marzo, de 18 a 21 h
Retórica(s) identitaria(s) gay, teoría queer y horizonte hegemónico
Participantes: Juan Vicente Aliaga, Xabier Arakistain y Manel Clot

Martes, 31 de marzo, de 18 a 21 h
Dentro o fuera: batalla y fricciones entre marcos de visibilidad
Participantes: Miguel Benlloch, Cabello/Carceller y Pripublikarrak

Investigación a cargo de Aimar Arriola, Maribel Escobar, Sol Henaro, Emma Herbin, Nuria Rodriguez, Antonio Gagliano, Nancy Garín. Taller dirigido por Beatriz Preciado.

Al largo de los dos años de cada edición del Programa de Estudios Independientes, los alumnos participan en un taller monográfico que articula la continuidad de las diversas materias de forma práctica. El taller de la segunda edición del PEI, El arte después de los feminismos, constituye un espacio de documentación, análisis y reflexión en torno a las implicaciones de las recientes teorías feministas y queer en el ámbito de las prácticas artísticas. Se concibe como la creación de un espacio público donde se visibilizan los lenguajes y las representaciones alrededor de la crítica feminista y de los movimientos de liberación sexual que emergen a partir de los años sesenta en el Estado español. Este trabajo surge de la conciencia de que la politización del arte no puede implicar la esencialización de un «género» político para el arte: de modo análogo, el ámbito de las prácticas artísticas es el que se ve interpelado y cuestionado por las aportaciones de las teorías feministas y queer. Esta será, por tanto, una ocasión de reconsiderar el papel de la crítica institucional, pedagógica y expositiva, el lugar y la problemática política de la identidad, y los cuerpos y las formas de subjetivación en el arte.

Ver:http://www.macba.cat/controller.php?p_action=show_page&pagina_id=33&inst_id=25778

La REEEEEED en acción!!

2009-03-03T02:30:00.004+10:00

Imagen tomada de: www.museoreinasofia.es/museoreinasofia/live/educacion1/cursoslecciones/conferencias/red-conceptualismos.html
Conferencias Red Conceptualismos del Sur:
Reactivaciones Poéticas Políticas

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Madrid, 9 y 11 de marzo de 2009

LA RED
La Red Conceptualismos del Sur se origina a fines de 2007, cuando un núcleo de investigadores latinoamericanos (que venimos trabajando en los últimos años –en forma coincidente pero aislada– en torno a experiencias que conjugaron radicalmente las dimensiones poética y política, ocurridas desde los años sesenta en adelante en distintos puntos del continente) decidimos fundar una plataforma de trabajo, pensamiento y toma de posición colectivos. Nos mueve la urgencia ante lo que consideramos señales evidentes de una tendencia fetichizadora y desactivadora del potencial crítico de esas experiencias. La Red está actualmente conformada por artistas, curadores, historiadores e investigadores de otras disciplinas, de México, Perú, Ecuador, Chile, Argentina, Uruguay, Brasil, Colombia y España.

Las conferencias serán los días lunes 9 y miércoles 11 de marzo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Mesa 1: “Poéticas/políticas en los 60s/70s: el archivo y la producción de memoria de la experiencia”
Fecha: Lunes 9 de marzo, 18:00 hs.
Moderación: Jesús Carrillo
Ponentes:
- William López. “Militancias artísticas y compromisos poéticos: las alternativas políticas de la acción plástica setentista en Colombia”
- Soledad Novoa. “Memoria(s) sensibles(s)”
- Joaquín Barriendos. “Geopolítica del Arte Global: hacia una lectura transmoderna del sistema-mundo moderno/colonial del arte contemporáneo”
- Suely Rolnik. "Desentrañando futuros"

Mesa 2: “Más allá del conceptualismo: cartografías descentradas y otras políticas de investigación”
Fecha: Miércoles 11 de marzo, 18:00 hs
Moderación: Teresa Velásquez
Ponentes:
- Helena Chávez. “La relación estética entre arte y política”
- Fernando Davis. "Desamarres tácticos”
- Jaime Vindel. “Sobre algunas hipotecas historiográficas”
- Miguel López. "Robar la historia, traicionar el arte conceptual"
- Ana Longoni. “Artista mendigo / artista turista: migraciones descentradas"

Pensamos la red como un proyecto político -de reelaboración y cuestionamiento permanente-, antes que un mero dispositivo de elaboración histórica. No nos interesa contar la historia, contarla bien, contarla completa, sino hacer evidente la imposibilidad misma del relato. Devolver su conflictividad y resturar sus contradicciones, yendo hacia eso irresoluble que no se deja eliminar, reflotando el desajuste ya eficazmente erosionado para el consumo academicista e industrial de la cultura. Se trata precisamente de preguntarnos cómo preparar hoy futuros radicalmente distintos. Nuestra labor es precisamente incitadora, de contagio, de complicidad, de movilización, y al mismo tiempo de abierta pelea por nuevos modos de imaginar la política y la politicidad del pensamiento.
[Miguel López en http://arte-nuevo.blogspot.com/2009/02/red-conceptualismos-del-sur-revista.html]

Cómplices italianas

2009-03-03T02:18:00.005+10:00

De mi breve incursión en el mercado del arte -en Italia- durante el 2007/2008.

Ida Pisani y Cristina Rota
Prometeogallery di Ida Pisani
Milan / Lucca, Italia

Bienal de Sao Paolo (Catalina Vaughan)

2009-01-15T20:23:00.002+10:00

lo que el vacío se llevó
In txt on Enero 14, 2009 at 6:00 am
Tomado de: http://catalinavaughan.wordpress.com

De la última Bienal de Sao Paulo tenía la imagen del enorme y vacío segundo piso, los muebles precarios de Gabriel Sierra enmarcando las obras, y los pixadores (graffiteros) dejando su huella en las blancas e inmaculadas paredes. También había leído que después de cerrarse la Bienal sólo se había escrito un artículo crítico sobre tan polémica exposición (los pixadores arrasaron en los medios, pero de las obras y la curaduría nadie decía nada…).

Lo que por estos lares muchos no sabiamos era que una pixadora (Carolina Pivetta) había permanecido en la carcel cerca de dos meses luego de haberse entregado a las autoridades la misma noche de los hechos para reivindicar el gesto, pensando seguramente que el asunto se resolvería en un par de días…

Como no fue así (…la Bienal levantó cargos) la situación se fue desmadrando e hizo que todos los planteamientos sobre el vacío, la bienal como archivo, la crítica y autocrítica, pasaran a un sexto plano y para rematar, que los medios, la opinión pública y el mundo del arte local se fueran en contra de la Bienal (”Ana Paula, va a tocar hacer algo para sacar a esa chica de la cárcel, ya no puedo salir a la calle o asistir a una inauguración sin que pongan ese bendito tema… nos están comiendo vivos!”)

Obviamente el tema policial fue capitalizado por los medios y pasados casi cincuenta días de iniciado el asunto, los curadores decidieron manifestarse públicamente (para nadie es un secreto que es parte del ritual curatorial invitar al debate y, en lo posible, no participar)

Más allá de volver el asunto un culebrón de bad & goodboys, es interesante leer el comunicado de los curadores, donde resaltan el carácter violento de la incursión, la convocatoria a destruir todas las obras (no aparece en dicha convocatoria semejante objetivo) y culpar del castigo otorgado a Pivetta a una filigrana jurídica de la justicia brasileña y a los mismos graffiteros (¿si consideraban que el castigo era duro e innecesario por qué la Bienal no retiró los cargos que llevaron a Carolina Pivetta a la cárcel?)

También es importante resaltar (va con negrillas en el texto) lo difícil que resulta para esta y otras grandes exposiciones reaccionar ante las críticas y/o las situaciones imprevistas. Se nota en el manejo que le dieron al asunto, en el que no ayudó para nada su gran silencio (que sólo se rompe cuando tienen a la opinión pública y el medio artístico en contra). No son muy afortunadas sus justificaciones, donde culpan al grupo por destructivo, por su modo de operar sigiloso y nocturno y por agredir físicamente a las personas presentes esa noche (¿hacer una graffiti en una pared es destruir el patrimonio?, ¿han debido avisar a seguridad y llegar de día?, ¿podían correr sin tocar a nadie?)

Seguramente para Ivo Mesquita y Ana Paula Cohen el asunto de los pixadores los irritaba hasta la médula (”qué debate tan sensacionalista y apasionado!”) pero proponer una Bienal vacía con una serie de debates y espacios muy estructurados que no dan cabida a imprevistos como este, no habla sino del blindaje de este tipo de eventos ante cualquier crítica o situación inesperada, venga de donde venga (y hace que dichos sucesos se lleven toda la atención, más aún si los curadores quedan paralizados ante el desacuerdo y aquello que no está en el libreto)

No se trataba de que el anunciado seminario teórico fuese reemplazado por uno de arte y graffitti (como lo señalan con alguna pedantería en su comunicado) pero dada la situación, abrir un espacio para reflexionar sobre lo sucedido era más que necesario.

Bueno, los dejo con el comunicado publicado originalmente en Fohla de Sao Paulo el pasado 18 de diciembre (dos días después liberaron a la pixadora…)

Caso Carolina Pivetta: algunas cuestiones no consideradas

Con el fin de abrir las perspectivas en el debate, sensacionalista y apasionado, creado por la prensa en relación con la 28 ª Bienal de Sao Paulo y la detención de Carolina Pivetta Motta, 24 años, nosotros, los curadores del evento, quisiéramos señalar algunas consideraciones y preguntas que parecen pertinentes en el tema.

En primer lugar, no debemos olvidar que, a diferencia del funcionamiento nocturno y silencioso peculiar de los pichadores (graffiteros) en la Bienal, éste está lejos de ser pacífico y estético: 40 jóvenes invaden el pabellón de la Bienal, tumbando todo, agrediendo las personas físicamente, como parte de la convocatoria por Internet de su líder Rafael Augustaitz, donde los invita a graffitear y destruir todas las obras.

Es más un gesto peculiar de este grupo destructivo, que desde la invasión en la galería de la Universidad de Bellas Artes y la Cultura de choque, utiliza el graffitti como medio para dañar el trabajo de otros artistas.

Será que no se dan cuenta del autoritarismo de este gesto y que implica una forma de censurar a los demás? No es preocupante ver que la táctica de un ex estudiante de arte es hacer que la censura a la obra de otros artistas se convierta en un espectáculo mediático? Sí, porque a la prensa y a los canales de Internet, se les dijo tres horas antes del ataque a la Bienal para que estuviesen pendientes del show!

Por consiguiente, no es un vacío o una respuesta “en vivo contacto” a partir de una curaduría que nunca supuso el uso de la violencia.

No se trató tampoco del pegar stickers, hacer barcos de papel o tocar música en el segundo piso del pabellón - como ocurrió durante el espectáculo - durante este acto de vandalismo agresivo y autoritario.

Además, como curadores y ciudadanos republicanos, estamos de acuerdo en que el castigo a Carolina es duro e inadecuado. Igualmente, lamentamos su explotación por parte de algunos medios de comunicación.

Mentor de las invasiones

Nos preguntamos ¿dónde estará el mentor intelectual de un ataque de ese tipo, el ex estudiante de la Universidad de Bellas Artes, que presenta su nombre y apellido como autor de las tres invasiones, y que abandonó el pabellón de la Bienal y promete seguir graffiteando otros museos en Sao Paulo?

En el desafortunado caso de Carolina, debemos, sin embargo, reconocer que su estado es hoy más un resultado de filigrana jurídica, originada a partir de una interpretación estricta de la ley. Pero no es esta una característica de la Justicia de Brasil, y de la desigualdad en su aplicación?

No hay una filigrana jurídica que mantiene a delincuentes convictos que viven en libertad sin haber cumplido sus condenas? De este modo, cuando hablamos de instituciones en Brasil, parece que el problema no es sólo de las instituciones culturales o la Bienal de Sao Paulo.

Se percibe también un vaciamiento de la justicia, la educación, la salud. O de las políticas públicas de vivienda y su relación con el hecho de que Carolina fue detenida por la falta de una prueba de domicilio. Contradictoriamente, el Estado no garantiza una casa, como se refleja en la ley que mantiene en la cárcel a los que no pueden demostrar que la tienen!

Si Carolina tuviese una prueba de residencia, otra sería la cuestión de la acusada del crimen y posiblemente quedaría en libertad. El Parque Ibirapuera -donde se encuentra la sede de la Bienal- es un área de preservación del medio ambiente y el Pabellón de la Bienal es un monumento histórico. Es contra ellos que las investigaciones convirtieron en chivo expiatorio ante la ley.

Derrocamiento

Desde 2003, es muy difícil para cualquier curaduría hacer frente a las nuevas leyes para intervenir el edificio, lo que ha impedido la realización de varios proyectos de los artistas y la obligación a todas las partes a un proceso de amplias y prolongadas negociaciones. Transgredir una ley implica un riesgo. También puede ser oportuna una discusión sobre esta legislación, que en última instancia, terminará por volver inadecuada la sede de la bienal para la naturaleza y el carácter de laboratorio experimental de las prácticas artísticas contemporáneas, porque es muy poco flexible para las intervenciones que se pueden hacer al edificio.

Si el interés era la 28 ª Bienal fuese el de crear un espectáculo mediático y un discurso demagógico y populista - que, a nuestro juicio, sería poco eficaz y no transformaría el la situación en que vivimos - ciertamente se podría haber utilizado lo ocurrido el día 26 de octubre para cambiar todo el debate propuesto por el proyecto original de la 28a Bienal, y centrarse en examinar la relación entre el graffiti y el arte, el arte contemporáneo, la educación y la inclusión, la cultura urbana y la cuestión centro-periferia en Sao Paulo, entre otros temas.

Podríamos haber invitado a los invasores a entrar en la discusión, a pintar más graffittis en las paredes de la bienal, entre otras acciones populistas e instrumentalizadoras. Nuestra opción era y sigue siendo no hacer uso de lo ocurrido, y mucho menos el injusto encarcelamiento de Caroline, como una forma de promover la plataforma política personal, demagógica y oportunista.

Parece también interesante señalar que mientras el medio artístico, instigado por una falsa polémica, quiere culpar al “vacío”, a la Fundación o a la curaduría de la 28a Bienal de Sao Paulo, por la detención de Carolina.

Graffiterán, como sucedió el pasado 5 de diciembre, la casa de un ex alcalde, acusado de numerosos crímenes, la siguiente frase: “La cárcel es solo para los pobres… Libertad a Carolina. Susto’s.”

Ivos Mesquita

Ana Paula Cohen

Bienal de Sao Paulo

street art en nápoles

2009-01-13T21:34:00.002+10:00

Sobre el agricultor y el trabajo inmaterial:

2009-01-10T03:42:00.002+10:00

[...]

El agricultor siempre necesitó poner en juego los conocimientos, la inteligencia y la innovación característicos del trabajo inmaterial. Ciertamente el trabajo agrícola es agotador: hay que inclinarse mucho para labrar la tierra, como no ignora quien haya trabajado alguna vez en los campos. Pero la agricultura también es una ciencia. Todo campesino es un químico que sabe asignar los cultivos idóneos según la composición del suelo, y que transforma los frutos y la leche en vino y quesos. Es también un biólogo conocedor de la genética, que selecciona las mejores semillas para mejorar las variedades cultivables, y un meteorólogo que interpreta los fenómenos del cielo. El agricultor necesita conocer la tierra y colaborar con ella, respetando sus ritmos. En la determinación de las mejores fechas para la siembre o la recolección intervienen cálculos complejos. No estamos ante unos actos espontáneos o intuitivos, ni ante la repetición rutinaria de lo hecho en el pasado. Se trata de decisiones basadas en conocimientos tradicionales puestos en relación con la observación de las condiciones presentes, y renovadas constantemente por obra de la inteligencia y de la experimentación. (De manera similar, el campesino debe ser también un experto financiero que sepa leer las incesantes fluctuaciones de los mercados para determinar la óptima comercialización de sus productos.) Este tipo de ciencia abierta, característica de la agricultura, que además necesita tener en cuenta los cambios impredecibles de la naturaleza, sugiere el tipo de conocimiento esencial para el trabajo inmaterial mejor que las ciencias mecanicistas del mundo fabril

[...]
Negri, Antoni y Hardt, Michael. Multitud. Guerra y democracia en la era del imperio. Ed. DeBOLS¡LLO: enero, 2006, Barcelona.

Ci vediamo Italia… proyectos arte contemporáneo

2008-09-14T22:12:00.008+10:00

Ci vediamo Italia…
Sol Henaro

En la víspera por dejar el territorio italiano comparto un recuento general de mis impresiones sobre la producción contemporánea en algunas de sus ciudades. Obviamente el resultado es parcial y claro, es una visión personal ultra resumida sobre lo que viví durante dos años y medio. No incluyo los nombres de todos los proyectos y espacios visitados sino únicamente aquellos que considero destacables por diversas razones.

…

Como cualquier otro país, Italia implica muchas Italias, se acentúan particularidades según la región aludida, según el submundo en el que nos echemos un clavado. En el caso de la región Toscana –una de las principales metas para el turismo cultural histórico- son pocos los espacios o proyectos sólidos que generan y defienden la producción artística contemporánea debido al peso que les significa el pasado artístico, la historia del arte medular (léase la producción etrusca, romana y principalmente, El Renacimiento). Estos periodos artísticos absorben la mayoría de las energías –y de los presupuestos- tanto de los individuos como de las instituciones. Si bien existen algunos esfuerzos tanto públicos como privados para activar la producción y difusión contemporánea en la región, no termina de cohesionarse un circuito propositivo constante. A pesar de que en Florencia, Prato y Bologna (esta última capital de la Región Emilia Romagna pero muy cercana a Florencia) existen algunos espacios volcados al arte contemporáneo, son el Palazzo della Papesse en Siena y la Galleria Continua en San Giminiano los dos espacios que de manera sistemática, profesional y propositiva procuran una agenda que vale la pena seguir. Algunos otros espacios que inciden en la escena son Prometeogallery en la sede de Lucca (y en su sede en Milano) o el Museo Pecci en Prato pero la ambigua perioricidad de programación -y a veces de calidad- de sus proyectos produce cierto desconcierto. De raiting oscilatorio.

Más allá del paisaje toscano se encuentran dispersos en distintos puntos de Italia proyectos sumamente interesantes que en resistencia al sistema imperante –en general pasivo, de mucho mainstream y pocas nueces- han generado sus propios espacios y modos de operar como C/O careof (Milano), Viafarini (Milano), Isola ArtCenter (Milano) o Nosadella.due (Bologna), iniciativas que favorecen redes colaborativas, de información y de producción. Éstos son gestionados por profesionales en su mayoría jóvenes que luchan por depurar el anquilosado sistema en el cual, los “buenos puestos o buenos cargos” los ocupan gente cercana a la denominada tercera edad. En Italia, no lo digo yo, se sabe, muchos de los cargos claves en distintos nódulos de poder son ocupados principalmente por gente de edad avanzada mientras que a las generaciones recientes, se les suele obstaculizar el proceso de profesionalización; de hecho muchos jóvenes emigran en busca de oportundiades para desarrollarse profesionalmente. Tal vez por ello el caso del curador Massimiliano Gioni sea tan conocido y esperanzador entre las nuevas generaciones de curadores ya que cuenta con una trayectoria poco común para la realidad media italiana. Su cargo más reciente es el de curador del recién inaugurado New Museum en Nueva York.

Un espacio que está estrenando nueva arquitectura y que promete dinamizar a partir de sus proytectos es el MUSEION en la ciudad de Bolzano, que junto con Trieste, estan ahora mismo siendo sede de MANIFESTA.

En Torino además de tener la feria de arte contemporáneo más importante de Italia seguida por la de Bologna (Artissima y ArteFiera respectivamente), cuenta con dos proyectos maduros que han captado atención internacional desde hace años: Castello di Rivoli y la Fondazione Sandretto Re Rabaudengo. Esta última arrancó el año pasado un programa de residencias curatoriales por invitación y en cuya primera edición participó la curadora mexicana Jimena Acosta. Francesco Bonami -quien fué director artístico de la 50a Bienal de Venecia- es el director artístico de ésta fundación y de otro lugar en las cercanías de Venecia: Villa Manin Centro d’arte contemporanea (Codropio).

Estos comentarios compartidos son resultado de una suerte de exploración durante varios meses. Seguramente no vi todos los proyectos de cada ciudad visitada, siempre se escapan algunos, a veces por su particularidad se escapan aquellos más propositivos, marginales y de resistencia. Me gusta pensar que los hay, que los habrá y que aún puedo conocerlos.

Extrañaré la comida.

Links para agilizar la curiosidad:
http://www.undo.net
http://www.exibart.com

http://www.fondsrr.org
http://www.villamanincontemporanea.it
http://www.viafarini.org
www.castellodirivoli.org
www.isolartcenter.org
www.museion.it
www.manifesta.org
ww.galleriacontinua.com
www.prometeogallery.com
www.papesse.org
www.nosadelladue.com

Beatriz Preciado con Alejandro Jodorowsky

2008-06-13T16:26:00.004+10:00

Recientemente -en abril 2008- tuve la oportunidad de tomar un seminario impartido por Beatriz Preciado: “El arte tras los feminismos” en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, MACBA. Durante el seminario Beatriz expuso cómo se ha conformado la teoría Queer, la biopolítica y la producción de subjetividades. Su libro Manifiesto contra-sexual (2002) se ha convertido en una referencia de la teoría queer contemporánea. En esta entrevista expone de manera general algunas de sus principales preocupaciones... Y entrevistada por Jodorowsky es simplemente, una joya.

Empatía con las palabras de Isabel Lorey

2008-06-05T22:34:00.008+10:00

¿UNA TRISTE IDENTIFICACIÓN?

Comparto aqui algunos fragmentos que he tomado de un texto de Isabel Lorey, Gubernamentalidad y precarización de sí. Sobre la normalización de los productores y productoras culturales. BRUMARIA 7, en Arte, Máquina, Trabajo inmaterial. Diciembre 2006, Madrid.
Número editado por Marcelo Expósito.

.................................................................................................
Algunos de nosotros y de nosotras, productores y productoras culturales, ni siquiera consideramos la idea de un empleo fijo en una institución. Como mucho por unos pocos años, después queremos algo diferente. ¿No ha sido siempre nuestra idea la de no vernos forzados o forzadas a una sola dedicación, a la definición clásica de empleo que ignora tantísimas cosas? ¿No se trataba de no venderse, de no vernos compelidos o compelidas a renunciar a las muchas actividades que tanto nos apetecen? ¿No era tan importante el no adaptarse a las limitaciones de una institución, ahorrar el tiempo y la energía necesarios para los proyectos creativos y quizá políticos que realmente nos interesan? ¿Acaso no aceptamos de buen grado un trabajo más o menos bien pagado que, sin embargo, abandonamos cuando sentimos que ya no nos viene bien? Al menos nos habrá dado un poco de dinero que nos sirva para llevar adelante un próximo proyecto con más sentido, seguramente peor pagado, pero más satisfactorio.

[...]

Es sorprendente que no haya estudios empíricos y sistemáticos sobre esta situación. Sabemos sin embargo que existen una serie de parámetros comunes que caracterizan a los productores y productoras culturales. Se trata de individuos instruidos o muy instruidos, por lo general entre veinticinco y cuarenta años de edad, sin hijos o hijas, en situación de empleo precario de forma más o menos intencionada. Persiguen trabajos temporales, viven sobre proyectos y persiguen tener contratos de trabajo con varios clientes al mismo tiempo o uno tras otro, por lo general sin seguro de enfermedad, vacaciones pagadas ni subsidio de desempleo; sus empleos no les cubren la seguridad social y por tanto no gozan de ninguna o sólo de una mínima protección social. La semana de cuarenta horas de trabajo es una ilusión. El tiempo de trabajo y el tiempo libre no tienen fronteras definidas. El trabajo y el ocio ya no se pueden separar. Invierten el tiempo de trabajo no remunerado en acumular una gran cantidad de saber por el que no se les paga, pero que de forma natural se exige y se utiliza en las situaciones de trabajo remunerado.

[...]

Todo el mundo tiene que seguir “a toda velocidad”; si no lo haces te quedas en la cuneta. No hay tiempos claros para relajarse o recuperarse. Este tipo de reproducción no tiene un lugar determinado, lo cual redunda en el anhelo, imposible de satisfacer, de un lugar estable y, por lo mismo, en el sufrimiento por su carencia. El deseo de relajar el ritmo para “encontrarse” se torna insaciable.

...............................................................................................

Ideas para reflexionar y sobre todo, para provocar en uno mismo acción.

Para leer el texto completo on line:

http://brumaria.net/textos/Brumaria7/17isabelllorey.htm

generales sobre santiago sierra

2008-03-14T21:09:00.009+10:00

LA TRAMPA. Matucana 100, Santiago de Chile. Diciembre de 2007
www.m100.cl

Santiago Sierra (1966 Madrid, España) es un observador de las diversas realidades que coexisten -mucha veces de manera penosa- en las sociedades contemporáneas. Si bien es cierto que el artista produjo muchas de las obras hoy claves dentro de su producción durante los 12 años en los que radicó en la Ciudad de México, su obra no esta delimitada a un contexto especifico, a un sentido de nacionalidad o procedencia geográfica. Sierra indica a través de su obra fragmentos de realidades que en la actualidad mediática suelen consumirse desde la indiferencia, como una noticia en la que a veces no se repara suficientemente a pesar de la gravedad o trascendencia de las mismas. Hacer visibles estructuras endebles, señalar los ejercicios de poder y las dinámicas de opresor-oprimido en las estructuras que componen a una sociedad -cualquiera que sea ésta-, son aspectos que señala con un afán conscientemente reiterativo para hablar una y otra vez de lo que acontece en el mundo.

La importancia del valor de cambio es una constante de su trabajo, interés presente en algunas de las obras que podemos denominar como clásicas dentro de su producción: la remuneración que un individuo acepta para llevar acabo determinada actividad o instrucción dada por el artista. Hombres o mujeres que han aceptado ser tatuados o rapados, que han aceptado masturbarse frente a una cámara, que han permanecido dentro de cajas o han estado escondidos en una calle por horas, atrapados detrás de un muro inclinado o bien que han aceptado repetir frases cuyo significado desconocen con el único fin de obtener por ello un beneficio por su "trabajo", una remuneración. Acciones que evidencian la urgencia de supervivencia (sea económica, sea de dependencia) del ser humano y los límites a los que éstos pueden llegar. Las acciones e intervenciones características de su quehacer artístico ponen al desnudo conflictos socio-políticos que han estado presentes, no solo en nuestro tiempo sino en la historia de la humanidad y evidencia más tarde -a través de la documentación fotográfica, en video o audio- los diversos matices que en cada ejecución se llevan a cabo.

Resultado de minuciosas significaciones, Santiago Sierra deja ver con su obra su postura ante un mundo en creciente desarticulación. Si bien es cierto que en la realidad mediática la indiferencia o con frecuencia se apodera de las reacciones (o las anestesia), la obra de Santiago Sierra difícilmente detona inercia en el espectador; precisamente aquello que reproduce del mundo bajo la licencia del arte es con frecuencia un argumento criticado por el lector de su trabajo.

Sol Henaro : 8 febrero 2008

de Rumanía

2008-01-26T00:19:00.002+10:00

Conocí a Dan Perjovschi en el tren que iba de Venecia a Basel, en el verano del 2007. Su trabajo me interesa; su sentido del humor y lo sencillo -pero contundente- de sus mensajes dibujados, lo agradezco. Visiten: http://www.perjovschi.ro

2007-10-18T20:24:00.001+10:00

Nota escrita por Édgar A. Hernández y publicada en Nuevo Excelsior, sección Comunidad. Martes 25 de septiembre de 2007. Título: El arte se escapa de la Celda Contemporánea.

Celda Contemporánea

2007-10-02T06:33:00.005+10:00

Breve y nostálgica enumeración de las exposiciones realizadas en la Celda Contemporánea, espacio del que soy fundadora y el cuál dirigí por varios años. Actualmente se encuentra en una restructuración en la que peligra su perfil originario.

Frei Von Jedem Schaden!
Exposisión del artista y curador Guillermo Santamarina
Curaduría de Sol Henaro
(última exposición a mi cargo en la CC, mi despedida en el 2006)
Celda Contemporánea
del 8 de abril al finales de mayo 2006

Inaugurada el 19 de abril del 2004, la Celda Contemporánea expuso proyectos y obra de artistas como Melquiades Herrera (+), Germán Venegas, Sarah Minter, Alberto Gutíerrez Chong, Carlos Aguirre, Guillermo Santamarina, Juan José Gurrola, Enrique Metinides (Revisiones); Iker Vicente, Edgar Orlaineta, Ale de la Puente, Enrique Jezik, Carla Herrera Prats, Diego Pérez, Alejandro Magallanes (Entre paréntesis); Celia Moreschi, Balam Bartolomé, Rigel Herrera, Ricardo Cuevas, Ilán Lieberman, Jose Luis Landet, Javier Hinojosa (exhibidor vs anaquel); Ricardo Cuevas, María Alos, Joaquín Segura, Carlos Aguirre, Diego Teo (Basura afortunada) y ha llevado a cabo alrededror de 20 pláticas y mesas redondas con diversos productores del medio artístico.

Curadora septiembre 2003 - abril 2006:
Sol Henaro

Curador abril 2006 - junio 2007:
Mauricio Marcín

la era del copyleft

2007-09-21T18:19:00.002+10:00

18 de septiembre 2007
La era del copyleft
¿El sol nace para todos?
Sol Henaro
Publicado en salonkritik
http://salonkritik.net/06-07/2007/10/el_sol_nace_para_todos_la_era.php

Desde que las distintas producciones del hombre se empezaron a firmar se ha modificado el concepto de autoría. Patentar, firmar, reclamar autenticidad, el registro notificado, la constancia de exclusividad, los derechos de autor y el copyright son aspectos comunes en la sociedad contemporánea ansiosa de reclamar la propiedad intelectual sobre determinada producción.

Recuerdo bien mis años de estudiante universitaria, aquellos en los que ante la imposibilidad económica para adquirir todos los libros que uno necesita o desea para la formación (particularmente los libros de arte pueden alcanzar precios exagerados) recurría semanalmente a fotocopiar textos, recuerdo también haber leído mas de una vez mientras esperaba mi turno aquella sentencia en las páginas iniciales de los libros: Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta obra –incluido el diseño tipográfico y de portada-, sea cual fuere el medio, electrónico o mecánico, sin el consentimiento por escrito del editor. ¿Habrá quien lo haya solicitado por escrito alguna vez? Quisiera conocer a UNA sola persona común que lo haya hecho… Si esta prohibida este tipo de reproducción entonces ¿porqué es legal la venta de fotocopiadoras? ¿Porqué no hacen redadas policíacas en las “papes” que circundan las zonas de estudiantes? Hay una gran diferencia en fotocopiar a nivel individuo para consumo personal y las estructuras delictivas que operan en zonas como Tepito, donde existe una industria compleja de falsificación de libros completos (y casi de cualquier otro producto) que resultan verdaderos facsímiles.

Si el conocimiento idealmente debe ser compartido, si la información tiene como uno de sus fines primeros fluir, moverse entre los individuos ¿porque no hacerlo? En una década en la que el uso del Internet se ha convertido en un bien de consumo diario para una gran parte de la sociedad, en un momento histórico en el que es posible consumir todo tipo de información a través de la red ¿qué función tienen por ejemplo el concepto de copyright? ¿No es acaso un concepto que como tantos otros debe mutar ante los cambios de una sociedad compleja y en constante transformación? En efecto ésto esta sucediendo. Algunos meses atrás me invitaron a publicar un artículo en una revista italiana que se enorgullece de ser una de las primeras revistas impresas que promueven la ética del copyleft, término que hasta entonces conocí. El copyleft como su nombre sugiere, esta emparentado con el necesario pero a veces castrante concepto del copyright, ese concepto que resulta casi inherente a la industria editorial, por ejemplo. Disfrutando de una polisemántica astutamente utilizada, suele traducirse sea como izquierda de copia o como permitida la copia; left – izquierda left – permitir.

El copyleft es la bandera de un movimiento cultural y político que reúne a toda clase de creadores y trabajadores intelectuales: músicos, escritores, programadores, artistas, editores, juristas, mediactivistas y un largísimo etcétera que amenaza con instalarse en cada rincón de la sociedad. Tomado de Copyleft manual de uso.

Dentro de los nuevos tipos de licencias para registrar determinada producción -sea cultural o no- existe el de Creative Commons (CC) que es una de las más difundidas y aplicadas en años recientes. CC opera de manera opuesta a la sentencia del copyright, promueve la distribución de info para dominio público y especifica que: Usted es libre de copiar, distribuir y comunicar públicamente la obra; hacer obras derivadas; hacer un uso comercial de esta obra. Bajo las condiciones siguientes: reconocimiento, debe reconocer los créditos de la obra de la manera especificada por el autor o el licenciador; compartir bajo la misma licencia, si altera o transforma esta obra, o genera una obra derivada, solo puede distribuir la obra generada bajo una licencia idéntica a ésta.

Sin embargo existen antecedentes sustanciales como el de la Internacional Situacionista que en 1958 promovía una actitud similar -en cuanto a la licencia de exclusividad- cuando sostenían que Todos los textos publicados por la Internacional Situacionista pueden ser libremente reproducidos, traducidos y editados, incluso sin citar la fuente original.

Diversas individualidades y proyectos colectivos defienden la privacidad o el crédito por su rentabilidad, por el provecho económico que puede obtenerse a partir de su comercialización. ¿Cuántas personas que contratan servicio de Internet inalámbrico no dejan cerrado su puerto para que no les roben la señal? ¿Con qué fin? Si finalmente ya han pagado el servicio porque no permitir que alguien más se beneficie de ello? Es mío, mío, mío me pertenece porque lo he pagado yo… pensarán algunos. ¿Y entonces dónde queda el beneficio que nos han brindado iniciativas como las del software libre? programas como Linux surgieron justamente para posibilitar una herramienta a todo aquel que quisiera utilizarla sin pagar algún costo por el uso de una licencia. Alrededor de 1980 en el mundo de la programación los software libres (o de código abierto) aparecieron como una reacción contra el monopolio de las grandes industrias de programación y contra las condiciones que ejercen en cada caso, Free Software Foundation es la prueba de ello. Algunos argumentarán que bloquean el acceso a su conexión inalámbrica para proteger su información solo que olvidan que cuando un hacker quiere entrar en acción, de todas maneras puede lograrlo. Wikipedia, el proyecto que surgió en el 2001 para escribir comunitariamente una enciclopedia en la web, permite que cualquier persona interesada en mejorar los servicios de información que ofrece la enciclopedia on line, lo pueda llevar a cabo libremente.

Es oportuno revisar de qué manera se aplicará la postura de copyleft en los diferentes campos de la producción cultural, reflexionar sobre la remuneración al productor intelectual cuando se aplican éstas nuevas licencias, si conviene en todos los casos, qué consecuencias puede generar… En el caso por ejemplo del videoarte en el que la venta de por si, no es fácil, que hacer? Hay artistas que comienzan a subir sus videos a servidores como youtube; donde puede ser visto por infinidad de personas gratuitamente… hay artistas que están en contra de subir sus videos por el temor a la piratería pero, qué no copian o roban o se inspiran algunos cuando asisten a exposiciones? Acaso no es sabido que “creativos” de grandes empresas de marketing consumen arte contemporáneo justo para “nutrirse”? Es en definitiva un tema polémico y que no está del todo claro cómo obtener su beneficio sobre todo cuando uno es el autor.

No se trata de abolir el concepto de autoría pero sí de promover un consumo de la información más “parejo”, promover la distribución y consumo de información aprovechando herramientas como lo es el Internet, por su alcance, por su costo y por su vigencia. Habrá que reflexionar también sobre ciberderechos; ya revisaremos cómo se continúa hilando el tema, qué aciertos se logran y qué tropiezos generan.

1. Copyleft suele traducirse como izquierda de copia o como permitida la copia; left/izquierda o bien, left/permitir.
2. No se trata de abolir el concepto de autoría pero sí de promover un mayor consumo de la información aprovechando herramientas como el Internet.
3. Hay salva-pantallas de diversos artistas que pueden descargarse gratuitamente, como las de Francis Alÿs o la de Santiago Sierra.
4. Si te interesa profundizar en el tema puedes descargar diversos manuales y libros gratuitamente en Internet.

Norte de España, primera exploración

2007-08-30T01:18:00.000+10:00

Foto: Sol Henaro - Centro de arte y naturaleza, Huesca.

Entre el 13 y el 16 de agosto rentamos un coche y recorrimos poco más de 2000 km por el norte de España. Mezclado con la relajación que merecen una vacaciones, aprovechamos para visitar ciudades en las que se encuentran algunos proyectos vinculados al arte contemporáneo que obviamente, quería conocer. La mayor parte de las galerías privadas -por ser verano-se encontraban cerradas... Aca la lista de los que pudimos ver:

1. Huesca.
Centro de arte y naturaleza
2.Bilbao
Sala Rekalde
Museo Guggenheim de Bilbao
3. San Sebastián
Koldo Mitxelena Kulturunea
Arteleku
4. Vitoria Gasteiz
Artium
5.Burgos
CAB, Centro de Arte Caja de Burgos
6.Zaragoza
Torreon Fortea - expo Peter Witkin
7. Barcelona
Centro d'art Santa Monica
Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona
pendientes: MACBA, Palau de la Virreina, Hangar

En Barcelona estabamos ya cansados de ver "arte" además, en Barcelona son demasiados los distractores que existen para que uno no pierda el tesón. Será en otra visita cuando recorra los muchos espacios que en esa ciudad me faltaron.

Esta es solo la lista, comenzaré pronto un texto con imágenes en el que compartiré mi visión general sobre cada uno de los espacios.

Arte y Frontera, Mexico

2007-08-11T22:47:00.001+10:00

En la foto, propuesta de Judy Werthein fotografíada por Alfredo De Stéfano. In Site 05

Artículo publicado originalmente en DROME magazine, septiembre 2007, Italia.
www.dromemagazine.com
copyleft

F R O N T E R A
ALCUNE LETTURE ARTISTICHE DAL MESSICO
-Sol Henaro-

Tijuana e San Diego sono la stessa città che, come Berlino, si è divisa per un “caso” o per strani disegni del destino. […] La frontiera s’impone come un vortice dimensionale inghiottendo tutti i viaggiatori senza documenti.
Fran ilich, Metro-Pop, Edizioni SM 1993-1997

Il Messico è un Paese formato dai più strani e sorprendenti contrasti. Il Messico è magico, povero, assurdo, stupefacente, propositivo, dinamico, resistente, è antico e contemporaneo, ed è geograficamente ancorato alla maggiore potenza economica, politica e culturale dei nostri tempi: gli Stati Uniti d’America. Questa coincidenza geografica marca il comportamento del Messicano in moltissimi aspetti della sua vita tanto che parlare di frontiera diventa pura routine.

In Messico le frontiere sono parte della normalità tra le troppo distanti classi sociali, i confini dell’educazione, il muro che ci separa dagli Stati Uniti, la polizia a caccia di immigrati illegali, le lunghe code in macchina per il controllo migratorio, i polleros o coyotes che trasportano illegalmente latini d’America…
Il Messicano, soprattutto quello del Nord, ha imparato a convivere con l’effervescenza che provoca tale separazione e ha appreso in alcuni casi a trarre profitto da questo stato di cose creando un sorta di rapporto parassitario remora-squalo. Che ne sarebbe degli adolescenti statunitensi senza una città come Tijuana, per esempio? Impossibilitati dal bere alcool nel loro paese fino a 21 anni, nel fine settimana tutti i bar e i centri notturni di questa città di frontiera si riempiono di giovani gringos: Americani che, sebbene contribuiscano all’economia locale, vedono Tijuana solo come un ricettacolo dei loro eccessi, la terra delle licenze e delle eccezioni. Un Rapporto promiscuo tra due realtà molto diverse.
Le linee di separazione reali, immaginarie o imposte sono tematiche sociali su cui molti artisti indagano, condannandole o esaltandole attraverso le loro proposte. Quelli qui citati sono solo alcuni esempi nati in Messico, dove il concetto di frontiera ha senza dubbio infinite sfaccettature.

Uno dei progetti più interessanti risultato della riflessione su questa dicotomia tra Messico e Stati Uniti è inSITE, evento internazionale d’arte contemporanea che implica la ricerca sul campo, oltre a seminari, interventi e progetti pubblici di artisti che studiano, osservano e vivono quotidianamente - ma solo per un certo periodo - la relazione tra le vicine città di San Diego (negli Stati Uniti) e Tijuana (in Messico), città divise da un vergognoso muro eretto lungo la linea di frontiera. Con regolarità biennale inSITE offre in ogni edizione una scelta di artisti, curatori e teorici internazionali che sperimentano per un certo periodo la doppia realtà geografica per poter poi creare una proposta artistica. Nell’edizione del 2005 uno dei progetti più interessanti che riuscì ad offrire un’opinione critica sul tema fu Brinco (Salto, NdR), dell’artista argentina Judi Werthein, che creò un esclusivo modello di scarpe da ginnastica espressamente progettato per gli immigrati che ogni giorno cercano di saltare il muro per provare a raggiungere il loro sogno americano. Le scarpe - che nascondono analgesici, una razione di sali minerali, una bussola, una micro-lampadina, una cartina con le migliori rotte illegali attraverso il deserto per arrivare a San Diego e una piccola busta per occultare i pochi soldi che portano con sé -, furono distribuite gratuitamente a vari “saltatori” in un atto quasi altruista che pretendeva di offrire qualche beneficio ai clandestini (los indocumentados) durante la loro dura traversata.
L’artista venezuelano Javier Téllez realizzò la performance One Flew Over the Void (Pallottola persa, NdR) sulla spiaggia californiana a pochi metri dal muro di confine, dal quale scagliò un uomo-pallottola che, attraversando per via aerea la frontiera, atterrò sul lato statunitense, esplorando così la nozione di frontiera spaziale e mentale. Durante l’atto artistico c’era un’atmosfera d’assoluta frenesia - per lo meno dal lato messicano - dovuta all’implicazione politica del gesto che era anche un atto sarcastico, una parodia sulla possibilità di oltrepassare la difficile frontiera senza mettere un piede sulla linea divisoria e senza dover mostrare nessun passaporto.

In queste due proposte è evidente il rapporto e la critica al dibattito politico sul concetto di confine ma esistono anche altre proposte non legate a IN SITE con cui si segnalano diverse prospettive sul tema, proprio come succede con l’opera Cuando la fe mueve montañas (Quando la fede muove le montagne, NdR), dell’artista belga, ormai messicano d’adozione, Francis Alÿs. Alÿs convocò circa 500 volontari per partecipare a un’azione artistica durante la III Biennale di Lima (Perù), nel 2002, in cui venne spostata di qualche centimetro, con il solo ausilio di pale, una duna di sabbia. Senza dubbio questa azione è stata il risultato di un atto di fede, della volontà di superare una barriera mentale e di riuscire con la collaborazione e partecipazione dell’altro in un atto quasi strampalato, una prodezza poetica, forse, un moto di speranza. Una proposta che è riuscita a provocare un impatto nell’animo della società e un esempio di come sia possibile generare con l’arte diverse vie per capire la realtà e il mondo.
Nel caso dell’opera America Letrina (America Latrina, NdR), l’artista messicano Damían Ortega segnala con ironia il rapporto degli Stati Uniti d’America con l’America Latina che, in molti sensi, è vista come il cassonetto dell’indesiderabile, l’area di discarica o il porto franco della corruzione, come capita per esempio con le decine di maquiladoras (fabbriche di produzione in serie) che sono state costruite nella zona periferica di Ciudad Juárez (città tristemente famosa per i molteplici omicidi di donne) dato il basso costo della mano d’opera e, più in generale, per la possibilità di infrangere le locali norme ambientali e di sicurezza. Ma questa è ancora un’altra storia…

Orlan en el mercado...

2007-08-10T02:24:00.000+10:00

Esto fue si no recuerdo mal, en octubre del 2005 en la Ciudad de México durante un congreso sobre género llamado "El cuerpo descifrado" en el que participó la polémica y algo trasnochada Orlan. Al terminar su participación en el congreso Alejandra Frausto, Antonio Barquet y yo la llevamos al mercado de Sonora, famoso por su venta de artículos para practicar la brujería y santería. Faltaba poco para celebrar en México el día de muertos para unos y halloween para otros... fue divertida la reacción de la gente al ver a Orlan paseándo entre disfraces chafas de dráculas y momias... alguien le gritó que SU disfraz estaba increíble. Ella no entendió el comentario pero a nosotros nos causó mucha gracia.

Iván el poeta de calle www.i-v-a-n.net

2007-08-10T01:52:00.000+10:00